Dal 10 gennaio al 15 febbraio 2019

lunedì-venerdì: 10.00 - 13/14.30 - 18.00

sabato su appuntamento

location: Foro Buonaparte, 48, Milano

www.canepaneri.com

La galleria C+N Canepaneri è lieta di presentare Rewind, mostra collettiva che raccoglie i lavori di nove artisti italiani ed internazionali. L'esposizione getta uno sguardo retrospettivo sull'attività recente della galleria, il cui programma contempla diversi filoni paralleli: da autori storici dagli anni Sessanta in poi a grandi nomi del contemporaneo, fino ad artisti di nuova generazione consolidati o emergenti. Proprio il filone più contemporaneo e di ricerca è protagonista di Rewind, con autori nati tra il 1961 e il 1991.

Pur nella diversità delle poetiche e senza la sovrapposizione di un filo conduttore tra le opere, gli autori riuniti in mostra condividono una spiccata capacità di analisi del presente, con piglio più o meno diretto e radicale. 

Le immagini rielaborate pittoricamente da Andrea Salvino sono frammenti di realtà contemporanea, punti di incontro tra cronaca e storia. Lo stile straniante con cui vengono rese non ammorbidisce la lettura di contraddizioni e conflitti dell'epoca contemporanea, ma al contrario la rende ancor più tagliente. Una mappatura dell'immaginario collettivo odierno emerge dall'opera di Stefano Cagol, con un linguaggio basato sull'idea di simbolo e sulla sintesi formale declinato in videoinstallazioni e public art. Come un nuovo alfabeto contemporaneo, chiave d'accesso per l'interpretazione dello spettatore. Il linguaggio simbolico è presente anche nell'opera di Theo Mercier, ma con un'accezione più legata all'incrocio tra cultura contemporanea e ancestralità. Come totem postmoderni, le sue sculture costringono chi guarda a rielaborare oggetti e segni solo a prima vista immediatamente riconoscibili, in realtà sottilmente alterati e decontestualizzati.

L'intersezione tra tradizione e modernità, il rapporto tra individuo e società, l'analisi critica del presente attraversata da una sottile aria di contestazione dello status quo sono i temi fondamentali di Filip Markiewicz, che utilizza sia disegno che l'installazione immersiva che rende partecipe il pubblico. L'arte di Arseny Zhilyaev riflette invece sul concetto stesso di mostra e museografia, reinterpretando il rapporto tra arte e regime vigente durante l'Unione Sovietica. Gli espressivi dipinti e disegni di Danica Lundy parodizzano i tic della nostra società raffigurando scene di divertimento o godimento venate di inquietudine e malinconia. Il grottesco si associa alla maestria pittorica, lo stile ipercontemporaneo contiene citazioni dall'arte del passato. 

La stratificazione della memoria, il rapporto tra l'uomo e il suo contesto, ambientale o sociale, sono gli argomenti esplorati da Elizabeth Aro con lavori fortemente evocativi ma solo apparentemente onirici, in realtà riflessivi e concettuali. E sono presenti in mostra anche due progetti collettivi, a testimonianza delle sempre rinnovate forme che assume la ricerca artistica "impegnata". Traslochi Emotivi è un progetto creato nel 2010 da Giulia Currà, che "cambia ogni volta come un camaleonte e un migrante e indaga i concetti di limbo, soglia e identità multipla", coinvolgendo di volta in volta diversi collaboratori, non per forza artisti. Louise Guerra è invece "un progetto collettivo, una fiction artistica, una ricerca contro l'individualismo e la fede nell'autorialità".

La mostra fornisce così nove chiavi di interpretazione del nostro tempo, nove esempi di come forma e concetto siano sempre più inestricabili nell'eclettica creazione contemporanea.

Filip Markiewicz, Altersilence, 2016, matita su carta, 63x44cm

A cura di Leonardo Conti

opening  sabato 23 febbraio 2019

alla presenza dell’artista con la musica di Paola Samoggia

23 febbraio | 13 aprile 2019

La PoliArt Contemporary di Milano presenta The Ring of Rhymes, personale dedicata al celebre ciclo delle Rime di Giovanni Lombardini. L’esposizione di trenta opere, tutte di piccolo formato (cm 30X30), disegna un grande anello attraverso le pareti della galleria, trattenendo i visitatori all’interno di una specie di incantamento.

