a cura di THE SWAN STATION (Luca Pozzi)

Date | 30 Marzo – 11 Maggio

Opening | 30 Marzo ore 18:00

Orari mostra | Lunedì – Sabato / 10:00 – 13:30 & 14:30 – 19:00

La Galleria Eduardo Secci Project è lieta di presentare “#iipolar”, mostra personale di Nora Renaud, a cura di THE SWAN STATION, piattaforma curatoriale ideata da Luca Pozzi per l’attivazione di esperienze contro-intuitive legate a fenomeni di nonlocalità, entanglement, gravità quantistica e multidimensionalità.

“Ho incontrato Nora nella massima depressione del pianeta, tra Giordania, Palestina ed Israele, nella cosiddetta rift valley, sulle rive del Mar Morto. Camminava sempre con una piccola lastra di rame in una mano e nell'altra il suo telefono cellulare. Entrambi gli oggetti avevano più o meno la stessa proporzione ed apparivano all'occhio esterno come strani device complementari ipertecnologici. Il rame da una parte, grezzo, in alcuni punti ossidato, in altri più lucido fino a diventare una specie di specchio, era messo sullo stesso piano dell'allora più evoluto tra i cellulari intelligenti. Nella mano destra l'età del rame (almeno cinquemila anni prima di Cristo) nella sinistra un giocattolo della quarta rivoluzione industriale basato sull'innovazione digitale dei processi di moltiplicazione e delocalizzazione esperienziale del tutto, del sempre e dell'ovunque. In modalità fotocamera puntava la lastra e continuava a scattare foto usando il materiale come filtro analogico, creando una narrazione della sua esperienza soggettiva vincolata, oltre che alla propria presenza nel luogo e nel tempo, anche alle proprietà indipendenti di un materiale sempre diverso, sempre nuovo, in costante trasformazione, in antagonismo esplicito con i filtri digitali sempre uguali, affidabili ed eterni di Instagram.” “#iipolar” parte da questi presupposti e ne accresce le derive in termini di complessità simbolica e di riferimenti culturali, etnografici e storici, mescolandoli ed interconnettendoli tanto da farne scomparire i contorni ma rispettandone i contrasti.

L'epicentro è la patologia del bipolarismo, disturbo comportamentale di sdoppiamento della personalità caratterizzata da transizioni di fase stranianti, passaggi quasi immediati da stati di euforia a cupa depressione. Nella ricerca di Nora Renaud tutto questo si traduce in una rete relazionale esplosa tra la dilagante attitudine alla condivisione di massa attraverso internet e la progressiva condizione di alienazione individuale domestica. Nata a Ginevra nella soffocante democrazia svizzera orientata all'iperorganizzazione legislativa, e teletrasportata a Bogotà nel cuore pulsante della caoticità colombiana tra Panama, Venezuela, Messico, Brasile ed Ecuador, Nora si appropria delle contraddizioni contemporanee e le converte in fattore linguistico, fondendo arte, moda e performance. Attraverso la creazione di manufatti artigianali, post-produzioni digitali e vere e proprie azioni collaborative divulgate attraverso i social network, le sue opere sensibilizzano l'opinione pubblica su temi quali la salvaguardia delle minoranze etniche e la tutela dell'ambiente, affiancando a ragioni e scelte artistiche, questioni morali. Nel caso specifico Swan Station accoglie, all'interno del progetto inedito “#iipolar”, DIAGNOSISISCARNAVAL un percorso di promozione della fine di internet, innescato dall'attivazione di due personaggi, due maschere, due sopravvissuti che posano e scattano selfie in luoghi altamente contrastanti e stereotipati. In mostra è presente il Kit per la vestizione: costituito da un amuleto di bronzo con smeraldi incastonati, uno scettro di paglia intrecciata a mano da comunità rurali, stickers con simboli grafici, pellicce sintetiche e due maschere di legno grezzo intagliate dall'artista stessa in Colombia. È importante sottolineare che i volti rappresentano simultaneamente il simbolo (sorrisi positivi e negativi) scelto dal portale di condivisione del sapere globale Wikipedia per illustrare il disturbo bipolare e l'icona che Facebook offre di default agli utenti che decidono di non avere una precisa immagine di profilo. Due “Sculture” abitabili complementari e performabili da chiunque, installate in penombra, attraverso un display da museo etnografico parigino stile Quai Branly, esposte come se fossero reliquie di un futuro già passato vertiginosamente familiare, controparte materiale, conservativa e tradizionale di una narrazione parallela, onirica e digitale da seguire attivamente sull'account instagram dell'artista in coerente atteggiamento bipolare: norarenaud_hyperanalogist #iipolar #diagnocrazia.

Nora Renaud

Nora Renaud (Ginevra, 1977), è un’artista Svizzera basata in Bogotá, Colombia. Opera in stretto contatto con l’antropologia della moda e i social media, e la sua pratica si collega ai rituali “simil_ancestrali” di comunità isolate in tutto il mondo e all’esplosione globale delle reti di gruppi effimeri: persone sconosciute o “profili” raccolti online. Gioca un ruolo importante nella creazione del “ñewpressionism”, un movimento artistico lanciato insieme all’artista di fama internazionale Miltos Manetas e altri, all’Istituto Svizzero di Roma (2014) e di Milano (2015). Lavorando manualmente alla creazione di oggetti unici e anacronistici e digitalmente, tramite uno smartphone Samsung Galaxy Note, dipinge sulla realtà, creando ibridi di filtri analogici e numerici per creare la base della sua estetica apparentemente contraddittoria, condivisa tramite l’uso dell’hashtag #filespaintings. Intesi come momenti digitali e timelapse tra antichi maestri come Degas, Velazquez, Segantini, Hodler e la contemporanea velocità della cultura post-Internet, i suoi lavori più recenti si focalizzano su “identità” e “antropologia” all’interno di un sistema globale.

Durante l’Art Week, la settimana dedicata all’arte contemporanea, Officine Saffi è lieta di ospitare nei suoi spazi, in collaborazione con la galleria FPAC - Francesco Pantaleone Arte Contemporanea (Milano, Palermo), la performance Creative Execution di Loredana Longo.

[…] Siamo connessi ad eventi spettacolari. Questo collegamento ci connette e disconnette simultaneamente, ci rende psico-tecnologicamente in diretta connessione con gli eventi e geopoliticamente lontani da essi. […] Certo quando gli schermi delle bombe intelligenti si oscuravano, il mio corpo non esplodeva. Al contrario, era rinforzato: secondo una figura classica del fascismo, il mio corpo, la mia soggettività, si affermavano nella distruzione di altri corpi.

Hal Foster, Il Ritorno del Reale

L’artista attraverso l’atto performativo vuole farci riflettere sull’estetica della violenza, un tema che da oltre un ventennio caratterizza il suo lavoro. Il boato di un’esplosione, la disintegrazione fisica degli oggetti realizzati per l’occasione in ceramica, un materiale da sempre presente nella ricerca artistica di Loredana Longo, ci conducono a una riflessione su ciò che la violenza, vissuta o percepita, lascia nelle vite di tutti noi.

Il testo di Hal Foster sapientemente proposto da Irene Biolchini risale al 1996, ma ci riporta alle visioni quotidiane del nostro tempo: alle bombe in terre non troppo lontane, a quei corpi in mare, ai volti di chi viene allontanato dai centri di accoglienza. Visioni in differita che nulla tolgono alla nostra quotidianità, alla nostra soggettività. Vi era e vi è in quelle spettacolarizzazioni della morte la lezione più importante di Andy Warhol e delle sue Death Series: la visione, anche quella più atroce, si perde ogni volta che viene ripetuta, riproposta. Ed è forse questo l’elemento più dirompente nel lavoro di Loredana Longo: perché nulla della violenza che ci circonda viene proposto letteralmente.

Lo spettacolo pirotecnico dell’esplosione non è didascalico: non vediamo un’esecuzione davanti ai nostri occhi, in un tranquillo pomeriggio nel centro di Milano. Eppure vediamo un’esplosione, ne percepiamo la detonazione, vediamo collassare davanti a noi cinquanta cilindri, disposti in file regolari.

Nella performance di Loredana Longo i cilindri cadono, si accartocciano davanti ai nostri occhi. La terra fresca ritorna a chiudersi su sé stessa. Nulla ci è risparmiato, pur non mostrando niente. Non vediamo immagini, non assecondiamo lo spettacolo della violenza di cui parla Hal Foster, ma al contrario quella violenza respiriamo.

Dai resti della detonazione partono in maniera evocativa tre fumogeni dai colori parlanti: rosso, bianco e verde. La bandiera italiana si forma e si disgrega contemporaneamente davanti a noi. In un momento in cui l’idea di nazione è sempre più associata a pericolose derive di esclusione e violenza, una bandiera svetta, in fumo, sopra gli oggetti distrutti.

E non servono immagini ulteriori, non servono corpi reali, né bandiere fisiche. La violenza dell’atto e del nostro tempo ci parlano attraverso quell’assenza. Il fumo ci lascia davanti ai resti, il suono ci obbliga a partecipare concretamente all’esplosione. La violenza non è più in differita, l’odio non è più “cortese” eppure, come era per Fortini, come è stato per Foster, così è per noi: assistendo alle macerie anche oggi non sappiamo “più di chi è la colpa”. L’arte, la creazione sono la sola risposta. 

