Dal 1 dicembre 2018 al 30 gennaio 2019

La Galleria Clivio è lieta di invitarvi venerdì 30 novembre 2018 alle ore 18.00 presso il proprio spazio espositivo di Milano in Foro Buonaparte, 48, alla mostra: ANTONIO VIOLETTA: OPERE SCELTE con testo critico di Flaminio Gualdoni.

Saranno presenti sculture realizzate dai primi anni '80 sino ad oggi: gessi, bronzi e terracotte che ricostruiranno il percorso artistico di Violetta.
Citando Flaminio Gualdoni: “Violetta ripensa un primitivo che non sia quello tribale celebrato dalle vulgate dell’avanguardia, bensì quello dei “nativi europei”, che tocca anche lo schema del volto/identità con tutto quanto ciò comporta sul piano del busto come doppio possibile del vivente, o della memoria del vivente, o dell’idea sola di vivente: e d’una bellezza straniata ma viva.

La questione della referenzialità è ridotta, qui, a risonanze formali meravigliate, inglobata nel passo di una crescita della forma che risponda solo a sé stessa, al proprio fluente metamorfico esistere nello spazio, coagulandosi in un esemplare momento/pausa della propria sostanza materiale.
Scrive l’artista: “Segni grafici e fratture, solchi e tagli sono le impronte che emozione e pensiero lasciano nelle opere. In alcune le impronte diventano tracce simboliche e tendono alla ricerca della bellezza attraverso forma ed equilibrio”.

Con questa mostra la galleria rende omaggio ad uno degli scultori più significativi della generazione anni '80, già presentato a Documenta Kassel nel 1982 da Germano Celant. Tra le sue mostre più importanti la personale al Kunstverein nel 1985 e la biennale di Venezia del 1986. Nel 1989 espone al Schirn Kunsthalle di Francoforte, nel 1999 allestisce una mostra personale alla Galleria d'Arte Moderna Palazzo Forti di Verona e partecipa alla XIII Quadriennale d'Arte Internazionale di Roma.
Nel 2018 viene collocata presso il Palazzo di Giustizia di Firenze l’opera “Giustizia”, vincitrice nel 2015 del concorso internazionale di arte contemporanea.

Inaugurazione 17 novembre 2018, 18:00-20:30

in mostra fino al 19 gennaio 2019

Mani che imbrogliano è la seconda mostra personale di Alessandra Spranzi alla galleria P420, dopo Maraviglia (2014) e la collettiva Lumpenfotografie (2012, con Hans-Peter Feldmann, Peter Piller, Joachim Schmide Franco Vaccari).La nuova mostra presenta lavori recenti e altri che risalgono fino al 1995, in una specie di punteggiatura del pensiero, o della visione, che è sempre nel presente, ma che si sviluppa in un ampio arco temporale. 

Alessandra Spranzi lavora con l’immagine fotografica in modi e forme diverse: fotografando, rifotogrando, raccogliendo, tagliando, indicando, cancellando. Interviene quando le immagini e le cose si allontanano dal loro uso e diventano, per così dire,inconsapevoli di sé, delle proprie possibilità e della propria bellezza.

Per Mani che imbrogliano l’artista ha preparato un grande spettacolo di magia fatto di poco, molto poco. Immagini da manuali, di oggetti trovati o raccolti per strada insieme ad altri che animano da sempre le quinte della nostra casa, gesti che mostrano, che provano a spiegare qualcosa. Come Harry Houdini, che proponeva, per 50 centesimi, di insegnare “Come leggere al buio biglietti piegati”. Carte piegate al buio con dentro, forse, un’immagine.

Alessandra Spranzi, è nata a Milano nel 1962 dove vive.

Ha studiato alla Scuola Politecnica di Design e all’Accademia di Belle Arti di Brera. È docente di Fotografia all’Accademia di Belle Arti di Brera di Milano. Dal 1992 ha partecipato a diverse mostre, sia personali che collettive presso: P420, Bologna; Fondazione Sandretto Re Rebaudengo, Torino; Centre National de la Photographie, Ile de France; Arcade, Londra; Fondazione del Monte, Bologna;  MAMbo, Bologna; Galleria Martano, Torino; Maga, Gallarate; Galleria Nicoletta Rusconi, Milano; Festival di Fotografia Europea, Reggio Emilia; Museo di Fotografia Contemporanea, Cinisello Balsamo; Galleria Fotografia Italiana, Milano; Man, Nuoro; Gamec, Bergamo; Museo Marino Marini, Firenze; Galleria Emi Fontana, Milano; Museo Pecci, Prato; Le Magasin, Grenoble; Careof, Cusano Milanino. Dal 1997 ha realizzato numerose pubblicazioni e libri d’artista.

L’ultimo libro, Uova, posate e altri oggetti, è stato pubblicato in occasione di Mani che imbrogliano.

con Vittoria Coen e Giovanni Granzotto

in collaborazione con l’Archivio Conti

Durata: 17 novembre 2018 – 12 gennaio 2019

Inaugurazione: sabato 17 novembre, ore 18.30

con una danza sulla musica di Paola Samoggia

Curatori: Vittoria Coen, Giovanni Granzotto

Catalogo: Con un florilegio critico, 30 immagini a colori, cartonato, Edizioni PoliArt Contemporary

Ufficio Stampa: Spaini & Partners

La PoliArt Contemporary di Milano presenta, in occasione dell’ottantesimo compleanno di Paolo Conti, la mostra personale 80|l’erosione del tempo. Sono venti le opere scelte dal ciclo delle Erosioni, realizzate con spessi cartoni preparati, poi pazientemente scavati e dipinti. Quella della PoliArt Contemporary è la prima esposizione esclusivamente dedicata a questo ciclo (nato nel 2005), in cui l’artista indaga il concetto di entropia.

Dai primi anni Settanta la ricerca di Conti si fonda su una sovrapposizione di arte e scienza, da cui ricava un’inedita potenza gnoseologica.

Come ha scritto Vittoria Coen nel 2006 a proposito di Conti: «Evoluzione, termodinamica, studio del cosmo individuano un “universo incerto” come ambito di ricerca. L’universo è riconducibile a una perenne evoluzione. Il demiurgo produce conoscenza, perché vi si mette in relazione».

L’affacciarsi della fisica su fenomeni che non hanno corrispettivi linguistici e visivi adeguati, da tempo trova nelle creazioni e nelle metafore dell’arte un’insostituibile risorsa. In altre parole, la scienza ha bisogno di dare parole e immagini impensate alle proprie scoperte, e proprio l’arte è l’ambito in cui formarle, produrle, a patto che sia un’arte in grado di raggiungere quelle acquisizioni. In una sorta di sogno dello scienziato, la sperimentazione diviene così creazione, in cui le logiche e i paradigmi scientifici interiorizzati, continuano a funzionare pur deflagrando in un’umana trasfigurazione.

D’altro canto, la ricerca artistica contemporanea può così sperimentare una via di emancipazione da alcune reiterate forme di autoreferenzialità performativa, ora tematizzandosi come sistema conoscitivo, con ritorni di fruizione visibili secondo diversi gradi di approfondimento.

Nelle Erosioni di Conti le forme originalissime e “scientificamente perfette” (come da sempre chiosa l’artista), il cui carattere è una nettezza metallica di derivazione tecnologica e industriale, si confondono secondo molteplici piani di profondità reali e virtuali, la cui unica regola combinatoria pare essere un impercettibile processo di consunzione. L’erosione è la quantità di energia che diviene visibile nel perdersi o nel non realizzarsi della forma, è l’indefinita parte oscura che segna l’alterità e la condizione della potenza.

Guardando un’opera come Quel che resta della concretezza, il piano limite è infranto e, infrangendosi, infrange, in una quasi continuità frattale, l’inarrestabile moltiplicarsi dei piani soggiacenti: in una sorta di big bang, il primo piano e la profondità infinita si confondono. Qui allora le forme s’infinitano come grappoli di stelle e, come stelle, si consumano. LC

Opere dal 1968 al 1988

Dal 30 Novembre 2018 al 23 Febbraio 2019 |

Osart Gallery, Milano

Opening: Giovedì, 29 Novembre 2018 alle ore 18,30

Gina Pane (Biarritz, 1939 – Parigi, 1990), riconosciuta come una delle maggiori esponenti dellaBody Art,è la protagonista della mostra in programma presso Osart Gallery dal29 novembre 2018al 23 Febbraio 2019. La retrospettiva, a cura di Valerio Dehò,si propone di raccontare la poetica dell'artista italo-francese attraverso una selezione di opere, prodotte tra il 1968 e il 1988, provenienti da importanti collezioni italiane. L'esposizione si compone di “constatazioni”,ovvero sequenze fotografiche che documentano alcune tra le Azioni più celebri di Gina Pane, e di“Partizioni”, ovvero installazionia parete che spesso recano anche parzialmente tracce di opere precedenti delle stesse Azioni.Queste furono presentate a Milano per la prima volta al PAC nel 1985 con la mostra “Partizioni Opere multimedia” a cura di Lea Vergine. 

La mostra segue un percorso cronologico e si apre con Pierres déplacées [Pietre spostate] (1968):unasequenza fotografica a colori realizzata nella Valle dell'Orco in provincia di Torino, luogo caro all'artista, nella quale raccoglie pietre di piccola taglia dalle caratteristiche ben precise (“esposte a nord, ricoperte di muschio, incastrate dentro una terra umida”) per spostarle in un luogo orientato verso sud. Quest'opera testimonia una delle prime azioni dove l'artista supera la fase d'esordio delle sculture minimaliste (chiamate “Structures affirmées”)e si interroga sul rapporto uomo-natura. La stessa celebre serie di fotografie “Alpi marittime” di Giuseppe Penone è degli stessi anni e sempre in Piemonte. 

Si passa dunque alla celebre Azione Sentimentale,tenutasi alla Galleria Diagramma di Milano nel 1973. L'azione originale, divisa in quattro fasi, è dedicata alle donne alle quali fu chiesto di disporsi in cerchi tracciati a terra con il gessetto all'interno dei quali figurava la parola DONNA. L'artista è vestita di bianco e porta un bouquet di rose rosse dalle quali stacca tutte le spine conficcandole poi nel suo stesso braccio. Le toglie lasciando colare un rivolo di sangue. Le rose rosse del bouquet diventano bianche. Il vestito bianco si tinge di rosso.