La galleria (o il museo) è da sempre lo spazio vitale della fruizione: da lì si lanciano gli sguardi perché è lì che le opere si affacciano. Ora, con questo inedito allestimento, Lombardini amplifica a dismisura quello spazio vitale: in un gioco complesso di potenza visiva e di segreti specchi e rimandi, lo trasforma nel misterioso luogo della profondità delle opere, cui finalmente si ha accesso. Basta scegliere un punto fermo su cui ruotare, un centro possibile – o forse sarebbe meglio dire un de-centro -, per compiere un viaggio nell’immagine di se stessi riflessa senza fine nel colore e nella luces. The Ring of Rhymes è soprattutto questo: un viaggio all’interno di un incantesimo, in cui l’arte ci restituisce uguali e diversi.

Del resto, anche Lombardini è un grande viaggiatore, per quanto una simile affermazione potrebbe apparire paradossale, poiché, nella realtà, l’artista non si è in pratica mai mosso dalle verdi colline della Romagna: Lombardini è un viaggiatore dello sguardo, dall’alto, rivolto a est, lontano, fin dove gli incomparabili cielo e mare si fondono in un barbaglio.

Là i suoi sterminati viaggi si dirigono e tutti si compiono nel luogo invalicabile in cui gli altri incomparabili e irriducibili di realtà e arte si lambiscono, si sfiorano, quasi si confondono, quasi l’uno l’altra faccia dell’altro.

Spingersi sino all’ultima superficie, oltre l’ultimo velo, questo è l’instancabile viaggiare di Giovanni Lombardini. La sua è una pittura del limite e ogni opera pare inscriversi nel millenario avvertimento: Hic sunt leones. Per traguardare la fine di un mondo e l’inizio di un altro bisogna avere il coraggio di Ulisse, essere pronti ad affrontare, dopo il ciclope, la maga, le sirene, persino l’ultimo gorgo che non ti restituisce.

Quasi in una quiete prima della tempesta, le Rime si distendono sterminate e interminabili, come orizzonti verticali che trapassano gli sguardi. Laddove la superficie si sprofonda, scavano nell’aria un vuoto di noi, già nel dominio degli specchi, in cui, ecco, arte e realtà si fondono, finché l’ultima luce non si perda nello spazio e nel colore, spenti dalla sera.

Le Rime variabili di questo Ring of Rhymes sono anche musicali, sono melodie di timbri (la musicale klangfarbenmelodie di schoenberghiana memoria): il colore rutilante sgorga dalla verticale mediana del quadro, e di rima in rima si dipana ogni opera intera, in un’esondazione inarrestabile che arrotonda i bordi e va, fino ad abitare la parete.

Tuttavia, questa forza del colore, resa lucidissima dall’acrilico trasparente, d’improvviso svela il segreto della realtà circostante, è lo specchio, e a noi, quasi regnanti di fronte allo sguardo di Velasquez, la caducità del nostro esserci, riflesso tra le rime. Questa è l’ambiguità di ciò che si riempie svuotandosi, il viaggio in cui partenza e ritorno coincidono, a mezza via, nel “de-centro” di The Ring of Rhymes, tra la potenza cromatica che invade lo spazio e il potere della luce che, indefinitamente riflessa, ci accoglie nel miracolo di questo luogo.

Catalogo in edizione limitata e numerata di 120 esemplari, ognuno contenente un’opera unica di Giovanni Lombardini, cartonato, Edizioni PoliArt Contemporary

Ufficio Stampa: Spaini & Partners

a cura di Stefano Castelli

13 febbraio - 30marzo 2019

Inaugurazione: 13 febbraio 2019 - ore 18,30

Luca Tommasi è lieto di annunciare Deepdrippings, prima personale in Italia di Phillip Allen che si terrà negli spazi di via Cola Montano 40 a Milano. L'esposizione presenta una selezione di dipinti che rappresentano la più recente evoluzione nella poetica dell'artista.