Loredana Longo è nata a Catania, Sicilia. Vive e lavora a Milano. Laureata in Pittura all'Accademia di Belle Arti di Catania. Durante i suoi studi ha trascorso un po’ di tempo a Barcellona, in Spagna. Nel 2009 ha partecipato a una residenza d'artista in Marocco, nell'appartamento 22, a Rabat. Durante questa stessa residenza ha prodotto le sue opere per la Biennale di Marrakech. Nel 2011 è stata invitata dalla Fondazione Civitella Ranieri, una residenza internazionale organizzata dal Castello di Civitella Ranieri a Umbertide. Lavora principalmente in installazione, video, fotografia e performance. Il suo lavoro è solitamente ispirato da una ricerca personale e privata che estende a temi sociali e riflessioni sulla società. Ha esposto in diverse mostre personali (nazionali e internazionali) e ha preso parte a numerose mostre collettive.

Officine Saffi è un centro di ricerca specializzato nella ceramica contemporanea. Il progetto comprende la Galleria che organizza e promuove mostre personali e collettive di artisti contemporanei e maestri del passato. Il Laboratorio dove vengono organizzati corsi e workshop, oltre ad accogliere produzioni di artisti e designer e le residenze d’artista. La Casa Editrice pubblica cataloghi d’arte e la rivista trimestrale Fragile. Infine, completa il progetto, il concorso biennale Open to Art, dedicato alla ceramica d'arte e di design.

EMILIO PRINI

Dal 28 Marzo 2019 al 25 Maggio 2019 | Osart Gallery, Milano

Opening: Mercoledì, 27 Marzo 2019 alle ore 18,30

Osart Gallery è lieta di presentare una personale dedicata ad uno degli esponenti più enigmatici dell'Arte Povera: EmilioPrini (Stresa, 1943 – Roma, 2016). L'esposizione pone l'accento su un periodo storico ben preciso mostrando alcune opere significative prodotte tra il 1967 e il 1996. L'obiettivo della mostra è quello di proporre alcune delle tematiche chiave legate alla poetica di Prini. L'artista dichiara: «Non ho programmi, vado a tentoni, non vedo traccia di nascita dell’Arte (né della tragedia) perché la C. S. non è il frutto del puro lavoro umano (perché non ho fatto io la sedia il tavolo il foglio la penna con la quale scrivo) non creo, se è possibile».Le opere selezionate e distribuite in due sale fanno parte di alcuni dei cicli più importanti della sua produzione: Formula per tipi standard non standard realizzata per la prima volta nel 1967, Senza titolo realizzata tra il 1968 e il 1971, due opere tratte dal ciclo Governo (non standard) – Due linee che si uniscono in basso del 1986, un'opera relativa a X Edizioni (1986) e due lavori da Fogli da un taccuino di legno del 1997. Arricchiscono, inoltre, la mostra due Autoritratti realizzati nel 1976 ca. e una serie di opere su carta.

Partendo da Formula per tipi standard non standard, nella quale Prini elabora per iscritto il modello base del suo procedimento attraverso una scrittura quasi illeggibile ma al contempo ricca di formule matematiche combinate, ci si imbatte nell'opera Senza titolo che si compone di quattro pannelli con un collage di cinque fogli A4. La dicitura di Prini è la seguente “standard.asta.alluminio profilato. 6,50. m. in ambiente. 1967-1971”. Lo'Standard', un concetto visto da Prini come modello di riferimento per indagare lo spazio, fa la sua comparsa nel 1967 con Asta di comportamento(verde) che l'artista realizza e assembla presso la Galleria La Bertesca. Mai esposta ma solo fotografata, essendo Prini interessato più all'immagine che all'oggetto, l'opera si compone appunto di un'asta lunga sei metri, di alluminio profilato verde, che a seconda dello spazio in cui viene collocata si curva o distende. È lo spazio dato, quindi “Non Standard”, a decidere la forma dell'opera. 

Proseguendo troviamo due opere realizzate in occasione della mostra “X Edizioni” del 1986 presso la Galleria Franco Toselli, dal titolo Governo (non standard) – Due linee che si uniscono in basso. Si tratta di pannelli in legno MDF con due tagli che si uniscono in basso e l'applicazione di un foglio di plastica trasparente dal taglio corrispondente. Dalla stessa mostra provengono le omonime X Edizioni (tirate a 4 esemplari), ovvero cartoline “ricordo” tratte da piccoli disegni e appunti dell'artista.

Sempre nella sala principale troviamo due opere che provengono dalla mostra Fogli da un taccuino di legno del 1997 che furono esposti nella Galleria Pio Monti. Su pannelli di compensato Prini amplifica alcuni disegni tratti da una delle sue agendine, agendo con diversi metodi: matita, gesso bianco, vernice. I segni si intuiscono, si svelano, scompaiono in modo parziale o totale.L'impoverimento e la riduzione ai minimi termini dei segni tipico dell'Arte Povera, in Prini trovano un'estremizzazione attraverso un processo di sottrazione e di negazione della realtà che in alcuni casi si risolve in rapide apparizioni, in altri con l'assenza fisica dell'oggetto, fino alla sparizione dell'artista stesso dalla scena dell'arte.

Il modo di operare e di essere di Prini ha spesso sorpreso il pubblico nelle sue diradate occasioni espositive, attraverso inattesi “elementi per una esposizione” senza rinunciare mai alla sua natura eversiva e alla sua lucida e spietata intelligenza. Le sue opere appaiono come messaggi in codice da decifrare avvolti da un fascino enigmatico e da un profondo sarcasmo. «Prini è un bene prezioso che sfugge.»leggiamo in un articolo di Luca Lo Pinto a lui dedicato, «Un artista immenso che non si è mai adeguato ai codici del sistema dell’arte, facendo che essi si adeguassero a lui con una coerenza che non ha eguali». Verità che troviamo anche nelle bellissime parole di Lisa Ponti che lo racconta e descrive così: «Il punto è che lui ci deve essere e non essere allo stesso tempo. Un altro avrebbe detto “voglio essere in un punto visibile”; lui invece vuole essere in un punto quasi invisibile, però esserci».

Si ringrazia l'Archivio Emilio Prini per le informazioni relative alle note biografiche.

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EMILIO PRINI

Luogo: Osart Gallery | Corso Plebisciti 12, 20129 Milano

Inaugurazione: mercoledì 27 Marzo, 2019 alle 18.30

Date: 28 Marzo 2019 – 25 Maggio 2019

Orari di apertura: dal martedì al sabato, 10 – 13/ 14.30 – 19 (entrata libera)

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Colorato, gioioso, spumeggiante, è il Neopop il filo conduttore della mostra con cui la galleria PUNTO SULL’ARTE si presenta al pubblico rinnovata e raddoppiata negli spazi, con le nuove grandi sale al piano superiore pronte ad accogliere nuovi progetti e nuovi artisti. 

VERNISSAGE SABATO 30 MARZO dalle ore 18 alle 21.

Se la Pop Art di Andy Warhol nasce come estrapolazione dell’oggetto dal quotidiano per inquadrarlo sotto la nuova luce dell’arte, l’attuale corrente Neopop aggiunge a questo gesto l’intento di giocare con la percezione dello spettatore, e a quella sensibilità solo apparentemente easy sottende sempre profonde stratificazioni concettuali. Come le icone del cinema di DARIO BREVI – esponente di punta del Nuovo Futurismo – che si rivelano, viste da vicino, eleganti assemblaggi di forme astratte. O come i visi e i corpi realizzati da GIORGIO TENTOLINI attraverso sovrapposizioni di rete metallica: incantevoli trappole neo Optical. In un intelligente gioco di identificazione, GIUSEPPE VENEZIANO ci regala un’inaspettata Ragazza con l’orecchino di perlamentre ci mostra il lato B facendosi un selfie allo specchio, e ancora pittura flat e semplificazione formale caratterizzano il lavoro di IGOR MOLIN, e i suoi scorci pensati come intarsi di forme. Sono proprio due ipnotici “lollipop” a catturare l’attenzione della rana nell’opera di MASSIMO CACCIA, e ancora colori intensi, zuccherosi, da negozio di dolciumi caratterizzano le camicie dell’ultimo lavoro di ALBERTO MAGNANI. E mentre MICHAEL GAMBINO, come un mago contemporaneo, fa scaturire sciami di farfalle dai libri, GIORGIO LAVERI e VALERIA VACCAROsi ispirano agli oggetti del quotidiano per restituirceli ingigantiti, ripensati; Laveri esaltando la sensualità di una ciliegia o di un rossetto nello splendore laccato della ceramica, Vaccaro spiazzandoci con i suoi fiammiferi e con i bancali che celano sotto l’aspetto ruvido e umile del legno di scarto, la preziosità del marmo di Carrara. 

Le nuove sale al piano di sopra ospitano una mostra nella mostra, dando al pubblico la possibilità di scoprire alcuni nuovi artisti che entrano a far parte di PUNTO SULL’ARTE. Insieme a loro ci sono i nomi storici della galleria che presentano dipinti e sculture inedite: Annalù, Matteo Massagrande, Alex Pinna, Claudia Giraudo, Matteo Pugliese, Jernej Forbici e tanti altri. 

Artisti che, tra l’altro, saranno in gran parte presenti all’inaugurazione: un’occasione unica per il pubblico che avrà così la possibilità di conoscerli.