Sempre dei primi anni Settanta troviamo Action mélancolique2x2x2, 1974 eAction Psyché (Essai), 1974-1975.

InAction mélancolique 2x2x2 [Azione Malinconica 2x2x2]la malinconia viene esplorata evocando la relazione di coppia in tutte le combinazioni possibili. La ferita che compare nell'opera è stata praticata dall'artista all'altezza dell'orecchio e allude al famosogesto disperato di Vincent Van Gogh. Qui, l'altro fa la sua comparsa e a fianco dell “io”rappresentato da Gina Pane compare il “tu”rappresentato dalla schiena nuda di una ragazza. Il cuore disegnato, quindi, inscrive la relazione amorosa in uno spazio non più codificato dal genere ma dalla forza assoluta del sentimento. “L'Azione”, dice l'artista, “permette agli altri di prendere coscienza del conflitto e di passare da una situazione isolata ad una situazione unificatrice”.

L'Action Psyché (Essai) [Azione Psiche (Prova)]qui esposta condensa attraverso tre scatti fotografici le fasi più strazianti dell'azione. Sul viso di Gina Pane, che ha gli occhi chiusi, colano lacrime di sangue dalle palpebre che ha tagliato in precedenza con una lama di rasoio. “Quattro linee partono dal centro del corpo: l'ombelico 'IO' è il centro che si propaga nelle quattro direzioni riportando all'unità I punti estremi in una sintesi di amore”. La bellezza ideologica e plastica dell'Action Psyché descrive al meglio la filosofia pittorica del linguaggio di Gina Pane che in questo modo spinge oltre il linguaggio privilegiato della Body Art.

E se la psiche è il fulcro dell'organismo,nell'operaIo mescolo tutto: Cocaina, Frà Angelico,Gina Pane utilizza il corpo come strumento naturale di essa. L'azione eseguita il 30 ottobre 1976 è la prima in un museo, la Galleria Comunale d'Arte Moderna di Bologna. Mentre due giovani si rilanciano una pallina su un tavolo appoggiato al muro, l'artista servendosi di una scheggia di un vetro andato in frantumi si incide sull'avambraccio il disegno di alcuni pezzi di un gioco trovati per terra. La rottura del vetro, materiale importante per l'artista, in diverse opere rappresenta la modalità di uscire da una cornice "per andare in strada, nel mondo, non a livello dei manichini ma a livello della carne”.

Dal 1981 Gina Pane termina il ciclo delle Azionied inizia quello delle Partizioni.L'artista abbandona per limiti fisici l'uso del proprio corpo come linguaggio e ritorna alla scultura con l'esperienza performativa alle spalle. Ne L'Homme à la branche verte qui n'avait pas lu les Fleurs du mal – Partition pour une blessure[L'uomo con il ramo verde che non aveva letto i Fiori del Male – Partizione per una ferita], 1982. Gina Pane torna sull'idea di ferita con una foto che ricorda l'Action Sentimentale e che occupa un posto centrale dell'installazione.Per l'artista la ferita simboleggia la vita piuttosto che la morte; il sangue rappresenta un’offerta di amore verso il prossimo oltre ad essere una fonte di energia che libera l'uomo dai propri limiti. Chi la disprezza è ritenuto ridicolo, esattamente come l'uomo raffigurato con il rametto verde che non aveva letto Baudelaire. Il ciclo si chiude con Le Son de F. L'homme indien en prière (version 3)[Il suono di F. L'uomo indiano in preghiera (versione 3)],1986-88.Quest'opera della seconda metà degli anni Ottanta si compone di più pannelli assemblati. I materiali di cui si compone l'opera sono principalmente rame e ferro, materiali su cui l'artista interviene. “come se lavorassi con il mio corpo di carne ed ossa, nervi, muscoli, sangue”, sottolinea Gina Pane, infatti “il rame è un materiale vivo non appena lo toccate appaiono delle tracce”. La geometria di tali pannelli ricorda i polittici posti dietro o sopra gli altari delle chiese medioevali, mentre la disposizione a “T” evoca nuovamente la forma della croce. Nel titolo si fa riferimento a San Francesco una delle figure centrali delle Partitions di Gina Pane alla cui vita l'artista dedica diverse opere, affascinata dalla povertà del santo di Assisi e dalla sua visione della fede come dura disciplina. 

Note biografiche (1939-1990)

Gina Pane nasce a Biarritz, Francia, il 24 maggio del 1939 da padre italiano e madre austriaca. Trascorre la sua infanzia a Torino e si trasferisce a Parigi nel 1961 per frequentare la Scuola Nazionale di Belle Arti. Inizialmente realizza dipinti di natura astratta geometrica che trasferisce poi nello spazio attraverso la scultura: il risultato sono opere monumentali che interagiscono con gli spettatori, idea importante per la sua futura ricerca artistica. Nel 1970 Gina Pane realizza le prime Azioni che diverranno il suo marchio di fabbrica rendendola la maggiore figura nella storia internazionale della Body Art. Nel 1985 abbandona le Azioni per dedicarsi alle Partizioni, installazioni che permettono di trasferire sulla materia le evocazioni di un corpo ormai assente, come quello dei santi e dei martiri a cui l'artista dedica molte delle sue opere. Gina Pane si spegne il 6 marzo del 1990 a causa di una lunga malattia.

GINA PANE DALLE COLLEZIONI ITALIANE. 

Opere dal 1968 al 1988

Luogo: Osart Gallery | Corso Plebisciti 12, 20129 Milano

Date: 29 Novembre, 2018 – 23 Febbraio, 2019

Orari di apertura: dal martedì al sabato,

10 – 13 / 14.30 – 19 (entrata libera)

Catalogo: saggio critico a cura di Valerio Dehò

Contatti:T 02 5513826 Mail  

vernissage: mercoledì 21 novembre, 18.30 – 21.30

date: 21 novembre - 22 dicembre 2018

location: Via Ausonio 1A, Milano

a cura di Giuseppe Pizzuto

testo critico di Shepard Fairey e Serena Silvestrini

Wunderkammern è lieta di presentare nella sede di Milano la prima personale in Italia dell’artista americano Tavar Zawacki: SHAPESHIFTING.

Tavar Zawacki (USA, 1981), conosciuto fino al 2016 con lo pseudonimo ABOVE, è un artista americano che attualmente vive e lavora a Berlino, in Germania. Incoraggiato da una famiglia di artisti, inizia a produrre i primi graffiti in California nel 1996 lasciando i suoi interventi murali in 100 città e in oltre 60 paesi differenti. In tutte le sue opere l’artista mostra una notevole padronanza grafica che gli ha permesso di creare, nel corso degli anni, un linguaggio visivo distintivo e potente. Tale forza è evidente sia negli stencil di stampo politico e sociale realizzati sotto il nome di ABOVE che nelle nuove armonie di forme e colori ricercate e ideate come Tavar Zawacki. La metamorfosi dell’artista non è avvenuta solamente dal punto di vista stilistico, ma anche e soprattutto dal punto di vista personale:

''Neil Armstrong lo ha detto meglio 'È un piccolo passo per un uomo, ma un grande passo per l'umanità'. È strano, ma mi sembrava di aver realizzato l'impossibile quando ho deciso che ero pronto ad uscire dalla mia ombra e iniziare a creare nuovi lavori con il mio nome, Tavar Zawacki. Per la maggior parte delle persone è un piccolo passo da vedere, ma mi permette la completa libertà di creare nuove opere d'arte. – Tavar Zawacki

Le sue opere sono caratterizzate da una varietà di applicazioni e soluzioni di design senza porsi limiti, dalle sue tipiche frecce rivolte verso l’alto a geometrie di ogni tipo, supportate dall’uso di diverse tecniche pittoriche tra cui l’Op Art e il trompe-l’oeil che permettono con la manipolazione delle ombre, la creazione di giochi ottici e illusioni di profondità. Lo stile pittorico all’avanguardia di Tavar, sia per le sue opere murali che per le sue tele e sculture, risulta così contraddistinto da un vasto campo di colori e da una astrazione geometrica che pone lo spettatore in un dialogo percettivo.

Wunderkammern presenta nella sede della galleria di Milano, per la prima volta in Italia, la personale di Tavar Zawacki: SHAPESHIFTING. In quest’ occasione l’artista ha deciso di riflettere sul concetto di metamorfosi intesa in senso personale e artistico, mettendosi alla prova con l’uso di differenti tipologie di forme e colori. L’esplorazione di forme diverse e delle loro intersezioni è vista da Tavar come un gioco stimolante e una continua sperimentazione, che si concretizza in una estetica visuale e nell’impiego di tecniche che vanno ad esaltare il colore. Le forme geometriche sono abbinate in libertà come se fossero dei puzzle, lasciando allo spettatore la possibilità di guardare le sue opere da più angolazioni. In mostra saranno presenti tele di formato medio - grande e sculture di varie dimensioni che si staglieranno talvolta su pareti bianche, talvolta su pareti dai colori contrastanti.

Cultural Partner: IED – Istituto Europeo di Design

Media Partners: ArtsLife, Collater.al, Art Vibes, MyMi, Artuu

Technical Partners: Casale del Giglio, different.photography, Romoletto

WUNDERKAMMERN

Via Ausonio 1A, Milano

(M2 e Autobus 94 fermata Sant’Ambrogio)

www.wunderkammern.net

+39 0284078959

Entrata libera
Martedì – Sabato, 11.00 – 19.00

fino all'11 gennaio 2019

Juno Calypso, in mostra per la prima volta in Italia allo Studio Giangaleazzo Visconti di Milano le opere dell’artista londinese

Sarcasmo e ironia per affrontare i pregiudizi legati alla donna contemporanea, ambientazioni surreali tra cui un motel americano per coppie in crisi e una villa-bunker a Las Vegas.

Autoritratti fotografici dall’estetica apparentemente pink e caramellosa, ma dall’approccio critico, sospesi tra noia, narcisismo e black humor.

La giovane fotografa nata e cresciuta a Londra Juno Calypso, nome cult per gli amanti di un’estetica pop pink che richiama gli anni ’60 e ‘80, nota a livello internazionale soprattutto per le tre serie Joyce, The Honeymoon e What to do with a Million Years, debutta per la prima volta in Italia con una mostra allo Studio Giangaleazzo Visconti di Milano in corso Monforte 23. L’artista sarà presente all’inaugurazione fissata per mercoledì 24 ottobre, dalle 18.30 alle 21 e la mostra proseguirà fino al 11 gennaio. Un lavoro tutto da scoprire, quello di questa artista giovane ma già affermata, capace di calamitare un significativo seguito sia online attraverso i suoi canali social, sia di persona per precedenti esibizioni e performance all’estero a New York, in Sud Corea, Messico, Canada e Cina.