Pur portando il linguaggio della pittura ai suoi limiti estremi, alterandone i presupposti di base per avvicinarlo al punto di rottura, lo stile di Phillip Allen rimane "costruttivo". Il dipinto sussiste nella sua materialità, diventando un vero e proprio oggetto, un quadro-scultura. Le convenzioni e le aspettative del visitatore, però, sono sistematicamente disattese: i rapporti tra cornice e dipinto si ridistribuiscono, l'idea di sfondo viene annullata dalla saturazione, margini e centro si confondono in una distribuzione "egualitaria" dello spazio. "Mi piace l'idea di dissolvere me stesso nel processo pittorico", dichiara Allen.  

Nei lavori immediatamente precedenti, la distribuzione dei colori e delle forme suggeriva retropensieri figurativi: paesaggi, vegetazione, trattamento dell'immagine di derivazione paradossalmente postimpressionista... Nei dipinti qui presentati ciò si dissolve ancor più che in passato nell'autonomia del colore e del segno. Allen rinuncia all'utilizzo di un vero e proprio "motivo", i pattern diventano ancora più aleatori che in passato. La materia sembra autoriprodursi per invadere ogni spazio disponibile. In fondo, i dipinti di Allen funzionano simbolicamente come schermi: la linearità dell'immagine "trasmessa" è definitivamente interrotta e congelata. Ma proprio questa saturazione dà vita a un nuovo linguaggio immaginifico, tattile e sensoriale.

Un riferimento fondamentale per l'artista nell'elaborazione della sua poetica è in effetti il concetto di "spazio acustico" elaborato da Marshall McLuhan per descrivere il funzionamento dei mezzi di comunicazione di massa ­- non solo quelli che utilizzano l'audio ma anche quelli che ricorrono all'immagine e alla parola scritta. Nello "spazio acustico" tutti i sensi sono sollecitati contemporaneamente, senza consentire una fruizione analitica del messaggio.

Phillip Allen è nato a Londra nel 1967, dove vive tuttora. Dopo studi alla Kingston University e al Royal college of art, giunge alla sua prima personale a Londra nel 1999 con la galleria The Approach, alla quale fanno seguito una ventina di altre personali e numerose collettive. Le sue opere fanno parte di importanti collezioni pubbliche, come quella della Tate e del British Council. All'attività artistica affianca quella curatoriale e l'insegnamento.

La mostra resterà aperta con i seguenti orari: martedì - sabato ore 15 – 19 e su appuntamento. Per Info e materiale iconografico: . Tel. 335 242433

LUCA TOMMASI 

Via Cola Montano, 40 – MILANO

-www.lucatommasi.it

Nella mostra “Hans Hartung. Beyond Abstraction” la galleria Dellupi Arte di Milano – situata all’interno delcomplesso progettato da Daniel Libeskind, nel quartiere Citylife, nuovo polo di attrazione dell’arte contemporanea e del design – ripercorre, dal 23 novembre 2018 al 26 gennaio 2019, circa quarant’anni di ricerca dell’artista franco-tedesco attraverso un’attenta selezione di opere realizzate in vari momenti del suo percorso.

“La ricchezza della sua produzione, la varietà delle soluzioni tecniche impiegate, unite al desiderio di sperimentazione – ricorda la curatrice Ilaria Porotto – contraddistinguono Hans Hartung come uno tra i più significativi protagonisti dell’arte astratta; la sua pittura – libera da vincoli ed etichette – ha caratterizzato l’arte del secondo Novecento, influenzando generazioni di artisti più giovani”.  

Questa seconda mostra dedicata a Hartung dalla galleria Dellupi Arte si configura come una piccola antologica con circa 20 opere, una quindicina di capolavori su tela, accompagnate da una selezione di raffinati lavori su carta. Il progetto segue un percorso cronologico: partendo dagli anni Cinquanta, dove prevale ancora un linguaggio fortemente segnico, si concentra sugli anni Sessanta e Settanta, quando Hartung sviluppa una nuova gestualità e sperimenta inediti strumenti per grattare, scavare, imprimere la superficie della tela, per completarsi con i dipinti della maturità eseguiti negli anni Ottanta, le sue creazioni più liriche, in cui il gesto è completamente libero di esprimersi.