Periodo: 31 Marzo - 27 Aprile 2019

Luogo: PUNTO SULL’ARTE, Viale Sant’Antonio 59/61, Varese

0332 320990 |  

Orari: Martedì - Sabato: h 10-13 e 15-19.

Domenica 31 Marzo e 7 Aprile: h 15-19.

a cura di Paolo Bolpagni

Vernissage: Giovedì 9 Maggio, ore 17.00

Dal 9 Maggio al 22 Giugno 2019

Dal 9 maggio al 22 giugno 2019 la Galleria 10 A.M. ART di Milano, nella sua sede di Corso San Gottardo 5, organizza, a cura di Paolo Bolpagni, una mostra retrospettiva dedicata a Luigi Veronesi (1908-1998), uno dei protagonisti dell'astrattismo italiano e internazionale del Novecento.

Saranno ripercorse tutte le fasi e le sfaccettate "esplorazioni" di questo straordinario artista, che spaziò dalla pittura alla scenografia, dal cinema alla "visualizzazione della musica" tramite un sistema di forme e colori da lui elaborato, dall'incisione alla grafica, dalla fotografia alle arti applicate.

Dopo gli studi tecnici, la vera svolta nel percorso formativo di Veronesi risale al 1930, quando visitò per la prima volta la Biennale di Venezia, avendo così l'occasione di vedere le opere di Kandinskij, Klee, Feininger e Schlemmer. Il suo apprendistato, fuori dal comune nell'Italia dell'epoca, proseguì nel 1932 con il viaggio a Parigi (il primo di una lunga serie), durante il quale conobbe Legér, Vantongerloo e gli esponenti dei primi gruppi concretisti, che avevano dato vita ad "Abstraction-Création", cui Veronesi aderì nel 1934. Un anno per lui molto importante, questo, dato che nel mese di dicembre ebbe luogo, alla Galleria Il Milione di Milano, la sua prima esposizione pubblica di incisioni non figurative, accostate in mostra a quelle di Josef Albers, esponente di spicco del Bauhaus allora appena chiuso dalle autorità naziste. Sarebbe presto diventato per lui un fondamentale punto di riferimento anche Làszlò Moholy-Nagy, con cui Veronesi iniziò una lunga e amichevole relazione epistolare scaturita da un incontro in Svizzera nel 1935.

I contatti con gli esponenti delle tendenze più avanzate dell'arte europea, intanto, si moltiplicavano e infittivano: nel 1936 iniziò il suo rapporto con diversi protagonisti del concretismo svizzero, tra cui Max Bill e Jean Tschichold, direttore della scuola grafica di Basilea, che gli consentì di visitare la collezione Muller, ove Veronesi ebbe la possibilità di ammirare per la prima volta opere di El Lissitskij, Rodcenko e Malevic.

Approdato a un personale astrattismo geometrico-costruttivista, spesso incentrato sul concetto musicale di "variazione", nel tentativo di raggiungere un dinamismo ritmico e armonico Veronesi cominciò a dedicarsi anche al cinema: tra il 1940 e il 1942 realizzò, colorando a mano le pellicole, sei film "astratti", attraverso i quali intendeva organizzare una "pittura in movimento". Nella mostra della Galleria 10 A.M. ART saranno proiettati alcuni di questi film, concessi dalla Fondazione Cineteca Italiana di Milano. Sarà inoltre rimarcata l'importanza del lavoro scenografico di Veronesi, il quale iniziò a occuparsi di teatro nel 1933, quando realizzò i bozzetti per le rossignol di Igor Stravinskij: nella retrospettiva saranno presentate alcune delle marionette originali per la Histoire du soldat, uno spettacolo progettato nel 1939 insieme con Luigi Rognoni, previsto per essere recitato da attori in carne e ossa, ma che trovò infine la via delle scene soltanto nel 1981, in un allestimento per marionette alla Piccola Scala di Milano.

Molti i capolavori esposti nella mostra curata da Bolpagni: da due incisioni astrattiste degli anni Trenta allo Studio cinetico del 1940, dalla Composizione n. 18 del 1941 a Composizione del 1950, dal dipinto del 1954 Incontro alla Composizione A71 del 1971 e all'olio su tela del 1991 KF 2; e inoltre esempi della "visualizzazione cromatiche della musica" sperimentate da Veronesi a partire dal 1970. Dunque una panoramica che va dagli anni Trenta ai Novanta, e che testimonia la programmatica apertura d'interessi e l'atteggiamento "intermediale" di questo artista italiano ed europeo, in cui la precisione geometrica si sposò sempre con un lirismo trattenuto e con un calibratissimo ritmo formale e cromatico.

Galleria 10 A.M. Art

Corso San Gottardo, 5 - Milano

 - www.10amart.it

Orari della mostra: dal martedì al venerdì,

dalle 10.30 alle 12.30 e dalle 15.00 alle 18.30

Tutti gli altri giorni, solo su appuntamento

dal 28 febbraio al 7 aprile 2019

vernissage giovedì 28 febbraio ore 19.00

A cura di Daniele Capra

La Galleria Giovanni Bonelli è lieta di presentare la prima personale nei propri spazi di Jacopo Mazzonelli Difference and Repetition. Il titolo della mostra è un omaggio al celebre testo di Gilles Deleuze che problematizza una serie di questioni ontologiche caldeggiando la necessità della liberazione del pensiero dall’assoggettamento a logiche e criteri precostituiti. La mostra, curata da Daniele Capra, raccoglie una dozzina di lavori recenti dell’artista, per la maggior parte installazioni e opere scultoree, nei quali le dinamiche di reiterazione processuale e di ripetizione di alcuni elementi visivi sono gli aspetti generativi fondanti. L’artista recupera, smembra e reimpiega strumenti musicali ormai dismessi, obsolete macchine da scrivere meccaniche, speaker gracchianti, vecchie luci e tutto un universo di oggetti che vengono poi risemantizzati all’interno di una nuova opera: egli trova loro un posto, un ruolo – sia esso linguistico o estetico – ricomponendo in tale modo la loro esistenza nell’alveo del fruibile.

Il lavoro di Jacopo Mazzonelli è caratterizzato da una forte interazione tra istanze musicali e letterarie. Evidenti i riferimenti agli strumenti (la tastiera e i martelletti del pianoforte, gli ottoni, gli archi), di cui l’artista ricombina frequentemente le parti costitutive, ma anche le ispirazioni tratte dalle più significative composizioni delle avanguardie del Novecento. Sovente i titoli delle sue opere raccontano, in modo sintetico e poetico, le pieghe più inestricabili del nostro pensiero e rendono manifesta, nella forma di un’epifania, prospettive di senso apparentemente nascoste sotto l’epidermide dell’ordinario.

A conclusione della mostra, in concomitanza del weekend di MiArt, la galleria ospiterà sabato 6 aprile una performance realizzata in collaborazione con Tovel (aka Matteo Franceschini) e Eleonora Wegher.

Jacopo Mazzonelli (Trento, 1983. Vive e lavora a Verona) Diplomato in pianoforte e in musica contemporanea presso l’Accademia Internazionale TEMA di Milano, Jacopo Mazzonelli realizza sculture, assemblaggi e installazioni che indagano l’ampia zona di confine tra arti visive e musica. L’indagine sulla percezione del ritmo e del divenire del tempo si accompagna a quella sul “gesto musicale” inteso come ciò che sottende l’esecuzione e non il suono prodotto: lavorando sull’interpretazione e sulla visualizzazione della dimensione sonora, l’artista si confronta con strumenti che destruttura, trasforma e ricompone. Suoi lavori sono già in importanti collezioni tra le quali: AGIVerona; Caldic Collection, Rotterdam, Unicredit Art Collection; VAF Stiftung Collection; MART Collection, Rovereto; Fondazione Francesco Fabbri, Treviso. Tra le principali esposizioni ricordiamo: “Sonografia”, Museo Internazionale e Biblioteca della Musica di Bologna (2018); To Be Played at Maximum Volume”, Mart-Galleria Civica di Trento (2017); VI Vaf Prize-Posizioni Attuali dell’arte, Schauwerk - Sindelfingen - Stuttgart e Stadtgalerie - Kiel (2014).

Galleria Giovanni Bonelli

Via Luigi Porro Lambertenghi 6 - 20159 Milano

da martedì a sabato ore 11-19

www.galleriagiovannibonelli.it

t. 02.87246945

Inaugurazione: giovedì 7 marzo, ore 18

Date: 8 marzo - 20 aprile 2019

… da un progetto di Giampiero Biasutti

….. delle città di Jonathan Guaitamacchi si parla come di città globali, città che nella loro spropositata ampiezza “…hanno dentro un’angoscia europea più profonda, che fa pensare all’assurdo urbano di Radziwill e alle campagne desolate e apocalittiche di Kiefer…(Carlo Bertelli)

…. Jonathan Guaitamacchi lavora sullo spazio, si addentra nella terza dimensione, la profondità, ed interpreta l’architettura come linguaggio, come ossessione, come ripetizione di un modo. Le sue tele sono veri e propri progetti architettonici che raccontano la sua visione..(Francesca Brambilla)

Dal prossimo marzo 2019 con le sue grandi vedute urbane, una preview di nuovi lavori a tecnica mista sulla città di Torino, fotografie di ghiacciai e un’installazione di disegni con strutture architettoniche e morfologiche immaginarie che nascono dal suo duplice lavoro sulle forme dell’urbano e dei ghiacciai perenni in estinzione.