Quelli di Juno Calypso - vincitrice tra gli altri del prestigioso Photography Awards 2016, il premio di fotogiornalismo più ambito al mondo indetto dal British Journal of Photography - sono scatti gentili e intensi che appassioneranno i visitatori catapultandoli in realtà ironiche e stranianti. Una selezione di immagini selezionate dalle tre serie citate, a partire dall’alter-ego dell’artista, Joyce, personaggio immaginario che raffigura una casalinga sola e repressa in ambientazioni insolite e surreali. Una donna alla ricerca spasmodica della perfezione attraverso l'uso di trattamenti di bellezza e dispositivi per il miglioramento del corpo.

Solitudine della protagonista degli scatti e carattere surreale delle ambientazioni anche per la serie The Honeymoon del 2015, per cui l'artista si è chiusa per una settimana in una camera demodé di un motel americano per coppie in crisi con la sua valigia piena di parrucche e lingerie. Joyce ha quindi posato in vasche da bagno rosa a forma di cuore e nuda di fronte a specchi multipli mettendo in atto rituali che altrimenti si svolgerebbero in questi spazi con due persone, mostrandoci l’aspettativa di seduzione delusa e un’atmosfera di estrema malinconia.

Infine saranno presenti opere dal suo ultimo progetto del 2018 What to do with a Million Years. Questa volta la scelta del set cade su Las Vegas, dove ancora oggi si trova un vero e proprio bunker costruito nel pieno del terrore nucleare alla fine degli anni '60. Una villa sotterranea creata da un ricco imprenditore di cosmetici, progettata per essere vissuta quotidianamente. Il bunker è dotato di ogni comfort, piscina, bagno idromassaggio, stanza per gli ospiti, sala da ballo, e un giardino in cui fare il barbecue. "Una via di mezzo tra una tomba e un mausoleo, dove tutto è silenzioso e immobile. Una sorta di capsula del tempo." dice l’artista. A rendere tutto più misterioso è stato per Juno scoprire che l'attuale proprietà del bunker è di una società interessata alla crionica, la scienza che iberna i corpi in azoto liquido.

Le opere di Juno Calypso sono state pubblicate da numerose testate internazionali tra cui: Vogue Italia, TIME, The Guardian, Paper, i-D, Dazed & Confused, The Sunday Times, The Independent and VICE. 

Press Office: Giulia Rossi

tel. + 39 338 2166003 -

STUDIO GIANGALEAZZO VISCONTI

Corso Monforte 23 - Milano

tel. +39 02 795251 -

orari galleria: lunedì - giovedì, 10.00-13.00 e 14.30-18.30

venerdì, 10.00-15.00

Nella mitologia greca e romana, immergersi nel fiume Lethe significava perdere memoria di quanto vissuto. L’oblio per gli antichi era un’esperienza al contempo negativa e positiva, riduceva la consapevolezza del proprio passato e preparava a un nuovo inizio. Lethe è un fiume degli Inferi come fu Stige, titolo della precedente personale di Francesco Ardini per Federica Schiavo Gallery (Roma, 2015). Per l’artista, il fiume è anche la connessione tra il suo medium preferito e la sua terra d’origine: quattrocento anni fa la popolazione del piccolo comune vicentino Nove ricavava l’argilla dal Brenta, dando inizio a una tradizione oggi consolidata.

Nella “Stanza dei ricordi”, un’installazione a pavimento rappresenta Lethe, un fiume di memorie dalle forme imprecise, composto da segmenti tubolari in porcellana realizzati con la stampante 3D, tecnologia testimone di un fare unico e continuo come lo scorrere del pensiero. Cumuli di polvere di porcellana, forme in gres, smalti e feldspati con inclusioni di manganese, grafite e cristalline, colori diversi marcano l’aspetto magmatico e caotico del pensiero. Gli elementi emergono da un archivio eterogeneo di oggetti antichi ed effetti personali, decorazioni tradizionali e immagini dell’inconscio. Delle reminiscenze e dei pensieri siamo solo parzialmente consapevoli: a questo alludono le configurazioni di polvere in porcellana, frammentarie, ma perfettamente immobili.

Il primo ambiente contiene e si compie con una stampa di grandi dimensioni, preludio de “Il giardino immaginario delle Paradisaeidae”. I paesaggi celesti sono il risultato di un processo di astrazione di una serie fotografica, realizzata fra gli anni Settanta e Ottanta nel Museo della Ceramica di Nove (Vicenza). L’artista ha acquisito e modificato le immagini, trasformandole nel suo paradiso. Le Paradisaeidae sono composte da sezioni in aggetto ispirate ai movimenti delle classiche ceramiche appese ai muri del museo. Sono presenze architettoniche che trasportano in una dimensione spazio-temporale altra.

La mostra si chiude con un “Ritorno a casa”, dove per casa s’intende il mondo concreto che ci accoglie dopo un viaggio nell’immaginifico. Le opere ci riportano a forme familiari, quali zuppiere, brocche e vasi. Le tradizionali maioliche sono esposte, come nelle vetrine delle fabbriche di Nove, in uno stato di semi-abbandono, impolverate. Al tatto, la polvere si rivela non volatile, sorprendentemente stabile, e si nota il passaggio delle dita dell’artista, un gesto di ironica ma delicata interazione con il passato.

La galleria Colossi Arte Contemporanea di Brescia dedica all’artista Dario Brevi -Limbiate (Mb), 1955- la mostra personale Dario Brevi...altri racconti. 

Annoverato dal critico Renato Barilli nel gruppo, da lui teorizzato, dei Nuovi Futuristi, negli anni ‘80, l’artista eredita dal futurismo storico di Balla e Depero, più ludico e decorativo rispetto a quello austero e programmatico di Boccioni e Severini, la vocazione a una ricostruzione dell’universo che inglobi, nell’opera d’arte, suggestioni tratte dalla vita quotidiana e da tematiche contemporanee tramite molteplici linguaggi artistici: dalla pittura alla scultura, dall’arte figurativa all’installazione, dal design alla grafica. Per questo le sue opere recuperano l’oggettualità della Pop storica, focalizzandosi sulla consistenza materiale dell’opera (in contrasto con la tendenza dell’arte concettuale e povera ad assottigliarla), ma sottraendone la dura connotazione polemica nei confronti della società del consumo per conferirle un aspetto morbido e accattivante, colorato e suadente, in stile Neo-Pop. 

Brevi conferisce nuova dignità alla pittura, ma in una dimensione nuova, dove essa si applica alla tridimensionalità dai contorni fluidi, morbidi e densi delle sue opere. Le sue “pittosculture” risentono della vocazione all’espansione ambientale dell’Arte Povera (derivata anche dalla sua laurea in Architettura) e del suo gioco dialettico tra materiale industriale e di origine organica; le sue tematiche evocano il citazionismo nomade della Transavanguardia e si rifanno ai miti dell’immaginario collettivo, del progresso, della velocità come frutto delle innovazioni tecnologiche: la macchina, la moto (Moto mito, 2007), tanto cari al futurismo storico. 

Come i suoi antesignani Balla e Depero, Brevi ama riplasmare le forme con uno spirito ludico e decorativo, giocare sulla duplicità tra artificiale e naturale, meccanico e vivente, iconico e aniconico, con il ritmico dualismo di vuoti e pieni, dando vita a nuove modalità percettive dell’immagine. Le opere dell’artista sono costruzioni narrative che si dipanano sulla parete mediante lo studiato accostamento di addensamenti cromatici, dai profili “soffici”, dall’andamento curvilineo, intagliati e modellati all’interno del suo materiale d’elezione, l’MDF (Medium Density Fibreboard), un legno truciolare corposo e denso, molto usato nella fabbricazione dei mobili e, in seguito, dipinti con brillanti vernici e smalti acrilici per creare una patina traslucida che fa dimenticare l’originaria durezza del materiale. 

Nelle sue opere, iconografie fluide, dalle forme plastificate si configurano tramite la suddivisione in masse definite ognuna da colori acidi, freddi che ci riportano all’artificialità del materiale; anche se mascherate come sono da conformazioni organiche ispirate alla natura, i loro soggetti ci riportano all’immaginario del consumismo e alle sue icone plastificate (i ritratti di Marilyn, Audrey Hepburn, James Dean), quello della Milano anni ’80, glamour e modaiola in cui l’artista è cresciuto. Le sue stesure terse di colore in piani bidimensionali ricoperti di una patina sfavillante esplodono sulla parete come un’effusione di vapori, si disperdono nello spazio assumendo la forma di uno sciame di farfalle, di alvei di fiumi, definendo sagome curvilinee di colline, foreste e montagne, oppure di figure umane e animali, motociclisti, alpinisti, tuffatori e Vespe; il loro addensarsi segue le stesse modalità figurative del linguaggio pubblicitario dei mass-media, dove le immagini si amalgamano in un fluire continuo di stimoli sensoriali. 

Lavorando il materiale come un prestigiatore, l’artista ci sottrae da quest’assuefazione visiva, predisponendo la configurazione degli intagli all’interno dei suoi vasti piani arrotondati che talvolta si tramutano in profili di figure, da individuare all’interno della trama cromatica di elementi magmatici di colore dall’andamento ondulato; altre volte, sono essi stessi a fungere da tratti costitutivi dell’immagine, in una sorta di fantasmagoria plastica. Spetta noi scegliere se individuare il soggetto o perderci in questa costruzione spaziale costantemente in bilico tra pittura e scultura, artificio e natura. E al mondo naturale ci riportano soggetti come farfalle, alberi, oltre alle tematiche trattate: la perdita della biodiversità, il complesso equilibrio dell’ecosistema terrestre, il rapporto uomo-natura, la cultura ebraica - vedasi le mostreChanukkahal Joods Historisch Museum di Amsterdam e Channukkà, al Museo dei Lumi di Casale Monferrato (Al) - la brutalità della guerra; temi contemporanei e attualissimi ai quali le arguzie dei giochi linguistici dei titoli conferiscono un respiro epico (vedasi le mostre Jean Cocteau et le motsalla Maison du Livre e du Tourisme di Becherel, in Francia e Jean Cocteau - Poésie de Théatre al Teatro Due di Parma). 