Nelle opere in mostra appare evidente come Hartung declini il suo linguaggio in un segno pittorico fremente e vitale. Come ben rappresentato da alcune delle tele esposte – come T1962-L8del 1962, T1963-R42 del 1963o T1965-E3 del 1965 – per ottenere ciò, l’artista si avvale di strumenti nuovi, sperimentando utensili comuni e oggetti di uso quotidiano, come rulli, spazzole, rami e rastrelli da giardino, ma anche l’aerografo, spruzzi e compressori. 

Hartung elabora così una personalissima modalità stilistica e operativa. In capolavori come T1962-U4, anch’esso in mostra, una nuvola di colore indefinito si dissolve in una profondità spaziale popolata da linee sinuose o nervose, accostate o intrecciate l’una all’altra, scalfite nello strato pittorico. Il quadro si trasforma al contempo in energia primigenia ed esperienza lirica: un’arte completamente astratta, priva – anche nel titolo – di ogni tipo di riferimento, ma trampolino verso l’infinito, capace di suscitare emozioni e generare bellezza.

La rassegna si conclude con gli acrilici degli anni ’80 che descrivono uno dei momenti forse più affascinanti della carriera dell’artista dove segni e colature di colore esprimono un potenziale armonico che arriva a delle punte di poesia del tutto inaspettate nelle quali si riconoscono reminiscenze di elementi naturali o paesaggistici.

Completa la mostra, un catalogo edito dalla Dellupi Arte con un testo di Ilaria Porotto e immagini delle opere esposte.

a cura di Pietro Gaglianò 

Date| 25 Gennaio – 23 Marzo

Opening| 25 Gennaio ore 18:00

Orari mostra | Lunedì – Sabato / 10:00 – 13:30 & 14:30 – 19:00

Eduardo Secci Contemporary è lieta di presentare la mostra Mass Spectacle a cura di Pietro Gaglianò, comprendente le opere di Victor Agius, Alberto Borea, Hugh Scott-Douglas, Diana Al Hadid, Santiago Taccetti, Hector Zamora.

La mostra collettiva sarà inaugurata presso la sede principale della galleria, in Piazza Goldoni 2, a Firenze, il 25 gennaio 2019, alle ore 18:00. 

 “L'adattamento della realtà alle masse e delle masse alla realtà è un processo di portata illimitata, tanto per il pensiero quanto per la percezione”. 

Attorno a questa affermazione di Walter Benjamin (L’opera d’arte nell’epoca della sua riproducibilità tecnica, 1936) si dispongono le opere di sei artisti internazionali per illustrare una serie di interrogativi sulla forma e sul senso delle rappresentazioni collettive, sul ruolo dell’arte nella sua relazione con il potere. Il progetto Mass Spectacle / Spectacles for the Massesè innescato da una riflessione sul monumento nel paesaggio contemporaneo e si dispone come un percorso sulle possibili contronarrazioni agite dall’arte chiedendosi quale sia il suo pubblico e quali i limiti della sua effettività rispetto al sistema economico che la promuove e la contiene. 

 Gli artisti coinvolti provengono in larga parte da culture che hanno dovuto confrontarsi con pesanti eredità coloniali o che si trovano in regioni di cerniera tra continenti e aree di influenza tra loro in conflitto, e la loro ricerca è arricchita da uno sguardo critico sulla produzione culturale di massa di marca occidentale. Victor Agius, nato nel 1982 a Malta, dove vive e lavora, reinterpreta l’iconografia tradizionale, della devozione religiosa come della politica, utilizzando materiali che incrinano il concetto di permanenza che caratterizza il monumento. Profondamente connesso alla cultura ancestrale della sua isola, Agius ne esamina attentamente le radici e le evoluzioni nel rapporto con il Mediterraneo e l’Europa. Alberto Borea(Lima, 1979, vive e lavora a New York) opera una drammatica revisione dei feticci della repressione sociale e del dominio finanziario, denunciandone le connessioni sotterranee; i confini della geografia del potere vengono riscritti svelando ramificazioni dalle quale nessuno può ritenersi non responsabile. Il lavoro di Hugh Scott-Douglas(Cambridge, GB, 1988) esplora i sistemi della produzione e della veicolazione commerciale come simbolo della condizione globale contemporanea e come strumento per mettere in evidenza altri passaggi e viaggi di esseri umani, di linguaggi, di significati. L’artista di origine siriane Diana Al Hadid(1981, vive e lavora a New York), impegnata in una originale sperimentazione nella tecnica e nei materiali della scultura, decostruisce la rappresentazione monumentale attraverso una ricerca formale che connette il passato al presente. L’argentino Santiago Taccetti(vive e lavora a Buenos Aires) sintetizza elementi di storia sociale del suo paese in forme che dialogano con diverse estetiche dell’arte contemporanea: tra simulazioni e sfide all’osservatore viene allestita una narrazione asciutta e drammatica delle ineguaglianze locali e globali. Hector Zamora (Città del Messico 1974, vive e lavora a Lisbona) è autore di progetti di grande formato che sovvertono i consueti apparati della percezione tra istituzione e controcultura, rappresentazione e immaginazione, opera e spettatore. Sul destino dell’opera e sulla sua permanenza è incentrato il lavoro presentato in questa occasione.