In mostra: Ending anno 2019, Imaginary Land anno 2019, Invisibile Sun anno 2019, Metropoli anno 2011

GIAMPIERO BIASUTTI

Studio d'Arte per il '900

Via della Rocca, 10 - 10123 Torino

Tel. e Fax 011 8390690

Orario: martedì-sabato, ore 10,30-12,30; 15,30-19,30

ALBERTO BERTOLDI
INFINITO

periodo: 26 febbraio > 22 marzo 2019

inaugurazione: martedi 26 febbraio 18.30>21.00

luogo: Federico Rui Arte Contemporanea / via Turati 38 / cortile interno / Milano

orari: da martedì a venerdi 15.00-19.00 / sabato su appuntamento

Si inaugura MARTEDI 26 FEBBRAIO la personale di ALBERTO BERTOLDI Infinito, in cui verrano esposte dodici opere realizzate nel corso dell'ultimo anno.
Alberto Bertoldi si avvicina all’arte per raccontare la meraviglia della natura che coglie come una trasfigurazione dei sentimenti e delle idee dell’uomo. La montagna e i suoi cieli nitidi diventano lo specchio dell’anima e delle sue vibrazioni che si fissano impalpabili in immense nuvole. Si dedica a lungo alla tecnica: lo affascinano El Greco e Hieronimus Bosch e li studia con passione, soprattutto negli anni ’70, quando frequenta la Scuola di Nudo di Brera. Negli anni ’80, durante numerosi viaggi per visitare i musei europei, ammira i grandi maestri del paesaggio fiammingo, inglese e tedesco, Friederich – per lui un faro –, fino ad arrivare alla Hudson River School. Su queste basi pian piano Bertoldi sente sempre più la necessità di rappresentare la natura in chiave contemporanea. Con il passare degli anni lo sguardo di Bertoldi diventa sempre più definito: se le pennellate terrene sono vibranti, il cielo supera il reale, lo trasfigura. E’ una vibrazione emotiva, un’idea, quella che si fissa pian piano e sempre più nelle nuvole.

I cieli di Bertoldi sono più umani del mondo terreno. Per questo le nuvole erodono spazio alla linea dell’orizzonte. La selezione dell’artista rende le nuvole, le emozioni, protagoniste con un prepotente “spostamento” rispetto ad altri particolari dell’opera, che diventano puro contesto. Il cielo appare possente, osservatore più che osservato, custode della potenza del sacro. Le tele di Bertoldi diventano così finestre che permettono alla natura umanizzata di manifestarsi. Profonda la potenza simbolica così come il rigore formale del linguaggio.

Le nuvole non sono che una rappresentazione della vita umana, del suo continuo divenire in un eterno presente. Le opere di Bertoldi non conoscono tempo, non si muovono anche se esprimono turbamenti, vibrazioni, passaggi, emozioni. Ecco perché non si può parlare di iperrealismo dell’arte di Bertoldi: non c’è una riproduzione della natura, perché è reinventata, reinterpretata e trasfigurata. A parlare è lo spirito dell’uomo, l’anima toccata dalle emozioni, capace di raccontare umanamente la gioia e il dolore, le inquietudini, l’amore. E ciò che appare è un immenso autoritratto dell’uomo, un uomo che osserva un “viaggiatore” che percorre una strada e guarda un quadro.

ALBERTO BERTOLDI è nato nel 1955 a Luserna San Giovanni, nel Torinese. Vive e lavora a Piacenza.
Protagoniste delle sue tele, a tal punto da limitare lo spazio all’orizzonte terreno, sono le nuvole. Sul finire degli Anni Novanta entra in contatto con il gallerista e antiquario Igino Consigli di Parma e, tramite questo, con Federico Zeri; entrambi lo sostengono nella sua ricerca. Cominciano anni d’intensa attività. Nel ‘98 la Galleria Braga di Piacenza gli dedica un’ampia personale, con catalogo edito dalla Fondazione Cassa di Risparmio di Piacenza, curato da Gianfranco Bruno e con preziosi interventi poetici dell’amico Maurizio Agnellini. A Etruria Arte (LI) è premiato due volte (Premio acquisto e allestimento di una personale alla Galleria Forni di Bologna), nel 1998 e 1999.
Nel gennaio 2000 la Bugno Art Gallery gli dedica un’estesa mostra personale. Il catalogo, dal titolo L’altrove impossibile, è curato da Flavio Arensi. Lo stesso anno, a Vienna, l’ambasciatrice Onu Gerti Tauchhammer organizza l’evento “Society Redaktionsfest” e le opere di Bertoldi trovano spazio in un’importante mostra con l’artista Ernst Fuchs. L’attività espositiva, con cataloghi e presentazioni curate da Domenico Montalto, Agostino De Rosa, Alberto Agazzani, Giorgio Soavi, aumenta in tutta Italia.
Il 2006 si caratterizza per un grande mostra antologica, curata da Beatrice Buscaroli, al Museo di Villa Breda, a Padova. Nel catalogo, tra gli altri, compaiono testi di Ruggero Pierantoni, Luca Mercalli, Gherardo degli Azzoni Avogadro, Maurizio Agnellini e la poetessa Alda Merini.
Si susseguono numerose mostre: una personale alla Great Art Fair di Londra, un’antologica al Museo – Fondazione “Un Paese”, con la realizzazione di un’importante monografia (interventi di Ruggero Pierantoni, Renzo Margonari e Giulio Mozzi). Bertoldi è sempre più apprezzato all’estero. Dal 2010 la sua attività si concentra principalmente nella collaborazione con la Galerie de l’Europe di Parigi. Inoltre espone all’Artery Gallery di Edimburgo e alla Galleria Hermitage di Dallas. Nel 2011 partecipa alla Biennale di Venezia, curata da Vittorio Sgarbi, nell’ambito della sezione regionale Emilia Romagna.

Dal 10 gennaio al 15 febbraio 2019

lunedì-venerdì: 10.00 - 13/14.30 - 18.00

sabato su appuntamento

location: Foro Buonaparte, 48, Milano

www.canepaneri.com

La galleria C+N Canepaneri è lieta di presentare Rewind, mostra collettiva che raccoglie i lavori di nove artisti italiani ed internazionali. L'esposizione getta uno sguardo retrospettivo sull'attività recente della galleria, il cui programma contempla diversi filoni paralleli: da autori storici dagli anni Sessanta in poi a grandi nomi del contemporaneo, fino ad artisti di nuova generazione consolidati o emergenti. Proprio il filone più contemporaneo e di ricerca è protagonista di Rewind, con autori nati tra il 1961 e il 1991.

Pur nella diversità delle poetiche e senza la sovrapposizione di un filo conduttore tra le opere, gli autori riuniti in mostra condividono una spiccata capacità di analisi del presente, con piglio più o meno diretto e radicale. 

Le immagini rielaborate pittoricamente da Andrea Salvino sono frammenti di realtà contemporanea, punti di incontro tra cronaca e storia. Lo stile straniante con cui vengono rese non ammorbidisce la lettura di contraddizioni e conflitti dell'epoca contemporanea, ma al contrario la rende ancor più tagliente. Una mappatura dell'immaginario collettivo odierno emerge dall'opera di Stefano Cagol, con un linguaggio basato sull'idea di simbolo e sulla sintesi formale declinato in videoinstallazioni e public art. Come un nuovo alfabeto contemporaneo, chiave d'accesso per l'interpretazione dello spettatore. Il linguaggio simbolico è presente anche nell'opera di Theo Mercier, ma con un'accezione più legata all'incrocio tra cultura contemporanea e ancestralità. Come totem postmoderni, le sue sculture costringono chi guarda a rielaborare oggetti e segni solo a prima vista immediatamente riconoscibili, in realtà sottilmente alterati e decontestualizzati.

L'intersezione tra tradizione e modernità, il rapporto tra individuo e società, l'analisi critica del presente attraversata da una sottile aria di contestazione dello status quo sono i temi fondamentali di Filip Markiewicz, che utilizza sia disegno che l'installazione immersiva che rende partecipe il pubblico. L'arte di Arseny Zhilyaev riflette invece sul concetto stesso di mostra e museografia, reinterpretando il rapporto tra arte e regime vigente durante l'Unione Sovietica. Gli espressivi dipinti e disegni di Danica Lundy parodizzano i tic della nostra società raffigurando scene di divertimento o godimento venate di inquietudine e malinconia. Il grottesco si associa alla maestria pittorica, lo stile ipercontemporaneo contiene citazioni dall'arte del passato. 

La stratificazione della memoria, il rapporto tra l'uomo e il suo contesto, ambientale o sociale, sono gli argomenti esplorati da Elizabeth Aro con lavori fortemente evocativi ma solo apparentemente onirici, in realtà riflessivi e concettuali. E sono presenti in mostra anche due progetti collettivi, a testimonianza delle sempre rinnovate forme che assume la ricerca artistica "impegnata". Traslochi Emotivi è un progetto creato nel 2010 da Giulia Currà, che "cambia ogni volta come un camaleonte e un migrante e indaga i concetti di limbo, soglia e identità multipla", coinvolgendo di volta in volta diversi collaboratori, non per forza artisti. Louise Guerra è invece "un progetto collettivo, una fiction artistica, una ricerca contro l'individualismo e la fede nell'autorialità".