Qui, l’uso della parola si integra perfettamente al soggetto dell’opera che, in quanto forma espressiva essenziale, diviene un frame che blocca un attimo dello svolgimento dell'immaginaria storia narrata (Tra le righe delle foglie son scritte le storie – cap.....), in una perfetta sintesi linguistica che dialoga con la realtà onirica creata da Brevi, talvolta citando l'universo favolistico per suggerirci con ludica ironia una morale senza tempo. La dimensione caleidoscopica di colori generata dall’artista si trova perfettamente in linea con la “società liquida” del post-moderno citata da Bauman, ma senza dimenticare l’eredità delle correnti artistiche che lo hanno preceduto.

Cenni biografici:

Dalla sua personale presso la galleria Diagrammadi Luciano Inga-Pin a Milano nel 1985 e l’invito di Luciano Caramel alla collettiva Dopo il concettuale, svoltasi al Palazzo delle Albere di Trento l’anno successivo, la carriera artistica di Dario Brevi decolla già tra gli anni ’80-’90; questo non solo grazie alla collaborazione con Andrea Murnik (Nuovo Futurismo 1984-1990, Galleria Murnik, Milano, 1990) che, tramite la mostra Effetto placebo, lo porta ad esporre a Madrid e Milano, ma soprattutto grazie alle numerose mostre e rassegne in importanti spazi pubblici e privati -Nuovo Futurismoall’Istituto Italiano di Cultura di Madrid (1989), al Salòn de la Misericòrdia di Palma di Maiorca (1990) e al Palazzo Guasco di Alessandria (1991) - alle quali lo invita a partecipare Renato Barilli, come Ordine e Disordinepresso i Musei Civici di Rimini, Palazzo dell’Arengario (1988) eAnninovantaalla Galleria d’Arte Moderna di Bologna (1991); rassegne e mostre che proseguiranno negli anni 2000: Nuovo Futurismo a Palazzo Bandera, Busto Arsizio (Vr) e a Palazzo Guidobono di Tortona (2010), oltre a Nuovi Futuristi al Mart. Casa d’Arte Futurista F. Depero nel 2011-2012 e Nuovo Futurismo - Ridisegnare la città allo Spazio Oberdan di Milano, nel 2012; in quest'ultima mostra, le opere degli artisti del gruppo vengono esposte accanto a quelle di Depero e Balla e dei designers E. Sottsass e A. Mendini, a sottolineare come sia continuativa nel gruppo la volontà di espandere l’arte a tutti gli aspetti della realtà, incluso il design e l'urbanistica. 

Come erede della contaminazione tra le arti futurista, infatti, Brevi ha realizzato anche un packaging esclusivo per il Ballantine’s Finest Scotch Whisky (1995), oggetti di arredamento in vetromosaico in collaborazione con l’azienda Novamosaici F.lli Toniutti di Bollate (2005) e un mosaico in ceramiche colorate su una Fiat 500, Splash, presentato al Miart nel 2005, oltre alla scultura Una persona di polsoin edizione limitata che accompagnava la confezione dell’ultimo modello Swatch realizzata per il World Museum Swatch nel 2006; amante della musica, nel 2009 presenta l’intervento site-specific Ad Hoc, accompagnato dalla musica di Franco Mussida, alla rassegna Step 09di Milano e, l’anno precedente, uno spettacolo musicale, in collaborazione con Sergio Sgrilli e Francesco Gattuso, nel foyer del Teatro dell’Arte, Palazzo della Triennale di Milano. 

Importanti anche gli interventi urbani a livello monumentale, come la scultura in acciaio corten smaltato Farfalle, posta nella Piazza della Repubblica di Limbate nel 2010.

I trofei realizzati per il festival del cortometraggioI’ve Seen Films, fondato da Rutger Hauer, vengono donati al Museo del Novecento e all’Auditorium Gaber del Grattacielo Pirelli di Milano. 

Nel 2014, in occasione del semestre di Presidenza Italiana del Parlamento Europeo, viene invitato ad esporre presso l’ESC. European Steering Committee - Institut Jacques Delors di Bruxelles, in occasione della personale Made in Italy. 

Nel corso della sua carriera, già negli anni ’80-‘90, Brevi ha esposto alla Fundaciò Joan Mirò di Barcellona, a Londra, Madrid, Nizza, Nizza, Helsinki, al Mikkeli Art Museum, alla City Library Gallery di Viitasaari, all’Hyvinkää Art Museum, in Finlandia, oltre che a Palazzo Erba Odescalchi Scotti di Bovisio (Mi), al Palazzo Osterio Magno di Cefalù, in Sicilia, e al Museo Nuova Era di Bari. 

Negli anni 2000 continua a partecipare ad importanti mostre a livello nazionale e internazionale: espone al Mail Art Museum of International Contemporary Art di Florianopolis, in Brasile, all’Art Museum di Lapinlahti e Saarijarvi, al Nelimarkka Museo di Alajärvi, in Finlandia, all’Havana, Cuba, a Stoccarda, a Zante, in Grecia, a Basilea e in Svizzera, oltre che al Palazzo delle Stelline, al Palazzo Reale e al Museo della Permanente di Milano, al Palazzo Farnese di Piacenza, al Castello di Malcesine (Vr) e al Palazzo Ducale di Mantova. 

Nel 2011 va segnalata la partecipazione alla mostra 1000+1000+1000, a cura di Philippe Daverio, organizzata presso Palazzo Fava, Bologna, per la ricorrenza dei 150° anni dell’Unità d’Italia, nel contesto del Progetto Padiglione Italiadella 54° Biennale di Venezia, a cura di Vittorio Sgarbi.

Nel 2017 importante la sua presenza alla mostra Montezuma Fontana Mirko. La scultura in mosaico dalle origini ad oggi, presso il MAR. Museo d’Arte della Città di Ravenna e, nel 2018, alla mostra Dall’Avanguardia storica al Nuovo Futurismo e Postmodernoal Palazzo del Broletto di Pavia. Nello stesso anno il Museo “Il Correggio” - Palazzo dei Principi di Correggio (Re) di Correggio gli dedica la personale Animali e altre storie.

Con la personale I will fly again l'artista Michael Kucera mette in scena sè stesso, la sua storia personale, non priva di tormenti, quale espressione anche dello scompaginarsi dell'ordine sociale e politico che si riflette negli universi privati dell'io.

Per fare ciò fino in fondo, farlo davvero e senza alcun riguardo, Kucera punta sul corpo. Nei lavori creati negli ultimi quattro anni, che compongono la mostra, c'è un vero e proprio body turn, un interesse per la rappresentazione plastica delle figure e per il corpo umano.

In un atto di verismo scultoreo, egli opera sul suo stesso corpo facendone dei calchi in resina sintetica e in grandezza naturale. Le figure, realizzate con questa pratica, risultano pertanto completamente imbevute di realtà vitale.

Sul propio corpo, o meglio sul propio doppio sculturale egli cerca un linguaggio per l'estraneità dell'io, l'io quale altro.

Nelle figure si visualizza così  l’autoosservazione senza alcuna riserva operata dall'artista. Copiosi flutti di pieghe avvolgono le figure, in un incessante gioco di velature e svelature. Già presente nei suoi lavori di un tempo, le pieghe abilmente modellate sembrano una pelle sopra la pelle - Le pieghe dell'anima assomigliano alle pieghe della materia - come scrive Deleuze nel suo libro La piega.

Tra le opere in mostra, The Judgement e Trust, paiono allegorie di una cieca giustizia, mentre la scultura I will fly again, da cui il titolo dell'esposizione, tratta della libertà a dispetto di tutto. Come dotata del dono della levitazione dei santi barocchi, essa si solleva dal terreno, affrancata da ogni forza di gravità.

Antonella Cattani contemporary art

26 ottobre 2018 - 31 dicembre 2018

Opening:

a cura di Alberto Zanchetta

31 ottobre – 22 dicembre

Inaugurazione martedì 30 ottobre, ore 19.00

Con “Colormirror”, la prima personale italiana di Regine Schumann, la galleria Dep Art di Milano prosegue il suo programma di ricerca e promozione di artisti mid-career che vantano importanti curricula internazionali. Attraverso un corposo nucleo di opere, di medie e grandi dimensioni (i formati variano dagli 80 ai 240 cm di altezza), la mostra presenta dal 30 ottobre al 22 dicembre i lavori più recenti di un’artista che è considerata, in virtù delle sue sperimentazioni con i materiali acrilici, tra i più importanti innovatori nell’ambito delle ricerche cromatiche e cinevisuali.
L'opera di Regine Schumann esplora le relazioni tra colore, luce e architettura attraverso dei pannelli luminosi – una sorta di monoliti dai colori pulsanti – che offrono ai visitatori una suggestiva esperienza sensoriale.
Le sculture di Schumann sono create per interagire con la luce: i colori fluorescenti delle opere cambiano infatti con il mutare della luce naturale e a seconda del punto di osservazione. L’artista descrive così il suo lavoro: "Il vetro acrilico colorato e fluorescente gioca nelle mie opere un ruolo importante. Il materiale che utilizzo si illumina non appena riceve energia luminosa, sia essa naturale o artificiale. A seconda della posizione, i diversi pannelli producono differenti stratificazioni, miscelazioni e selezioni di luce e colori”.
Le sue composizioni cromatiche si ispirano alla teoria dei colori di Goethe, in base alla quale i colori prendono vita dall’interazione tra luce e oscurità; consapevole di questa relazione, in alcuni casi l’artista utilizza la luce di wood per conferire vigore ed energia ai colori che, inaspettatamente, diventano cangianti e vibranti.
L’architettura è il terzo elemento fondamentale che completa il lavoro dell’artista. Le sue installazioni site-specific modificano infatti lo spazio esistente conferendogli una dimensione di vibrazione e - come lei stessa la definisce - una “temperatura” ambientale. A tale proposito, Alberto Zanchetta, curatore della mostra, scrive: “Le opere di Regine Schumann delimitano uno spazio fisico che altera e ridefinisce l’ambiente in cui sono contenute. Le superfici in plexiglass ricorrono a colori che si compenetrano, si specchiano e riverberano, rendendo l’opera immateriale, come fosse un’emanazione di luce pura. Coinvolto in una duplice esperienza visiva (diurna/naturale e notturna/artificiale), lo spettatore è invitato a interrogarsi sulle ampie possibilità dello spettro cromatico rispetto ai limiti fisiologici imposti dall’occhio umano. L’effetto straniante di tali fluorescenze è ottenuto dalla sintesi delle superfici frontali, retrostanti e perimetrali che assorbono o irradiano la luce, sottoponendo la visione a cambiamenti impercettibili, a volte graduali, altre volte repentini. Ma in ogni caso sorprendenti”.