 Nella congiuntura storica in cui venne pubblicato il saggio di Benjamin, nell’Europa dei totalitarismi, le grandi narrazioni si affermavano come spettacolo di massa, perseguendo la precisa volontà politica dei gruppi egemoni di raggiungere folle sterminate con la propria propaganda. Oggi più che mai, in una dimensione globale, fatta di azzeramenti continui della storia e verità istantanee, lo spettacolo di massa, Mass Spectacle, è un dispositivo ottico: Spectacles for the Masses, occhiali per le masse. In questa corrispondenza si descrive il rapporto tra la rappresentazione e la realtà, deformata proprio da quegli spectacles(occhiali) imposti dalla rappresentazione.

Fino al 30 marzo 2019

Galleria P420 è lieta di presentare la mostra collettiva Adrian, George, Peter, Sofia e Tamina.

Cinque artisti, cinque processi pittorici, diverse geografie, storie, battaglie con la forma. Adrian, George, Peter, Sofia e Tamina esalta le diversità all'interno di un'unica disciplina, contrastando l'idea di network e di connessione necessaria.

Si sono riunite cinque personalità; le si espone nella maniera più schietta possibile in una mostra che sin dal titolo è denotata unicamente dal nome proprio dell'artista. Lo spazio di P420 ospita in un sol colpo innumerevoli battaglie pittoriche.

Adrian, George, Peter, Sofia e Tamina è un'esposizione fortemente convinta del fatto che la pittura, quella astratta come quella figurativa, vada ben oltre l'immagine e la rappresentazione. Per questo si è selezionato un gruppo di artisti fortemente process-based, artisti che giocano la propria intelligenza umana e visiva nell'intuizione e nel tempo del fare, anche a costo di fare male, di rinunciare alla politezza dell'opera, in favore di una violenza costruttiva ed emotiva che va oltre il risultato, oltre l'oggetto, e agisce e basta.

Con l'opera del polacco Adrian Buschmann si entra nei segreti passaggi della più raffinata, studiata seduzione mitteleuropea; la pittura è docile, silenziosa, si nasconde dietro un grande ventaglio di linee impercettibili e superfici ampie ed eleganti, si svela 'sorella aperta' di un'architettura e di un design di area austro-tedesca coltivati dal chirurgico occhio di Adrian, mago urbano, saltuario commentatore della società.

Assenza di contrasto tonale, languore e profondità del pigmento, danza, monolitico sfiorarsi dei corpi, composizioni dominate dalla carne liscia, bruciature sulla carne spessa: ecco il dominio dell'inglese George Rouy. L'opera di George è portabandiera della speranza che in pittura il corpo possa tornare a essere pericoloso e ribelle; nella sensualità dei suoi dipinti, George è vicino alla pittura sacra.

L'americano Peter Shear sperimenta cento diverse intuizioni. In ogni opera del suo vasto repertorio si dedica a una particolare sfida pittorica; ogni sfida si giostra in una definita economia dei mezzi e in un dato, seppur inconscio, riferimento storico-artistico. Il suo processo è aperto, ironico, fortemente intellettuale senza per questo perdere la propria intimità che è forte, attenta agli edges del dipinto, esplosa e spessa.