La mostra fornisce così nove chiavi di interpretazione del nostro tempo, nove esempi di come forma e concetto siano sempre più inestricabili nell'eclettica creazione contemporanea.

Filip Markiewicz, Altersilence, 2016, matita su carta, 63x44cm

A cura di Leonardo Conti

opening  sabato 23 febbraio 2019

alla presenza dell’artista con la musica di Paola Samoggia

23 febbraio | 13 aprile 2019

La PoliArt Contemporary di Milano presenta The Ring of Rhymes, personale dedicata al celebre ciclo delle Rime di Giovanni Lombardini. L’esposizione di trenta opere, tutte di piccolo formato (cm 30X30), disegna un grande anello attraverso le pareti della galleria, trattenendo i visitatori all’interno di una specie di incantamento.

La galleria (o il museo) è da sempre lo spazio vitale della fruizione: da lì si lanciano gli sguardi perché è lì che le opere si affacciano. Ora, con questo inedito allestimento, Lombardini amplifica a dismisura quello spazio vitale: in un gioco complesso di potenza visiva e di segreti specchi e rimandi, lo trasforma nel misterioso luogo della profondità delle opere, cui finalmente si ha accesso. Basta scegliere un punto fermo su cui ruotare, un centro possibile – o forse sarebbe meglio dire un de-centro -, per compiere un viaggio nell’immagine di se stessi riflessa senza fine nel colore e nella luces. The Ring of Rhymes è soprattutto questo: un viaggio all’interno di un incantesimo, in cui l’arte ci restituisce uguali e diversi.

Del resto, anche Lombardini è un grande viaggiatore, per quanto una simile affermazione potrebbe apparire paradossale, poiché, nella realtà, l’artista non si è in pratica mai mosso dalle verdi colline della Romagna: Lombardini è un viaggiatore dello sguardo, dall’alto, rivolto a est, lontano, fin dove gli incomparabili cielo e mare si fondono in un barbaglio.

Là i suoi sterminati viaggi si dirigono e tutti si compiono nel luogo invalicabile in cui gli altri incomparabili e irriducibili di realtà e arte si lambiscono, si sfiorano, quasi si confondono, quasi l’uno l’altra faccia dell’altro.

Spingersi sino all’ultima superficie, oltre l’ultimo velo, questo è l’instancabile viaggiare di Giovanni Lombardini. La sua è una pittura del limite e ogni opera pare inscriversi nel millenario avvertimento: Hic sunt leones. Per traguardare la fine di un mondo e l’inizio di un altro bisogna avere il coraggio di Ulisse, essere pronti ad affrontare, dopo il ciclope, la maga, le sirene, persino l’ultimo gorgo che non ti restituisce.

Quasi in una quiete prima della tempesta, le Rime si distendono sterminate e interminabili, come orizzonti verticali che trapassano gli sguardi. Laddove la superficie si sprofonda, scavano nell’aria un vuoto di noi, già nel dominio degli specchi, in cui, ecco, arte e realtà si fondono, finché l’ultima luce non si perda nello spazio e nel colore, spenti dalla sera.

Le Rime variabili di questo Ring of Rhymes sono anche musicali, sono melodie di timbri (la musicale klangfarbenmelodie di schoenberghiana memoria): il colore rutilante sgorga dalla verticale mediana del quadro, e di rima in rima si dipana ogni opera intera, in un’esondazione inarrestabile che arrotonda i bordi e va, fino ad abitare la parete.

Tuttavia, questa forza del colore, resa lucidissima dall’acrilico trasparente, d’improvviso svela il segreto della realtà circostante, è lo specchio, e a noi, quasi regnanti di fronte allo sguardo di Velasquez, la caducità del nostro esserci, riflesso tra le rime. Questa è l’ambiguità di ciò che si riempie svuotandosi, il viaggio in cui partenza e ritorno coincidono, a mezza via, nel “de-centro” di The Ring of Rhymes, tra la potenza cromatica che invade lo spazio e il potere della luce che, indefinitamente riflessa, ci accoglie nel miracolo di questo luogo.

Catalogo in edizione limitata e numerata di 120 esemplari, ognuno contenente un’opera unica di Giovanni Lombardini, cartonato, Edizioni PoliArt Contemporary

Ufficio Stampa: Spaini & Partners

a cura di Stefano Castelli

13 febbraio - 30marzo 2019

Inaugurazione: 13 febbraio 2019 - ore 18,30

Luca Tommasi è lieto di annunciare Deepdrippings, prima personale in Italia di Phillip Allen che si terrà negli spazi di via Cola Montano 40 a Milano. L'esposizione presenta una selezione di dipinti che rappresentano la più recente evoluzione nella poetica dell'artista.

Pur portando il linguaggio della pittura ai suoi limiti estremi, alterandone i presupposti di base per avvicinarlo al punto di rottura, lo stile di Phillip Allen rimane "costruttivo". Il dipinto sussiste nella sua materialità, diventando un vero e proprio oggetto, un quadro-scultura. Le convenzioni e le aspettative del visitatore, però, sono sistematicamente disattese: i rapporti tra cornice e dipinto si ridistribuiscono, l'idea di sfondo viene annullata dalla saturazione, margini e centro si confondono in una distribuzione "egualitaria" dello spazio. "Mi piace l'idea di dissolvere me stesso nel processo pittorico", dichiara Allen.  

Nei lavori immediatamente precedenti, la distribuzione dei colori e delle forme suggeriva retropensieri figurativi: paesaggi, vegetazione, trattamento dell'immagine di derivazione paradossalmente postimpressionista... Nei dipinti qui presentati ciò si dissolve ancor più che in passato nell'autonomia del colore e del segno. Allen rinuncia all'utilizzo di un vero e proprio "motivo", i pattern diventano ancora più aleatori che in passato. La materia sembra autoriprodursi per invadere ogni spazio disponibile. In fondo, i dipinti di Allen funzionano simbolicamente come schermi: la linearità dell'immagine "trasmessa" è definitivamente interrotta e congelata. Ma proprio questa saturazione dà vita a un nuovo linguaggio immaginifico, tattile e sensoriale.

Un riferimento fondamentale per l'artista nell'elaborazione della sua poetica è in effetti il concetto di "spazio acustico" elaborato da Marshall McLuhan per descrivere il funzionamento dei mezzi di comunicazione di massa ­- non solo quelli che utilizzano l'audio ma anche quelli che ricorrono all'immagine e alla parola scritta. Nello "spazio acustico" tutti i sensi sono sollecitati contemporaneamente, senza consentire una fruizione analitica del messaggio.

Phillip Allen è nato a Londra nel 1967, dove vive tuttora. Dopo studi alla Kingston University e al Royal college of art, giunge alla sua prima personale a Londra nel 1999 con la galleria The Approach, alla quale fanno seguito una ventina di altre personali e numerose collettive. Le sue opere fanno parte di importanti collezioni pubbliche, come quella della Tate e del British Council. All'attività artistica affianca quella curatoriale e l'insegnamento.

La mostra resterà aperta con i seguenti orari: martedì - sabato ore 15 – 19 e su appuntamento. Per Info e materiale iconografico: . Tel. 335 242433

LUCA TOMMASI 

Via Cola Montano, 40 – MILANO

-www.lucatommasi.it

Nella mostra “Hans Hartung. Beyond Abstraction” la galleria Dellupi Arte di Milano – situata all’interno delcomplesso progettato da Daniel Libeskind, nel quartiere Citylife, nuovo polo di attrazione dell’arte contemporanea e del design – ripercorre, dal 23 novembre 2018 al 26 gennaio 2019, circa quarant’anni di ricerca dell’artista franco-tedesco attraverso un’attenta selezione di opere realizzate in vari momenti del suo percorso.

“La ricchezza della sua produzione, la varietà delle soluzioni tecniche impiegate, unite al desiderio di sperimentazione – ricorda la curatrice Ilaria Porotto – contraddistinguono Hans Hartung come uno tra i più significativi protagonisti dell’arte astratta; la sua pittura – libera da vincoli ed etichette – ha caratterizzato l’arte del secondo Novecento, influenzando generazioni di artisti più giovani”.  

Questa seconda mostra dedicata a Hartung dalla galleria Dellupi Arte si configura come una piccola antologica con circa 20 opere, una quindicina di capolavori su tela, accompagnate da una selezione di raffinati lavori su carta. Il progetto segue un percorso cronologico: partendo dagli anni Cinquanta, dove prevale ancora un linguaggio fortemente segnico, si concentra sugli anni Sessanta e Settanta, quando Hartung sviluppa una nuova gestualità e sperimenta inediti strumenti per grattare, scavare, imprimere la superficie della tela, per completarsi con i dipinti della maturità eseguiti negli anni Ottanta, le sue creazioni più liriche, in cui il gesto è completamente libero di esprimersi.

Nelle opere in mostra appare evidente come Hartung declini il suo linguaggio in un segno pittorico fremente e vitale. Come ben rappresentato da alcune delle tele esposte – come T1962-L8del 1962, T1963-R42 del 1963o T1965-E3 del 1965 – per ottenere ciò, l’artista si avvale di strumenti nuovi, sperimentando utensili comuni e oggetti di uso quotidiano, come rulli, spazzole, rami e rastrelli da giardino, ma anche l’aerografo, spruzzi e compressori. 