La mostra è accompagnata da un volume bilingue (italiano-inglese) realizzato da Dep Art, a cura di Alberto Zanchetta e Antonio Addamiano, contenente il testo critico del curatore, la riproduzione di tutte le opere esposte, le vedute dell'allestimento in galleria e apparati bio-bibliografici aggiornati.

Fino al 30 novembre 2018.

Lo Studio d’Arte Raffaelli è lieto di presentare Jenny around the World, una mostra personale dell’artista australiana Jenny Watson.

Un immaginario sognante e rarefatto accompagna l’artista nei suoi viaggi intorno al mondo da oltre quarant’anni. A partire da ispirazioni punk e femministe, Jenny Watson ricrea un intimo diario in cui figure e parole s’intrecciano a comporre brevi narrazioni quotidiane. 

I supporti delle sue opere provengono da luoghi lontani, sono carte e tessuti preziosi di cui l’artista sceglie accuratamente i pattern e le texture; alternando finzione e scene di vita vissuta, Jenny Watson ha elaborato una personale iconografia fatta di autoritratti, cavalli, gatti, interni domestici e lettering, resi con freschissime pennellate che molto spazio lasciano all’immaginazione. 

Le sue opere sono spesso accompagnate da piccole tele colorate che riportano poetiche descrizioni del suo lavoro, rendendo immediato il processo di immedesimazione dello spettatore. 

Raccontano il suo percorso le opere esposte, una ventina di carte e una decina di tele appartenenti a diverse fasi della sua carriera artistica, oltre a una serie di lavori inediti realizzati appositamente per la mostra.

Jenny around the World omaggia l’artista in seguito alle sue recenti importanti retrospettive australiane al MCA di Sidney e all’Heide Museum of Modern Art.

Jenny Watson è un’artista australiana che ha iniziato il suo percorso presso la National Gallery of Victoria Art School, dove ha conseguito il diploma di pittura. Ha completato gli studi allo State College of Victoria, a Melbourne; ha esposto le sue opere a livello internazionale in paesi come Belgio, Austria, Stati Uniti, Giappone, Canada, Regno Unito, Vietnam, Germania, Italia, Nuova Zelanda e nel 1993 ha rappresentato l’Australia alla 45esima Biennale di Venezia. Nel 2017 si è tenuta una sua importante retrospettiva al MCA – Museum of Contemporary Art Australia di Sidney, che è stata trasferita, nei primi mesi del 2018, all’Heide Museum of Modern Art.

L’età dell’innocenzaè il titolo della nuova mostra personale di Claudia Giraudo, curata da Angelo Crespi, che si apre con il VERNISSAGE SABATO 17 NOVEMBRE dalle ore 18 alle 21 negli spazi della Galleria PUNTO SULL’ARTE di Varese.

Il titolo rimanda al celebre quadro di Joshua Reynolds, esposto alla Tate di Londra, capostipite della cosiddetta “Fancy picture”, un genere frequentato a partire dal Settecento da numerosi grandi artisti, a cui rimanda, pur nella contemporaneità dello stile, il lavoro della pittrice torinese.  Tra Alice nel Paese delle meravigliee i Saltimbanchidi Rilke e Picasso, si muove Claudia Giraudo in una ricerca pittorica molto raffinata che è solo all’apparenza semplice e immediata nei suoi riferimenti estetici, dal surrealismo novecentesco a quello pop, ma che scopre a uno sguardo più attento una serie di rimandi e suggestioni tali da ingenerare nello spettatore l’inquietudine dell’infanzia sul limite dell’adolescenza. “La vita è altrove” ci suggerisce Milan Kundera dovendo parlare dell’età lirica, quella in cui ancora crediamo di essere il centro del mondo, un’età che dura il tempo di uno sguardo e poi fugge, ma che Claudia Giraudo riesce a fermare per sempre, appunto, in tutta la sua assoluta innocenza.

La mostra è accompagnata da un catalogo bilingue realizzato da PUNTO SULL’ARTE contenente il testo critico di Angelo Lorenzo Crespi e la riproduzione delle opere esposte. L’artista sarà presente al vernissage.

CLAUDIA GIRAUDO nasce a Torino nel 1974. Nel 2001 si laurea presso l’Accademia Albertina di Belle Arti di Torino e in seguito intraprende il suo percorso di ricerca nell’ambito della pittura figurativa formandosi attraverso lo studio delle opere dei maestri Rinascimentali e Nordeuropei. La sua tecnica risale alla tradizione quattrocentesca e prevede stratificazioni di colore a olio, esaltate dalle velature finali che accentuano la profondità e l’intensità dei personaggi dipinti. Parte importante della sua produzione è composta dalla serie dei ritratti di fanciulli affiancati da un animale, il Daimon, un alter ego che li accompagna lungo la fase di passaggio adolescenziale nella quale emergono le prime inquietudini esistenziali. I suoi dipinti si fanno carichi di riferimenti enciclopedici che spaziano attraverso il tempo e le culture, inserendosi in ambientazioni oniriche. Ogni singolo elemento compositivo sembra godere della pace data dalla lenta accettazione del tempo come dono prezioso. Espone con frequenza in fiere d'arte, gallerie private e in luoghi istituzionali pubblici. Le sue opere si trovano in collezioni permanenti e acquisizioni museali nazionali e internazionali, tra cui l'Harmony Art Foundation di Mumbai (India), il Museo MACIST di Biella, il Museo Eusebio di Alba (CN), la Sala del Consiglio di Bossolasco (CN) e il Museo Civico di Bevagna (PG). Ha partecipato alla Biennale di Venezia, Padiglione Italia nel 2011. Vive e lavora a Torino.

Vernissage: SABATO 17 NOVEMBRE 2018, ore 18 - 21

Periodo: 18 Novembre – 29 Dicembre 2018

Luogo: PUNTO SULL’ARTE

Viale Sant’Antonio 59/61, Varese

Contatti: 0332 320990 |  

Orari: Martedì - Sabato: h 10-13 e 15-19.

Domenica h 15-19

Chiusura per festività dal 24 al 26 Dicembre

Catalogo: con testo critico bilingue di Angelo Crespi

a cura di Roberto Brunelli

Inaugurazione: sabato 3 novembre ore 18

Durata della mostra: 03 novembre – 11 dicembre 2018

Orario: martedì - sabato, ore 10,30-12,30 /15,30-19,30

 ….da un progetto di Roberto Brunelli, Critico e Consulente d’Arte           

Artisti italiani degli Anni Novanta come Tesoro nazionale. Non una semplice provocazione ma un esperimento critico per riallacciare i fili della storia dell’arte italiana, facendo riscoprire la produzione artistica di fine XX secolo del nostro Paese. E’ quanto si propone la mostra, a cura di Roberto Brunelli, “Italia’s National Treasure Artists”, che si terrà a Torino presso Giampiero Biasutti Studio D'Arte per il ' 900 dal 03/11/2018 al 11/12/2018.

«Negli U.S.A. "National Treasure" è espressione comune, mentre molto più di rado si sente usare da noi il termine "eccellenza italiana". Per "National Treasure" si intendono quegli artisti viventi operanti in vari campi (arte visiva, danza, musica, etc.) che si sono particolarmente distinti per qualità, durata nel tempo e riconoscimento internazionale del loro lavoro. Qualcosa di simile si intende in Italia con l'espressione "eccellenza italiana", ma riferendosi più che altro a imprenditori e industriali, non certo alle arti.» (Enrico Corte).

La mostra “Italia’s National Treasure Artists”, prosecuzione di "MIAs Mid-career Italian Artists" del 2017 e del libro "Anninovanta 1990-2015. Un percorso nell'arte italiana", edito a dicembre 2014, vuole riportare l'attenzione del pubblico a una conoscenza più profonda di quel periodo artistico così vicino a noi e così poco indagato, puntando i riflettori sugli artisti della “Generazione anni ‘60”, ovvero nati tra il 1960 e il 1970, dal lavoro dirompente come: Massimo Barzagli, Enrico Tommaso De Paris, Daniele Galliano, Giorgio Gost, Simone Pellegrini, Pierluigi Pusole e Velasco Vitali.

Artisti in grado di stimolare una preziosa riflessione su quanto è successo in Italia nell'arte negli anni ’90; anche per questo meritano grande considerazione, perché in grado di aprire un dibattito sul colpevole silenzio relativo ai nostri artisti e sul clamore per quelli esteri.

Catalogo bilingue italiano/inglese.

GIAMPIERO BIASUTTI Studio d’arte per il ‘900

Via della Rocca, 10 – 10122 Torino  

Tel. e Fax 011 83 90 690

La Galleria Biasutti & Biasutti presenta nelle proprie sale espositive una mostra dedicata ad alcuni artisti italiani che nel secondo dopoguerra hanno condiviso le poetiche dell'astrattismo e dell'informale, segnico e gestuale, interpretandole secondo un proprio inconfondibile linguaggio. Storie e date che aprono e chiudono periodi: gli anni cinquanta, sessanta, settanta. Artisti di varie generazioni che si sono misurati con vibrazioni interne, segreti, aspirazioni e paure per portare alla luce la propria anima. Giuseppe Capogrossi (Roma 1900-1972) è presente con un inchiostro su carta con le sue "forchette" del 1951. Antonio Corpora (Tunisi 1909-Roma 2004), Roberto Crippa (Milano 1921 - Bresso, Milano 1972) e Mario Nigro (Pistoia 1917 - Livorno 1992) operano attraverso un linguaggio astratto che per il primo di questi è "concreto" per gli altri due "geometrico". Luigi Spazzapan (Gradisca d'Isonzo, Gorizia, 1889 - Torino 1958), con Palude del 1956, rappresenta una parentesi a sè. La sua formazione si compì attraverso alcuni viaggi che iniziò, da giovane, nei più importanti centri della cultura del tempo, da Vienna a Monaco, che gli consentirono di sviluppare la propria formazione assimilando diversi stili compreso l'astrattismo. L'opera di Pinot Gallizio (Alba, Cuneo, 1902 - 1964) si sviluppa su di una superficie fatta di tempera, olio, pigmenti e sabbia. Datata 1959, essa costituisce il fascino della libertà creativa aperta alle sperimentazioni pittoriche. L'informalità di Emilio Vedova (Venezia 1919 - 2006), con Manifesto del 1955 si sintetizza in linee forti, di grandi dinamismo che rompono ogni sorta di equilibrio convenzionale. Nell'opera di Gastone Novelli (Vienna 1925 - Milano 1968), del 1959, appare evidente come l'uso dei bianchi su di un supporto abbia la funzione di luogo fisico dove la materia, gesto e segno rappresentano la sua scrittura poetica. Il bianco, il non colore, è lo sfondo dove Piero Ruggeri (Torino 1930 - Avigliana 2009) dipinge Iridescenze nel 1975, una grande tela sulla quale si susseguono segni rossi, verdi e gialli. L'intensità emotiva di Afro (Udine 1912 - Zurigo 1976), le linee forti di Piero Dorazio (Roma 1927 - Perugia 2005), le superfici rotte e sovrapposte di Agenore Fabbri (Quarrata, Pistoia 1911 - Savona 1998), il gestualismo materico che ritorna alla forma di Mattia Moreni (Pavia 1920- Brisighella, Ravenna 1999) con Immagine quasi travolta del 1960, le tramature di Emilio Scanavino (Genova 1922 - Milano 1986) e i cangianti di Giulio Turcato (Mantova 1912 - Roma 1995) completano questa retrospettiva composta da venti opere.