L'italiana Sofia Silva gioca d'azzardo, in territori brulli, sul filo del rasoio pittorico. Le opere e le stoffe dell'artista sono tagliate con la spada di Giovanna d'Arco, contro ogni illusione, ogni tecnicismo, ogni luogo comune, persino contro ogni opposto del luogo comune, per una pittura più crudele, artaudiana, capace di esprimere una violenta sessualità femminile. Sofia presenta.

La tedesca Tamina Amadyar circoscrive le proprie pennellate in aree di due colori la cui interazione permette d'interrogarsi sullo spazio, sulla profondità visiva. Le luminose tele di Tamina parlano di azioni, permettendo di riconoscere i movimenti compiuti dal corpo dell'artista nel dipingerle; ricordano che l'opera, sia essa grassa o scarna, deve respirare e saper accogliere il tempo del silenzio, ponendo un dito dinanzi alle proprie labbra.

Obiettivo di Adrian, George, Peter, Sofia e Tamina è quello di essere una mostra difficile, felice di causare un leggero mal di testa.

Nelle opere di Giorgio Tentolini -Casalmaggiore (Cr), 1978- l'attitudine a cogliere l'imponderabile diviene pregnante. L'immagine emerge nell'atmosfera emotivamente neutra con la consistenza impalpabile di un ricordo, eterea e leggera nei chiaroscuri come un disegno a grafite su carta, grazie alla sovrapposizione di strati di un materiale metallico come la rete, lasciando intatti i dettagli fisionomici di un volto (le “jeunes-filles”), di un busto o di una statua classici (Pagan Poetry), così come gli elementi strutturali di un interno (Immobili, 2018). Le maglie della rete filtrano l'essenzialità, le linee portanti di un momento che si cristallizza nella memoria intangibile di un ricordo, come avveniva nel ciclo di lavori che dà origine alla poetica della rete metallica (Kairos-Kronos, 2007). I soggetti diventano intercambiabili nella rete di interconnessioni sociali generata dall'artista, diventano assenti, “soggetti identificativi non-umani”, come i manichini delle vetrine dei negozi (Presenze, 2018-2019), colti in un attimo fuggevole (Lapse) che sembra smaterializzarsi e ricomporsi tardivamente nella nostra vista. Ciò che resta è la cristallizzazione di un ricordo, stratificato, oltre che nel tempo e nello spazio della rappresentazione dell'opera, anche all'interno della corteccia cerebrale, dove l'immagine si imprime e si sedimenta quando viene percepita; o meglio, la sua labile traccia, viziata dal fenomeno che i neurologi chiamano Kalopsía, ovvero la sensazione che ogni cosa risplenda di una bellezza intensa, causata da lesioni alla corteccia parietale destra del cervello. 

Queste sono le caratteristiche dell'alfabeto espressivo dell'artista al quale la galleria Colossi Arte Contemporanea dedica la mostra personale dal titolo KalopsÍe, a cura di Raffaella A. Caruso. In mostra, sarà disponibile il catalogo, corredato dai testi di Raffaella A. Caruso e Guendalina Belli. 

L'artista, finalista, nel 2018, del prestigioso Premio Cairo, curato dalla rivista Arte Mondadori, ha ottenuto significativi premi e riconoscimenti, come il Primo Premio Sculturaalla IV edizione del Premio Nocivelli 2012, il Premio Rigamontinell'Ambito del Premio Arti Visive San Fedeledi Milano, il Premio San Fedele, sempre nel 2012, il Primo Premio Assolutocome Migliore Opera Espostanell'ambito della rassegna di arte contemproanea Paratissima Torino 2015, che, nell'edizione 2016, gli ha dedicato la mostra personale HIC ET NUNC, ed, infine, uno dei ritratti di giovani donne impressi negli strati di rete metallica della serie Elementi per una teoria della jeune-fille, gli è valso il Premio Specialedel contest internazionale di artisti Arteam Cup 2016, sponsorizzato dalla rivista Espoarte. Dal 2014, una sua opera si trova nella collezione permanente del MAR di Ravenna. Di recente, è stato invitato a ritrarre il Pontefice in un'opera in rete metallica che entrerà a far parte della collezione dei Musei Vaticani. 