Hartung elabora così una personalissima modalità stilistica e operativa. In capolavori come T1962-U4, anch’esso in mostra, una nuvola di colore indefinito si dissolve in una profondità spaziale popolata da linee sinuose o nervose, accostate o intrecciate l’una all’altra, scalfite nello strato pittorico. Il quadro si trasforma al contempo in energia primigenia ed esperienza lirica: un’arte completamente astratta, priva – anche nel titolo – di ogni tipo di riferimento, ma trampolino verso l’infinito, capace di suscitare emozioni e generare bellezza.

La rassegna si conclude con gli acrilici degli anni ’80 che descrivono uno dei momenti forse più affascinanti della carriera dell’artista dove segni e colature di colore esprimono un potenziale armonico che arriva a delle punte di poesia del tutto inaspettate nelle quali si riconoscono reminiscenze di elementi naturali o paesaggistici.

Completa la mostra, un catalogo edito dalla Dellupi Arte con un testo di Ilaria Porotto e immagini delle opere esposte.

a cura di Pietro Gaglianò 

Date| 25 Gennaio – 23 Marzo

Opening| 25 Gennaio ore 18:00

Orari mostra | Lunedì – Sabato / 10:00 – 13:30 & 14:30 – 19:00

Eduardo Secci Contemporary è lieta di presentare la mostra Mass Spectacle a cura di Pietro Gaglianò, comprendente le opere di Victor Agius, Alberto Borea, Hugh Scott-Douglas, Diana Al Hadid, Santiago Taccetti, Hector Zamora.

La mostra collettiva sarà inaugurata presso la sede principale della galleria, in Piazza Goldoni 2, a Firenze, il 25 gennaio 2019, alle ore 18:00. 

 “L'adattamento della realtà alle masse e delle masse alla realtà è un processo di portata illimitata, tanto per il pensiero quanto per la percezione”. 

Attorno a questa affermazione di Walter Benjamin (L’opera d’arte nell’epoca della sua riproducibilità tecnica, 1936) si dispongono le opere di sei artisti internazionali per illustrare una serie di interrogativi sulla forma e sul senso delle rappresentazioni collettive, sul ruolo dell’arte nella sua relazione con il potere. Il progetto Mass Spectacle / Spectacles for the Massesè innescato da una riflessione sul monumento nel paesaggio contemporaneo e si dispone come un percorso sulle possibili contronarrazioni agite dall’arte chiedendosi quale sia il suo pubblico e quali i limiti della sua effettività rispetto al sistema economico che la promuove e la contiene. 

 Gli artisti coinvolti provengono in larga parte da culture che hanno dovuto confrontarsi con pesanti eredità coloniali o che si trovano in regioni di cerniera tra continenti e aree di influenza tra loro in conflitto, e la loro ricerca è arricchita da uno sguardo critico sulla produzione culturale di massa di marca occidentale. Victor Agius, nato nel 1982 a Malta, dove vive e lavora, reinterpreta l’iconografia tradizionale, della devozione religiosa come della politica, utilizzando materiali che incrinano il concetto di permanenza che caratterizza il monumento. Profondamente connesso alla cultura ancestrale della sua isola, Agius ne esamina attentamente le radici e le evoluzioni nel rapporto con il Mediterraneo e l’Europa. Alberto Borea(Lima, 1979, vive e lavora a New York) opera una drammatica revisione dei feticci della repressione sociale e del dominio finanziario, denunciandone le connessioni sotterranee; i confini della geografia del potere vengono riscritti svelando ramificazioni dalle quale nessuno può ritenersi non responsabile. Il lavoro di Hugh Scott-Douglas(Cambridge, GB, 1988) esplora i sistemi della produzione e della veicolazione commerciale come simbolo della condizione globale contemporanea e come strumento per mettere in evidenza altri passaggi e viaggi di esseri umani, di linguaggi, di significati. L’artista di origine siriane Diana Al Hadid(1981, vive e lavora a New York), impegnata in una originale sperimentazione nella tecnica e nei materiali della scultura, decostruisce la rappresentazione monumentale attraverso una ricerca formale che connette il passato al presente. L’argentino Santiago Taccetti(vive e lavora a Buenos Aires) sintetizza elementi di storia sociale del suo paese in forme che dialogano con diverse estetiche dell’arte contemporanea: tra simulazioni e sfide all’osservatore viene allestita una narrazione asciutta e drammatica delle ineguaglianze locali e globali. Hector Zamora (Città del Messico 1974, vive e lavora a Lisbona) è autore di progetti di grande formato che sovvertono i consueti apparati della percezione tra istituzione e controcultura, rappresentazione e immaginazione, opera e spettatore. Sul destino dell’opera e sulla sua permanenza è incentrato il lavoro presentato in questa occasione.

 Nella congiuntura storica in cui venne pubblicato il saggio di Benjamin, nell’Europa dei totalitarismi, le grandi narrazioni si affermavano come spettacolo di massa, perseguendo la precisa volontà politica dei gruppi egemoni di raggiungere folle sterminate con la propria propaganda. Oggi più che mai, in una dimensione globale, fatta di azzeramenti continui della storia e verità istantanee, lo spettacolo di massa, Mass Spectacle, è un dispositivo ottico: Spectacles for the Masses, occhiali per le masse. In questa corrispondenza si descrive il rapporto tra la rappresentazione e la realtà, deformata proprio da quegli spectacles(occhiali) imposti dalla rappresentazione.

Fino al 30 marzo 2019

Galleria P420 è lieta di presentare la mostra collettiva Adrian, George, Peter, Sofia e Tamina.

Cinque artisti, cinque processi pittorici, diverse geografie, storie, battaglie con la forma. Adrian, George, Peter, Sofia e Tamina esalta le diversità all'interno di un'unica disciplina, contrastando l'idea di network e di connessione necessaria.

Si sono riunite cinque personalità; le si espone nella maniera più schietta possibile in una mostra che sin dal titolo è denotata unicamente dal nome proprio dell'artista. Lo spazio di P420 ospita in un sol colpo innumerevoli battaglie pittoriche.

Adrian, George, Peter, Sofia e Tamina è un'esposizione fortemente convinta del fatto che la pittura, quella astratta come quella figurativa, vada ben oltre l'immagine e la rappresentazione. Per questo si è selezionato un gruppo di artisti fortemente process-based, artisti che giocano la propria intelligenza umana e visiva nell'intuizione e nel tempo del fare, anche a costo di fare male, di rinunciare alla politezza dell'opera, in favore di una violenza costruttiva ed emotiva che va oltre il risultato, oltre l'oggetto, e agisce e basta.

Con l'opera del polacco Adrian Buschmann si entra nei segreti passaggi della più raffinata, studiata seduzione mitteleuropea; la pittura è docile, silenziosa, si nasconde dietro un grande ventaglio di linee impercettibili e superfici ampie ed eleganti, si svela 'sorella aperta' di un'architettura e di un design di area austro-tedesca coltivati dal chirurgico occhio di Adrian, mago urbano, saltuario commentatore della società.

Assenza di contrasto tonale, languore e profondità del pigmento, danza, monolitico sfiorarsi dei corpi, composizioni dominate dalla carne liscia, bruciature sulla carne spessa: ecco il dominio dell'inglese George Rouy. L'opera di George è portabandiera della speranza che in pittura il corpo possa tornare a essere pericoloso e ribelle; nella sensualità dei suoi dipinti, George è vicino alla pittura sacra.

L'americano Peter Shear sperimenta cento diverse intuizioni. In ogni opera del suo vasto repertorio si dedica a una particolare sfida pittorica; ogni sfida si giostra in una definita economia dei mezzi e in un dato, seppur inconscio, riferimento storico-artistico. Il suo processo è aperto, ironico, fortemente intellettuale senza per questo perdere la propria intimità che è forte, attenta agli edges del dipinto, esplosa e spessa.

L'italiana Sofia Silva gioca d'azzardo, in territori brulli, sul filo del rasoio pittorico. Le opere e le stoffe dell'artista sono tagliate con la spada di Giovanna d'Arco, contro ogni illusione, ogni tecnicismo, ogni luogo comune, persino contro ogni opposto del luogo comune, per una pittura più crudele, artaudiana, capace di esprimere una violenta sessualità femminile. Sofia presenta.

La tedesca Tamina Amadyar circoscrive le proprie pennellate in aree di due colori la cui interazione permette d'interrogarsi sullo spazio, sulla profondità visiva. Le luminose tele di Tamina parlano di azioni, permettendo di riconoscere i movimenti compiuti dal corpo dell'artista nel dipingerle; ricordano che l'opera, sia essa grassa o scarna, deve respirare e saper accogliere il tempo del silenzio, ponendo un dito dinanzi alle proprie labbra.

Obiettivo di Adrian, George, Peter, Sofia e Tamina è quello di essere una mostra difficile, felice di causare un leggero mal di testa.