La Galleria d'Arte Mentana

presenta

"Dimensioni Parallele"

Due artisti informali  in mostra  personale:

Mirta Diminic  e Axel Becker.

Opening: sabato 13 ottobre, ore 18.00

Durata: 13 - 31 ottobre 2018

Vi aspettiamo

Giovanna Laura Adreani – Art Director 

a cura di Beatrice Buscaroli
inaugurazione sabato 6 ottobre 2018, ore 18
luoghi dell’esposizione:     
DI PAOLO ARTE

Galleria Falcone e Borsellino 4A, Bologna 

GALLERIA FORNI Via Farini 26/F, Bologna

Durata: 6 - 5 novembre 2018 (Di Paolo Arte) /

6 - 24 ottobre 2018 (Galleria Forni)

Di Paolo Arte > lunedì-sabato 11-13 / 16-20

ingresso libero

Galleria Forni > 10,30-13,30 e 15-19

chiuso lunedì e festivi, ingresso libero

Presentazione di Beatrice Buscaroli
“Le mie strisce riflettono lo stridore e gli arresti improvvisi della nostra vita moderna”.
È un’annotazione di Sergio Romiti riferita alle Composizioni che accompagnano la fase matura della sua ricerca sulla consistenza “fisica” della pittura, del gesto che da sempre ha animato il senso del suo modo di praticare l’arte. “Cauteloso, amaro”, lo vedeva Arcangeli nel ‘54; raffinato e separato da ogni koiné consolatoria e da ogni militanza, Romiti si avvicina giovanissimo alla pittura – nasce a Bologna nel 1928 – nel tempo difficile dell’immediato secondo dopoguerra contaminato da tanti, troppi assilli alla ricerca, diventa testimone di un percorso creativo che lo porta ad essere “pittore dell’insicurezza – sono sempre sue annotazioni – dell’equilibrio minacciato, anche in senso formale (oggetti che cadono, ecc.)”. Per rendere l’idea: un Morandi per il quale la consistenza degli oggetti dubita di se stessa; che nega a se stesso ogni aristocratica separatezza; che non cerca nelle “cose” nessun riscatto.

Il suo “ultimo naturalismo” è espressione di una tensione esistenziale lacerante, una comunicazione imprevista e insanabile con un abisso che si disegna fra astrazione e realtà, tra colore e oggetto. Dalle Macellerie ai Tavoli, dalle Nature morte alle Mensole, si assiste alla dispersione del “segno” che conduce alle Composizioni, campi di tensioni superficiali animate da bagliori violenti, malati, che non vuole smarrire la realtà. Una realtà, un senso della durezza fisica del mondo, che tuttavia non può ridursi a fatto formale, né ancor meno a mimesi di un evento esteriore. Questi registri del dramma di un colore che nomina l’universo dei conflitti che operano nell’animo di un artista tanto corrosivo quanto riservato sono al centro della mostra da me curata per la Gallerie Forni e per la Galleria Di Palo Arte che con quasi quaranta opere tra tele, acquerelli e disegni esposti contemporaneamente in due gallerie della città, cercano di riportare lo sguardo su un artista amato quanto sfuggevole, colto e ricco di spunti, dagli appunti pubblicati da G. Accame, allo strazio doloroso delle ultime opere.” (Beatrice Buscaroli)

“La funzione di una galleria d’arte - dichiara Paola Forni - non è solo quella di promuovere giovani talenti e nuovi artisti, ma anche di valorizzare e difendere il lavoro degli autori della propria città. Nel 1979 due gallerie bolognesi, La Loggia e la San Luca, presentarono congiuntamente il lavoro di Romiti. Oggi come allora, il lavoro di questo autore viene allestito in due spazi espositivi per dare maggior respiro all’analisi retrospettiva di un artista che Bologna non deve dimenticare.”

“In attesa della ormai prossima pubblicazione del catalogo generale di Sergio Romiti - dichiara Fabio Di Paolo - siamo lieti di presentare un’ampia selezione dei suoi lavori in due distinti spazi della città per un unico percorso espositivo che illustra l’intera produzione artistica dell’autore, dagli esordi fino agli ultimi anni del Novecento, prima della tragica scomparsa. Romiti, figlio del suo tempo, anche se non appartenuto a nessuna corrente artistica specifica, compone opere intrise di tutte le influenze artistiche a lui contemporanee e partendo dall’oggetto, dalla realtà che osserva nei vicoli di Bologna, arriva nella sua evoluzione, ad astrarne l’essenza, arrivando ad imprimerne l’idea, come nella caverna di Platone. La riflessione continua che l’artista effettua dentro se stesso porta all’elaborazione di una poetica in cui l’aspetto fenomenologico diventa sempre più spunto per cercare e immortalare una dimensione di pensiero, del pensiero”.

Biografia
Nato a Bologna nel 1928, Sergio Romiti, già nel 1946, si dedica alla pittura. Il suo ingresso nella vita artistica risale al 1947, mentre il suo definitivo battesimo artistico al 1948 quando espone alla Prima Mostra Nazionale d'Arte Contemporanea a Bologna. Mostra importante perché vi partecipano tutti gli artisti della generazione di mezzo (Birolli, Guttuso, Cassinari, Corpora, Afro, Santomaso, Vedova, Mirko, Fazzini, Minguzzi) . Nel 1951 allestisce la sua prima mostra personale alla storica galleria Il Milione a Milano
presentato da Francesco Arcangeli. Nello stesso anno espone a Parigi e viene invitato alla 1’ Mostra “Pittori d’Oggi, Francia – Italia”a Torino a cura di Luigi Carluccio. Nel 1952 espone a Parigi con una mostra personale presentato da Marco Valsecchi. Nello stesso anno viene invitato, con un gruppo di cinque opere, alla XXVI Biennale di Venezia, dove ottiene dalla Giuria Internazionale il “Premio Ferrania”. Partito da un neopicassismo personalissimo, Romiti risente del codice espressivo e poetico del suo concittadino Giorgio Morandi. Artista di intima interpretazione, la sua pittura è estremamente coerente a se stessa senza avere pretese né realiste né astrattiste. L’oggetto dipinto, spesso preso dal quotidiano, diventa un pretesto, un colloquio intimo, una metafora. L’oggetto viene fltrato, distillato e ben presto si scarnifca in un processo quasi ossessivo di interiorizzazione. Tanto che la struttura si perde, la distinzione oggetto-sfondo inizia a essere meno netta. La sottrazione riguarda anche i colori tanto da approdare nel 1960 al bianco e nero. E’ il percorso che in parallelo hanno approfondito in ambito letterario i poeti Ungaretti e Montale. Un Autore che può rientrare a pieno titolo tra i grandi protagonisti del Novecento italiano.

a cura di Marco Meneguzzo

25 ottobre - 06 dicembre 2018

Inaugurazione: 25 ottobre ore 18,30

Luca Tommasi è lieto di annunciare RANDOM, l’esposizione personale di Carmengloria Morales che si terrà dal 25 ottobre al 06 dicembre 2018 presso i nuovi spazi della galleria di Via Cola Montano 40 a Milano.

Questa seconda personale, che consta solo di opere su tela, segue quella di opere su carta, dal titolo Done by fire, tenutasi nel maggio 2017 e che ha segnato l’inizio della collaborazione tra la galleria e l’artista.

Nello spazio espositivo, si alterneranno dittici e tondi dagli anni 80 ad oggi, che verranno allestiti senza necessariamente rispettare un preciso percorso antologico.                  Il termine RANDOM attiene alla scelta delle opere esposte e al loro eventuale accostamento nello spazio della galleria; non è certo riferito alla pittura o a una presunta casualità del processo creativo dell’artista che invece ha sempre perseguito delle strutture ricorrenti, quelle del corpo nello spazio, in una definizione di spazio che si va componendo all’interno del telaio. Il lavoro procede secondo un progetto inconscio che materializza sulla tela gesti e azioni sottese da un processo operativo e da una quotidiana pratica.               

Nel dittico, una tela vuota quadrata o rettangolare affianca a destra una tela dipinta di pari formato con lo scopo di bilanciare la tensione della pittura con un vuoto immanente. Scelta che corrisponde ad una precisa volontà dell’artista di non sedurre lo spettatore ma di mantenerlo ancorato al concetto di quadro.I tondi che, dal 1986 si ritrovano nella produzione dell’artista, rispondono alla sfida di affrontare uno spazio “architettonico” che attiene alla storia della pittura. Si avverte forte in Morales questa consapevolezza di non poter eludere un dialogo con la storia dell’arte e in alcuni suoi scritti o titoli dei suoi lavori si appalesano i confronti con alcuni grandi maestri del passato.

Nata a Santiago del Cile nel 1942, si trasferisce in Italia nel 1953.
Nel corso degli anni ha avuto studio a Milano, Roma, Londra, Parigi, New York e Sermugnano, nei pressi di Viterbo. Nel 1977, è stata invitata a Documenta 6 Kassel. Nel 1984 ha partecipato alla mostra fondativa della Radical Painting a Williamstown in Massachussets. Mostre personali e collettive in Italia e all’estero ne completano il ricco curriculum espositivo.