Nelle opere di Giorgio Tentolini -Casalmaggiore (Cr), 1978- l'attitudine a cogliere l'imponderabile diviene pregnante. L'immagine emerge nell'atmosfera emotivamente neutra con la consistenza impalpabile di un ricordo, eterea e leggera nei chiaroscuri come un disegno a grafite su carta, grazie alla sovrapposizione di strati di un materiale metallico come la rete, lasciando intatti i dettagli fisionomici di un volto (le “jeunes-filles”), di un busto o di una statua classici (Pagan Poetry), così come gli elementi strutturali di un interno (Immobili, 2018). Le maglie della rete filtrano l'essenzialità, le linee portanti di un momento che si cristallizza nella memoria intangibile di un ricordo, come avveniva nel ciclo di lavori che dà origine alla poetica della rete metallica (Kairos-Kronos, 2007). I soggetti diventano intercambiabili nella rete di interconnessioni sociali generata dall'artista, diventano assenti, “soggetti identificativi non-umani”, come i manichini delle vetrine dei negozi (Presenze, 2018-2019), colti in un attimo fuggevole (Lapse) che sembra smaterializzarsi e ricomporsi tardivamente nella nostra vista. Ciò che resta è la cristallizzazione di un ricordo, stratificato, oltre che nel tempo e nello spazio della rappresentazione dell'opera, anche all'interno della corteccia cerebrale, dove l'immagine si imprime e si sedimenta quando viene percepita; o meglio, la sua labile traccia, viziata dal fenomeno che i neurologi chiamano Kalopsía, ovvero la sensazione che ogni cosa risplenda di una bellezza intensa, causata da lesioni alla corteccia parietale destra del cervello. 

Queste sono le caratteristiche dell'alfabeto espressivo dell'artista al quale la galleria Colossi Arte Contemporanea dedica la mostra personale dal titolo KalopsÍe, a cura di Raffaella A. Caruso. In mostra, sarà disponibile il catalogo, corredato dai testi di Raffaella A. Caruso e Guendalina Belli. 

L'artista, finalista, nel 2018, del prestigioso Premio Cairo, curato dalla rivista Arte Mondadori, ha ottenuto significativi premi e riconoscimenti, come il Primo Premio Sculturaalla IV edizione del Premio Nocivelli 2012, il Premio Rigamontinell'Ambito del Premio Arti Visive San Fedeledi Milano, il Premio San Fedele, sempre nel 2012, il Primo Premio Assolutocome Migliore Opera Espostanell'ambito della rassegna di arte contemproanea Paratissima Torino 2015, che, nell'edizione 2016, gli ha dedicato la mostra personale HIC ET NUNC, ed, infine, uno dei ritratti di giovani donne impressi negli strati di rete metallica della serie Elementi per una teoria della jeune-fille, gli è valso il Premio Specialedel contest internazionale di artisti Arteam Cup 2016, sponsorizzato dalla rivista Espoarte. Dal 2014, una sua opera si trova nella collezione permanente del MAR di Ravenna. Di recente, è stato invitato a ritrarre il Pontefice in un'opera in rete metallica che entrerà a far parte della collezione dei Musei Vaticani. 

Nelle opere di Tentolini, già esposte a Londra, Berlino e Amsterdam, la memoria intangibile di sagome umane e naturali affiora come labile traccia disincarnata, come presenza che emerge con una consistenza ectoplasmatica e misteriosa. Per plasmare l'immagine, Tentolini incide e lavora, con una tecnica meticolosa e paziente, su ogni singolo strato di materiali di origine naturale, come la carta, o di origine industriale, come acetati, plexiglas e reti in metallo e pvc.

Nelle sue Stratigrafie(che l'hanno portato a vincere il Premio Nocivelli nel 2012) la figura viene forgiata estraendo i livelli di chiaroscuro da ogni foglio di carta; il risultato è una scultura incisa su differenti livelli di luce e ombra che trasforma una semplice sovrapposizione di fogli di un materiale di uso comune come la carta in una superficie plastica e vibrante che viene estratta dal concatenamento dei vari piani e nella quale il soggetto acquisisce consistenza grazie al taglio della luce. 

La trasposizione dell'immagine fotografica diviene lo strumento neutrale di partenza per captare e fissare momenti fuggevoli del reale dal flusso incessante di infinite sollecitazioni visive, cogliere un attimo irripetibile di silenzio e meditazione nello schiamazzo comunicativo della società contemporanea, dallo scorrere frenetico del tempo e raffigurarlo facendolo emergere intagliando i substrati del supporto usato, con una tecnica ispirata alle tempistiche delle mutazioni geologiche. Partendo da questi frammenti di tempo, da questo spunto figurativo di partenza, l'artista scava nella profondità degli strati della carta, nelle tessere del cartone da imballaggio, così come nelle maglie della rete metallica, nei sottili strati di tulle, per estrapolare le ombre, preleva la parte pigmentata del riporto fotografico, stratificando le profondità. 

Il dato reale, percepito in modo distratto e fugace, viene interiorizzato e scomposto: le sue presenze umane, ritratti naturalistici di foglie, fiori e ramificazioni, gli scorci di un paesaggio urbano, così come di scenari devastati dalla guerra e dal terrorismo in Siria, come a Bruxelles, a Nizza e a Parigi, nella serie di paesaggi HIC ET NUNC,si delineano nell'atmosfera surreale delle stratificazioni di fogli di carta pergamena, grazie ad un sapiente gioco di intagli a vari livelli di profondità che ne scandisce le variazioni chiaroscurali. Allo stesso modo i tratti anatomici di uomini che incedono decisi come per varcare la soglia di un'altra dimensione, alla conquista della modernità, come quello che gli è vlaso il Premio Rigamonti, vengono incisi nelle reti in pvc grazie alla ripetizione di moduli regolari che evocano la profondità chiaroscurale di queste figure; esse alludono a illustri precedenti nella storia dell'arte, dalle figure di operai che marciano in cerca di riscatto del Quarto statodi Pelizza da Volpedo fino all'Homme qui marchedi Alberto Giacometti con la sua idea di tradurre in forma plastica l'anima dell'uomo in un miraggio vuoto e fatuo. Anche nella personaleIconoclastiesvoltasi alla galleria San Fedele di Milano nel 2016, torna a confrontarsi con l'iconografia di capolavori dell'arte andati perduti, trasfgurandoli in sagome intangibili, memorie immateriali che evocano, nelle sedimentazioni delle strisce di carta, nelle pagine intagliate, negli strati di tulle, una bellezza immemorabile che non esiste più, se non come labile ricordo. 

I volti di fanciulla della serie Elementi per una teoria della jeune-fille, dalla consistenza labile e immateriale, così come i corpi impressi nelle reti in pvc, prendono forma grazie ad un intreccio di molteplici nodi, gli elementi metallici a maglia esagonale che fungono da elementi costruttivi dell'immagine, simile alla rete di terminazioni nervose e capillari che si dirama nel nostro corpo, come se la loro individualità fosse inserita in un intreccio sociale che ne sfuma i tratti, rendendole impersonali, irriconoscibili...i loro volti sono quelli di modelle, il feticcio della loro bellezza immateriale è destinato a perdersi all'interno delle logiche commerciali del consumismo, nella rete della comunicazione massmediatica. L'uomo di Tentolini si trasforma in una sagoma astratta, le sue immagini sono percezioni dell'interiorità, del sentimento non la rappresentazione di tratti fisici che identifichino le persone. 

Queste visioni rarefatte affiorano dalla sovrapposizione degli intagli sugli strati di tulle e reti in pvc, plasmate dalle ombre e dai riflessi creati dalla luce che le colpisce sul retro; le profonde rarefazioni dello spirito vengono estratte da vari substrati in cui i dettagli anatomici di un soggetto non sono immediatamente riconoscibili, ma si perdono nei vari livelli di trasparenza del tulle (come avviene negli Underneath), nella sovrapposizione dei fogli di carta incisi che appaiono come “una tettonica degli elementi coscienti ed inconsci, di memoria e desideri, di paure e felicità che appartengono, appunto, 'stratificati', ad ognuno degli uomini”, come sostiene Giorgio Bonomi.

Ciò che emerge, in questa neutralizzazione del dato intimo ed emozionale, ammantata di un'atmosfera di temporalità immanente è la memoria profonda, non quella superficiale dell'impressione fotografica di partenza, che si propone di eternare e cristallizzare quella astratta e fuggevole.

Le immagini intangibili di Tentolini esistono unicamente in una consistenza di luce resa possibile solo distaccandosi dalla coscienza, perdendosi in un'osservazione che non segue la logica razionale dei parametri cognitivi con cui percepiamo la realtà e suscita dubbi e interrogativi sulla vera consistenza dell'essere umano, sulla realtà e sulla impossibilità di coglierne completamente l'essenza. 

La sua arte ci costringe ad una continua interrogazione sui paradigmi con i quali interpretiamo la realtà. Il profilo umano che affiora grazie all'espediente ottico di creare il volume con il gioco della stratificazione dei fogli di carta o dei veli di tulle intagliati, ci porta a riconoscere le caratteristiche dell'umano e quindi rappresenta la traduzione di un contenuto, l'essere umano, non è un semplice virtuosismo. Siamo noi a scegliere se perderci nel seguire la complessa articolazione dei piani spaziali, ricostruendo il processo costruttivo dell'immagine, o se percepire la figura, il soggetto, restituendole la sua unità....nelle opere di Giorgio Tentolini, questa continua alternanza percettiva e di significato viene ricomposta in un'unione ideale tra l'etereo e il concreto della materia. 

Qui, dove ci incontriamo è un progetto di scambio e condivisione ideato da Tiziana Di Caro, Norma Mangione, Federica Schiavo e Chiara Zoppelli. Ha Luogo tra gennaio e marzo e comprende tre mostre in cui ogni galleria ospita ed è ospitata dalle altre due.

Nella raccolta di racconti di John Berger “Qui, dove ci incontriamo”, un viaggio in diverse città diviene pretesto per parlare di incontri, immaginazione e memoria. Allo stesso modo, il progetto nasce da incroci e conduce a movimenti di opere, persone e idee da una città all’altra.

Qui, dove ci incontriamo inizia a Torino, da Norma Mangione Gallery il 15 gennaio con l’inaugurazione della mostra di Shadi Harouni (Hamedan, Iran, 1985) e Jay Heikes (Princeton, Stati Uniti, 1975).

Prosegue a Milano da Federica Schiavo Gallery il 23 gennaio con l’inaugurazione della doppia personale di Betty Danon (Istanbul, Turchia, 1927) e Ruth Proctor (Inghilterra, 1980).

La terza tappa inaugura a Napoli, da Tiziana Di Caro il 26 gennaio con Salvatore Arancio (Catania, Italia, 1974) e Stefanie Popp (Bonn, Germania, 1974).

date: 20 dicembre 2018 - 20 aprile 2019

a cura di Roberto Lacarbonara

Frittelli Arte Contemporanea è lieta di presentare la mostra “Pino Trademark. Opere grafiche di Pino Pascali” a cura di Roberto Lacarbonara, un evento che ricorre a cinquant’anni dalla scomparsa (l’11 settembre 1968) di uno dei massimi artisti italiani del secondo dopoguerra.

“Pino Trademark” è la firma che Pascali appone in calce ad una lettera inviata al gallerista Gian Enzo Sperone nel 1966, per ringraziarlo della mostra da poco inaugurata a Torino, dove per la prima volta l’artista mostra in pubblico la serie delle Armi.

Una scelta singolare, piuttosto ironica – quasi un marchio di garanzia sulla recente produzione – che rimanda immediatamente alla citazione di quei “modelli” americani con cui Pascali amava confrontarsi, specie nell’ambito della ricerca pubblicitaria, svolta in quegli stessi anni, per la Lodolofilm e per la Rai. Nei tanti disegni-omaggio a Jasper Johns, nelle scenografie per i caroselli di aziende come Algida o Steel USA, così come nella scelta dei personaggi e delle storie, Pascali inventa uno stile ed un linguaggio originalissimi, spesso con uno sguardo – talvolta critico e insidioso – rivolto all’America e alla sua egemonia nel commercio e nella comunicazione. Il bozzetto “Super” del 1965 – cui è dedicato il recente volume “Super. Pino Pascali e il sogno americano” (Skira, 2018) – incarna la sua visione sarcastica verso la superpotenza a stelle e strisce di cui l’artista sembra conoscere a fondo gli strumenti della retorica e della cultura visuale.

In mostra molti dei lavori prodotti da Pascali nell’ambito della ricerca sull’immagine in movimento, realizzati tramite disegno, collage, emulsioni, tempere e tecniche miste, su carta o su acetato, e destinati alla produzione televisiva. Saranno visibili anche due tra i caroselli più significativi: “I Killers”, cortometraggio d'animazione proposto inizialmente all'Algida e in seguito, dopo il rifiuto del committente, sviluppato da Pascali in un video autonomo; e “Cirio”, filmato realizzato a partire da un reportage fotografico eseguito da Pascali tra Roma e Napoli nel quale l’artista interpreta le maschere partenopee di Pulcinella e Pazzariello.

Il contrassegno grafico che Pascali inventa per Sperone si rivela così indissolubilmente legato a quei soggetti da tempo indagati – le armi, i killers, i cowboys, il dollaro, il paesaggio metropolitano e le insegne alfanumeriche – che testimoniano il confronto assiduo con il New Dada e la Pop Art americana, ma anche all’invenzione di una via tutta italiana e mediterranea della comunicazione pubblicitaria, manifestando ad un tempo il tentativo di acquisizione e di superamento dei codici e delle formule linguistiche d’oltreoceano.

Pino Pascali nasce a Bari nel 1935; in seguito la famiglia si trasferisce a Polignano a Mare. Diplomatosi a Napoli presso il Liceo artistico, nel 1956 si iscrive all'Accademia di Belle Arti di Roma dove segue il corso di scenografia di Toti Scialoja. In questi anni comincia a frequentare gli artisti del cosiddetto Gruppo di Piazza del Popolo e inizia a lavorare come aiuto scenografo in alcune produzioni Rai collaborando con lo Studio Saraceni e la Lodolofilm come scenografo e grafico per la pubblicità televisiva. Con quest'ultima, grazie al legame di amicizia con Sandro Lodolo, lavorerà fino all'anno della sua morte, avvenuta nel 1968. Nel gennaio del 1965 espone presso la Galleria la Tartaruga di Plinio de Martiis. In estate realizza per la Galleria La Salita l’installazione-performance Requiescat. L'anno dopo presenta il ciclo delle armi presso la Galleria Sperone di Torino e comincia a lavorare alle prime opere in tela bianca su centine. In autunno tiene una mostra da Fabio Sargentini presentando le serie degli animali e dei trofei e i lavori Il mare, Barca che affonda, Balene. La sua prima personale all'estero è ospitata nel 1967 dalla Thelen Galerie di Essen in Germania. In giugno presenta un ciclo di nuove opere ispirate agli elementi della natura. Alla mostra Exhibition of Italian contemporary art a Tokyo e Kyoto, presenta Ricostruzione della balena. In ottobre espone alla galleria Jolas di Milano, presentato da Cesare Brandi. In dicembre alla Galleria Nazionale di Arte Moderna di Roma, insieme a Eliseo Mattiacci presenta Campi arati e Canali di irrigazione. Sempre nel 1967: Premio Modigliani a Livorno; Realtà dell'immagine e strutture della visione al Cerchio di Roma; Oltre la scultura a Pescara, Expo 67 a Montreal; Salone internazionale dei giovani, a Palazzo Ancarani a Spoleto; Proposte Uno ad Avezzano; Mostra di arte contemporanea a Tokyo; V Biennale dei Giovani a Parigi; III Rassegna arte del Mezzogiorno a Napoli; IX Biennale di San Paolo; Art Objectif a Parigi. A marzo del 1968 Giulio Carlo Argan presenta per la prima volta alla Jolas Galerie di Parigi i suoi Bachi da setola. Lo stesso anno partecipa con una sala personale alla XXXIV Biennale di Venezia; a seguito di un incidente motociclistico muore in settembre a mostra ancora aperta, a conclusione della quale gli viene assegnato il Premio internazionale per la Scultura.

Frittelli Arte Contemporanea

via Val di Marina 15 50127 Firenze

tel. 055410153  www.frittelliarte.it

orari: 10:00 -19:00 dal lunedì al sabato

e su appuntamento

a cura di Alberto Zanchetta

Vernissage: Giovedì 14 Febbraio, ore 17.00

Dal 14 Febbraio all'11 Aprile 2019

Dal 14 Febbraio all'11 Aprile 2019, a cinquant'anni dalla prima mostra dell'artista a Milano, curata da Luciano Inga Pin nel 1969, la Galleria 10 A.M. ART, nella nuova sede di Corso San Gottardo 5, propone una rivisitazione, sia pure per punti essenziali, del lavoro di Sandro De Alexandris. Un itinerario di oltre cinquant'anni, in cui i fondamenti si trovano in quel particolare clima creativo delle neo-avanguardie dei primi anni '60 del '900 che rimettevano in discussione, radicalmente, gli statuti linguistici della poesia e della pittura, così come della scultura e della musica.

La mostra antologica, dal titolo "1964 | 2018", curata da Alberto Zanchetta, si snoda a partire da alcune rare opere del 1964, attraversando i tempi di ricerca che hanno segnato il percorso del lavoro di De Alexandris. Da una riflessione sul senso della pittura e sul suo processo di ridefinizione, rivolta alle coordinate tempo-spazio-luce che comporta il progetto di cancellazione e di radicale azzeramento, alla riflessione - ancora nel senso della pittura - che si sviluppa attraverso l'interrogazione di espansioni cromatiche, effusioni della luce, rivelazioni dello spazio-tempo interiore, luogo privilegiato del farsi dell'opera.

Le superfici piegate e sovrapposte, articolate a formare spazi di concentrazione visiva in stretto rapporto con lo spazio che le contiene, i TS e i Rilievi attraversati da linee di luce che ne definiscono la forma, con i t/n, opere in cui si realizza un radicale abbassamento percettivo, concretizzano la ricerca che ha segnato gli anni '60 e '70. Negli anni '80, con le Sovrapposizioni, frammenti di pittura organizzati a definire il processo attraverso cui si forma la pittura stessa, si apre un percorso in cui naturalmente il colore, materia elementare che percorre la superficie, è sostanza estesa ad attraversare le trame dell'essere. Luogo privilegiato che dagli anni '90 ad oggi si fa luce interiore, rivelazione del suo fluire.

Galleria 10 A.M. Art

Corso San Gottardo, 5 - Milano

 - www.10amart.it

Orari della mostra: dal martedì al venerdì,

dalle 10.30 alle 12.30 e dalle 15.00 alle 18.30

Tutti gli altri giorni, solo su appuntamento