Per Info e materiale iconografico:

. Tel. 335242433

LUCA TOMMASI ARTE CONTEMPORANEA

Via Cola Montano, 40 – MILANO

www.lucatommasi.it

Dopo l'imponente retrospettiva che, a Palazzo Reale di Milano, ha omaggiato la scorsa estate la ricerca e il lavoro di Agostino Bonalumi (1935-2013), permettendo al grande pubblico di ammirarne opere monumentali ed ambientali con una lettura ampia di tutto il suo percorso artistico, la galleria ArteA, in collaborazione con l'Archivio dell'artista, inaugura la propria stagione con un'esposizione monografica dedicata la maestro brianzolo, figura tra le più significative del secondo Novecento italiano.

Artista di spicco ed emblematico della giovane cultura visiva milanese tra gli anni Cinquanta e Settanta, Bonalumi seppe maturare, grazie all'insegnamento di Fontana e agli scambi con i coetanei Manzoni e Castellani, un linguaggio che ha animato la sua pittura (a volte anche diventando volume spaziale e ambientale) per tutti gli anno successivi, guidandolo alla logica di un fare personale e sempre attuale, forte di un valore aldilà del tempo.

La sua visione pone la superficie e la pittura-colore in uno stato di reciproca appartenenza, evidenziando come entrambi costituiscano un fattore di rappresentazione concreta e densa di energie che animano, sollecitano e spingono ai limiti estremi delle loro possibilità.

In mostra sono esposte tele e carte che esemplificano i vari passaggi e le diverse tipologie su cui l'artista ha lavorato nelle differenti fasi e momenti della sua sistematica e precisa analisi del fattore pittorico. Sulla "corporeità" e la concretezza della pittura di Bonalumi, temi chiave di questa piccola antologica, scrive Matteo Galbiati, curatore dell'esposizione e autore del saggio critico in catalogo:

"[…] Con il suo temperamento ha cercato di rimandare la verità della pittura oltre i confini di una rappresentazione, verosimile o immaginifica, per verificarsi attraverso la semplicità della privazione di ogni entità palesata sulla superficie-confine, ora da lui intesa come contenitore, come filtro di affioramenti di pre-esistenze che si animano non sopra, ma sotto e dentro la sua pelle. […]"

Del resto è proprio quella caratteristica fisicità di materie e forme, segno di un'individuale capacità di rappresentazione narrativa racchiusa nel gesto mobile e minimo del suo fare, a caratterizzare e nobilitare ogni sviluppo delle sue opere, capaci di rinnovarsi sempre nel tempo senza perdere mai l'originalità del loro valore assoluto e che hanno definito l'attitudine specifica della poesia di Bonalumi. Scrive ancora Galbiati:

"[…] La fisicità protesa, la forza emergente delle sue proposte ci testimonia come l'artista abbia saputo controllare il suo percorso concettuale, non solo come un'espressione mentale, ma come una dichiarazione originale che parte sempre dalla natura reale dei materiali da lui usati. La materia è il luogo a procedere della sua straordinaria vitalità artistica: una materia che non spegne la propria voce del tempo e nel tempo non esaurisce mai il proprio apporto sensibile; è la sua evoluzione concreta a garantirle quel fattore di verità, di poesia, di bellezza toccata nell'assoluto che portano le opere di Bonalumi a non ridursi alla banalizzazione o alla ripetizione stanca. […]"

In occasione della mostra è stato editato un catalogo delle edizioni della galleria che racchiude le opere in mostra, immagini di repertorio, il saggio critico in italiano e inglese, un apparato bio-bibliografico selezionato. Immagini e testi uso stampa sono disponibili contattando la galleria:

ARTEA GALLERY

di Alessandro Deponti

Corso Buens Aires 52, 20124 Milano

| www.arteagallery.it

+39 333 4012115

p. iva 03362790168

16 novembre – 14 dicembre 2018

Via Pietro Maroncelli, 7 – 20154 Milano

Inaugurazione: giovedì 15 novembre 2018

dalle 19.00 alle 21.00

ProjectB è felice di presentare Day To Night, la prima personale in Italia dedicata all’omonima serie del fotografo statunitense Stephen Wilkes.

Dal 1983, Wilkes ha realizzato un’eccezionale mole di opere ed è considerato uno dei fotografi americani più iconici.

La serie Day to Night, iniziata nel 2009, è la più rappresentativa dell’artista. Ogni singola fotografia è il risultato di circa 1500 scatti, realizzati dal medesimo punto di vista in un arco di tempo che varia dalle 15 alle 30 ore. Una volta in studio e scelti i momenti più rappresentativi, l’artista lavora per mesi alla realizzazione di un’unica fotografia in grado di raccontare l’intero spettro di luci ed esperienze, che si sono susseguite davanti alla fotocamera, per dare allo spettatore un’esperienza multidimensionale e mostrare ciò che ad occhio nudo è impossibile vedere: la compressione del tempo.

“Amo collezionare momenti di magia. È questo ciò che faccio.”

– Stephen Wilkes –

Nelle sale dello spazio di Via Maroncelli sono esposte sette opere rappresentative di tre progetti fotografici dell’artista: entrando è possibile osservare le immagini realizzate sulle grandi migrazioni di volatili quali Fenicotteri, Albatros e Gru Canadesi; la sala adiacente, sempre dedicata alla natura, mette in mostra i grandi parchi naturali quali lo Yosemite National Park, la cui inquadratura è inspirata al dipinto Yosemite Valley di Albert Bierstadt, la riserva di Robson Bight, dedicata alle orche e il Serengeti National Park, in cui si possono osservare gli animali intenti ad abbeverarsi; l’ultima opera, invece, è un esempio di paesaggio urbano e rappresenta la vista di Central Park con il relativo e suggestivo gioco di luci naturali ed artificiali.

Evento di presentazione:

mercoledì 26 settembre dalle ore 18.00 alle 22.00
Periodo della mostra: 25 – 29 settembre 2018

In occasione dell’evento Bologna Design Week 2018 ed in concomitanza con la Fiera CERSAIE, la Galleria Di Paolo Arte Moderna & Contemporanea, dal 25 al 29 settembre, proporrà la mostra “Starman”, la cui presentazione è fissata per il giorno mercoledì 26 settembre alle ore 18.
Il circuito espositivo, in linea con gli argomenti e i contenuti che saranno fulcro dell’evento durante la settimana del design, dà voce a quattro importanti artisti 

contemporanei: il fotografo Paolo Balboni, la scultrice multimediale Penelope (nome d’arte di Chiara Cocchi) ed il binomio di designer-scultori Angelo Morucci & Mario Venturini, i cui lavori si caratterizzano per l’utilizzo di tecnologie e materiali innovativi.
Nonostante l’utilizzo di differenti media e tecniche, gli Artisti presenti sono Tutti accomunati dall’essere degli “Starman”, ciascuno, secondo la propria poetica, desidera catturare e rappresentare “le stelle”, ovvero tutte le infinite sfaccettature della natura, della creatività, del sentire.

Paolo Balboni con i suoi D-Anger raffigura in modo del tutto nuovo i sentimenti di rabbia, dolore, angoscia, solitudine, fotografando schermi sui quali vengono trasmesse immagini. Più i pixel sono colorati, più la scena è cruenta: il rosso è vivo, il verde splendente, l’azzurro intenso come l’oceano. L’artista fissa nelle fotografie lo scorrere delle immagini decodificandole attraverso un linguaggio scarno, le cui sillabe sono il susseguirsi dei pixel, fornendo così allo spettatore uno strumento di lettura diverso, ma profondamente introspettivo.

Penelope (nome d’arte di Chiara Cocchi), presenta i suoi “Star Gate”, esposti alla 57° Biennale d’Arte a Venezia. Essi sono realizzati attraverso l’interazione di vetri e specchi speciali che opportunamente assemblati creano un tunnel infinito illuminato da led. Le opere esprimono una perfetta interazione tra arte e scienza, in quanto comprendono l’infinto della natura attraverso la riproduzione delle mappe stellari, ma allo stesso tempo immergono lo spettatore in una nuova dimensione creata grazie a materiali dotati di caratteristiche fisiche peculiari.
Angelo Morucci & Mario Venturini portano nel mondo dell'arte le più avanzate tecniche futuristiche del design.
Le forme avanzate, impensabili senza la loro tecnologia, provengono da un insieme di leghe speciali che parlano di Formula 1 e di aerospaziale.
Queste sculture brillano come uno specchio e interagiscono con lo spazio e lo spettatore. La superficie delle loro sculture, liscia come la pelle, incorpora l’aspetto della leggerezza nella solidità di un blocco unico lavorato con estrema cura per i dettagli con punte diamantate ad altissima precisione.
Nel 2010 partecipano alla XII Biennale di Architettura di Venezia (trovando gli apprezzamenti del noto archistar Tom Wright, progettista-designer del grattacielo simbolo di Dubai, Burj Al Arab/la Torre degli Arabi). Nello 2011 a Padova gli artisti omaggiano Giotto creando la scultura monumentale “Congiunto all’Universo” che viene collocata in permanenza nel giardino del Complesso degli Eremitani a fianco la Cappella degli Scrovegni. Nel 2013 viene realizzata per i campionati del mondo di sci l'opera sonora "Chi scia sa volare", esposta in importanti istituzioni tra le quali il Mart di Rovereto, la sede del C.O.N.I. a Roma, per trovare definitiva collocazione al museo della F.I.S. in Svizzera.

“Starman”, dunque, è il percorso espositivo all’insegna della passione, dell’arte, della tecnologia e del design, da vivere e in cui lasciarsi coinvolgere.

Lo staff della Galleria Di Paolo Arte Moderna & Contemporanea sarà lieta di ricevere i visitatori nei seguenti orari:
lunedì – sabato 11-13 / 16-20 (domenica e fuori orario, su appuntamento).

11 ottobre - 8 novembre 2018

opening giovedì 11 ottobre alle ore 19.00

L'Artista sarà presente

Inaugurazione: giovedì 27 settembre, ore 17.00-21.00

Durata: dal 27 settembre al 1 dicembre 2018

Una sorta di vita parallela.

Alla sua seconda personale nello spazio di CSA Farm Gallery, Julien Cachki ci presenta la sua ultima intrigante ricerca dal titolo #START PRIVATE SHOW#.

Éric Blanc ha scritto: “L’artista può quindi essere estromesso, può svanire, sparire del tutto, l’opera è diventata realtà”.

Questo è il pensiero portante dell’opera di Julien Cachki, l’evanescenza della figura dell’artista si confonde con lo sfumato della realtà virtuale, in un gioco continuo tra realtà vissuta e realtà possibile.

Le velature create con i suoi “bianchi” rendono la visione dell’opera come se ci trovassimo dietro ad un vetro appannato, creando una netta separazione tra due mondi differenti ma identici.

Egli crea, in questo modo, una sorta di vita parallela.

Questa sua ricerca, iniziata molto tempo fa, ha visto interpreti personaggi di tutto il mondo, dall’Europa agli USA.

Figure riprese a propria insaputa da telecamere di sicurezza nelle stazioni della metro, negli aeroporti, webcam stradali o locali pubblici, fissate negli atteggiamenti più comuni e naturali della vita quotidiana, durante il pranzo, oppure mentre postano un selfie sulla rete o in coda in una bakery.

Oggi presenta una serie di dipinti sul mondo del “sesso on line” dipingendo giovani donne durante lo svolgimento della loro attività.

Noi siamo lì per loro e…loro per noi.

A cura di: Marcello Corazzini.

Orari galleria: Mercoledì - Sabato, dalle ore 16 alle 19.30

Chiuso Lunedì, Martedì e festivi.

Altri orari su appuntamento

Vernissage:SABATO 6 OTTOBRE 2018, ore 18 - 21

Periodo: 7 Ottobre – 10 Novembre 2018

Catalogo: con testo critico bilingue a cura di Alessandra Redaelli, Edizioni PUNTO SULL’ARTE

La solitudine, la riflessione sull’identità e l’indagine intorno allo spazio che occupiamo nel mondo sono al centro della doppia personale SOLILOQUIO- VERNISSAGE 6 OTTOBRE H 18-21. Protagonisti, due degli artisti più amati dal pubblico di PUNTO SULL’ARTE, entrambi stranieri: il pittore cileno FEDERICO INFANTEe lo scultore svedese JOHANNES NIELSEN.

Rispetto alla sua mostra precedente, Infante sembra qui aver portato all’estremo la dicotomia tra la figura centrale dell’opera e lo spazio che la circonda. Gli sfondi, infatti - realizzati con un’originale tecnica profondamente istintiva - vanno facendosi più e più incerti, talvolta attraversati da segni astratti dall’andamento circolare, mentre le figure si cristallizzano in una visione dettagliata, ben definita, caratterizzandosi addirittura nei particolari dell’abbigliamento. Resta intatto il senso latente della solitudine, della malinconia, sia nelle figure che si allontanano di spalle, sia in quelle che si pongono frontali, assertive, ma che ci negano lo sguardo abbassandolo o nascondendolo dietro occhiali da sole. Anche Nielsen porta in mostra l’evoluzione più recente del suo lavoro, che dall’indagine sull’uomo va spostandosi verso l’esperienza del corpo. Le sue figure esili, di suggestione giacomettiana, vanno spezzandosi e ricomponendosi in giochi spaziali che ricordano le sperimentazioni di Antony Gormley. Ecco allora le figure crivellate di buchi, che rivelano parti mancanti come se fossero state cancellate con un tratto di gomma; divise in due per il lungo come metà separate da un colpo di spada. O ancora spezzate e ricongiunte al contrario, due metà in contrasto come Dr. Jekyll e Mr. Hyde, oppure un individuo spezzato nell’incessante ricerca della sua identità e del suo ruolo nel mondo.

JOHANNES NIELSEN nasce nel 1979 a Falkenberg (Svezia). Dopo aver frequentato la Scuola d’Arte di Lund, si trasferisce a Dublino nel 2003, dove assume il ruolo di assistente del famoso scultore Patrick O’Reilly, grazie al qualeaffinerà la sua pratica scultorea. Le sue sculture sono opere leggere e filiformi caratterizzate da un minimalismo estetico che trasmette essenzialità e movimento. I suoi modelli d’eccezione sono gli alberi, dalle cui forme prende ispirazione per plasmare la vita, le braccia e le gambe dei suoi soggetti. Il risultato sono figure stilizzate, in perfetta mimesi figurale con la natura, che ricordano atmosfere cariche di suggestioni, tese a ricordarci che tutto è unicamente e inevitabilmente temporaneo. Ha partecipato a numerose fiere e mostre nei paesi scandinavi e in Asia. I suoi lavori fanno parte di numerose collezioni pubbliche e private in Svezia, Italia, Londra, Singapore, Hong Kong, Pechino, Kaliningrad, Hollywood, New York e Montreal. Vive e lavora a Pechino (Cina) dal 2007.

FEDERICO INFANTE nasce nel 1982 a Santiago (Cile) dove frequenta la Finis Terrae University. In seguito si traferisce a New York per seguire i corsi della School of Visual Art.Cresciuto a stretto contatto con il paesaggio cileno, ha sviluppato fin da giovanissimo un forte senso di contemplazione. Ogni suo dipinto segue un personale processo d’intuizione creativa: inizia con l’atto metodico ed espressivo di ricoprire la tela con diversi strati di pittura, graffiandola e ripetendo questo processo molte volte. Solo in seguito inizia a visualizzare le situazioni, i paesaggi e i punti di luce all’interno della tela cercando un’atmosfera suggestiva e fertile per l’elemento figurativo del dipinto. Ha realizzato numerose mostre personali e collettive di successo negli Stati Uniti, in Cile e in Italia. Il suo lavoro fa parte di collezioni private negli Stati Uniti, in Europa (tra cui Francia, Belgio, Germania e Italia), in Arabia Saudita e a Singapore. Nel 2015 ha illustrato l’Edizione di “Lolita” di Vladimir Nabokov pubblicata da The Folio Society.Vive e lavora a Richmond (Virginia - USA).

Luogo:

PUNTO SULL’ARTE, Viale Sant’Antonio 59/61, Varese

0332 320990 |  

Orari:

Martedì - Sabato: h 10-13 e 15-19

Domenica h 15-19

A cura dell'Archivio Antonio Scaccabarozzi con contributi critici di Ilaria Bignotti e Paolo Bolpagni

Vernissage: Giovedì 25 Ottobre, ore 17.00

Dal 26 Ottobre al 20 Dicembre 2018

A dieci anni dalla sua scomparsa, la mostra celebra uno dei pittori più interessanti del panorama artistico italiano del secondo Novecento, attraverso un'ampia retrospettiva, dedicata ai principali cicli della sua ricerca.

L'esposizione propone una panoramica di una ventina di opere di Scaccabarozzi, dai lavori che rileggono le eredità astratto concrete, prodotti nella metà degli anni Sessanta, a quelli degli anni Settanta, come i Fustellati o le Prevalenze, fino a quelli realizzati nei decenni successivi come Misura-Distanza, Quantità libere, Essenziali e Polietileni.

Dal 25 ottobre al 20 dicembre 2018, la Galleria 10 A.M. Art di Milano, nella nuova sede di Corso San Gottardo 5, ospita una mostra dedicata a Antonio Scaccabarozzi (1936-2008), una delle figure più interessanti del panorama artistico italiano del secondo Novecento ed esponente di una indagine pittorica che, in oltre quarant'anni di ricerca, si è sviluppata in cicli poliedrici, con un linguaggio di respiro internazionale.

La rassegna, dal titolo Destinazione: presente, curata dall'Archivio Antonio Scaccabarozzi diretto da Anastasia Rouchota, con contributi critici di Ilaria Bignotti e Poalo Bolpagni, si pone come necessaria retrospettiva dedicata all'artista, a dieci anni dalla sua scomparsa, che ripercorre l'intera sua evoluzione creativa.

Artista intellettualmente inquieto e libero dai dettami e dalle mode, Scaccabarozzi ha frequentato alcuni dei protagonisti del secondo dopoguerra, da Lucio Fontana a Enrico Castellani, da Paolo Scheggi a Luciano Fabro e, riflettendo sul significato della pittura nella sua relazione spazio-temporale e percettiva-ambientale, ha saputo non solo assumere la responsabilità di ripensare profondamente l'eredità delle avanguardie concrete del secondo dopoguerra, ma anche sviluppare una personalissima indagine di assoluta contemporaneità.

il percorso espositivo, studiato ad hoc per gli spazi della galleria, ruota attorno ai suoi cicli pittorici più conosciuti, come quelli dei Fustellati e delle Prevalenze, realizzati nel corso degli anni Settanta, testimoniati in mostra da capolavori come Giro completo in 8 pezzi (pezzo 8) e Grigio 1/5 prevalenze B.V.G.R., e prosegue con le opere realizzate nei decenni successivi, dagli anni Ottanta fino agli inizi del nuovo millenio, che rivelano la complessa liricità dell'artista.

L'antologica propone creazioni che appartengono alla serie delle Linee Quasi Rette, delle Distanze Reali e Distanze Rappresentate, del Peso di Frammenti di colore, o ancora alle Iniezioni, in cui l'artista inietta del colore direttamente nella tela, o alle Immersioni che vedono Scaccabarozzi intervenire sulla tela, immergendola direttamente nel colore. Il percorso prosegue con le Quantità libere, gli Essenziali, spatolate di colore addensato che emergono dalla superficie parietale, o ancora con i Polietileni, fogli di plastica trattati come se fossero strati di colore, che diventano membrane cromatiche fluttuanti nello spazio, sospese dalla parete e dal soffitto grazie a fili di nylon.

La retrospettiva dedicata a Antonio Scaccabarozzi s'inserisce in un momento di grande riscoperta della sua attività, che si concretizza con l'ingresso di una sua opera, Iniezione-Delimitazione (1980-1981), nelle Collezioni Intesa San Paolo, alle Gallerie d'Italia di Milano, con la selezione del progetto Rotazione continua orizzontale nella mostra "WunderMore" al MAXXI di Roma, con la personale al Museo d'Arte Contemporanea di Lissone, in programma a fine settembre, e con la realizzazione del catalogo ragionato dell'opera dell'artista, di prossima pubblicazione.

Galleria 10 A.M. Art

Corso San Gottardo, 5 - 20136 Milano

 - www.10amart.it

Orari della mostra: Dal Martedì al venerdì, dalle 10.30 alle 12.30 e dalle 15.00 alle 18.30

Tutti gli altri giorni, solo su appuntamento

Ufficio stampa:

CLP Relazioni Pubbliche

Rosachiara Pardini, tel. 0236755700

www.clp1968.it