Nelle opere di Tentolini, già esposte a Londra, Berlino e Amsterdam, la memoria intangibile di sagome umane e naturali affiora come labile traccia disincarnata, come presenza che emerge con una consistenza ectoplasmatica e misteriosa. Per plasmare l'immagine, Tentolini incide e lavora, con una tecnica meticolosa e paziente, su ogni singolo strato di materiali di origine naturale, come la carta, o di origine industriale, come acetati, plexiglas e reti in metallo e pvc.

Nelle sue Stratigrafie(che l'hanno portato a vincere il Premio Nocivelli nel 2012) la figura viene forgiata estraendo i livelli di chiaroscuro da ogni foglio di carta; il risultato è una scultura incisa su differenti livelli di luce e ombra che trasforma una semplice sovrapposizione di fogli di un materiale di uso comune come la carta in una superficie plastica e vibrante che viene estratta dal concatenamento dei vari piani e nella quale il soggetto acquisisce consistenza grazie al taglio della luce. 

La trasposizione dell'immagine fotografica diviene lo strumento neutrale di partenza per captare e fissare momenti fuggevoli del reale dal flusso incessante di infinite sollecitazioni visive, cogliere un attimo irripetibile di silenzio e meditazione nello schiamazzo comunicativo della società contemporanea, dallo scorrere frenetico del tempo e raffigurarlo facendolo emergere intagliando i substrati del supporto usato, con una tecnica ispirata alle tempistiche delle mutazioni geologiche. Partendo da questi frammenti di tempo, da questo spunto figurativo di partenza, l'artista scava nella profondità degli strati della carta, nelle tessere del cartone da imballaggio, così come nelle maglie della rete metallica, nei sottili strati di tulle, per estrapolare le ombre, preleva la parte pigmentata del riporto fotografico, stratificando le profondità. 

Il dato reale, percepito in modo distratto e fugace, viene interiorizzato e scomposto: le sue presenze umane, ritratti naturalistici di foglie, fiori e ramificazioni, gli scorci di un paesaggio urbano, così come di scenari devastati dalla guerra e dal terrorismo in Siria, come a Bruxelles, a Nizza e a Parigi, nella serie di paesaggi HIC ET NUNC,si delineano nell'atmosfera surreale delle stratificazioni di fogli di carta pergamena, grazie ad un sapiente gioco di intagli a vari livelli di profondità che ne scandisce le variazioni chiaroscurali. Allo stesso modo i tratti anatomici di uomini che incedono decisi come per varcare la soglia di un'altra dimensione, alla conquista della modernità, come quello che gli è vlaso il Premio Rigamonti, vengono incisi nelle reti in pvc grazie alla ripetizione di moduli regolari che evocano la profondità chiaroscurale di queste figure; esse alludono a illustri precedenti nella storia dell'arte, dalle figure di operai che marciano in cerca di riscatto del Quarto statodi Pelizza da Volpedo fino all'Homme qui marchedi Alberto Giacometti con la sua idea di tradurre in forma plastica l'anima dell'uomo in un miraggio vuoto e fatuo. Anche nella personaleIconoclastiesvoltasi alla galleria San Fedele di Milano nel 2016, torna a confrontarsi con l'iconografia di capolavori dell'arte andati perduti, trasfgurandoli in sagome intangibili, memorie immateriali che evocano, nelle sedimentazioni delle strisce di carta, nelle pagine intagliate, negli strati di tulle, una bellezza immemorabile che non esiste più, se non come labile ricordo. 

I volti di fanciulla della serie Elementi per una teoria della jeune-fille, dalla consistenza labile e immateriale, così come i corpi impressi nelle reti in pvc, prendono forma grazie ad un intreccio di molteplici nodi, gli elementi metallici a maglia esagonale che fungono da elementi costruttivi dell'immagine, simile alla rete di terminazioni nervose e capillari che si dirama nel nostro corpo, come se la loro individualità fosse inserita in un intreccio sociale che ne sfuma i tratti, rendendole impersonali, irriconoscibili...i loro volti sono quelli di modelle, il feticcio della loro bellezza immateriale è destinato a perdersi all'interno delle logiche commerciali del consumismo, nella rete della comunicazione massmediatica. L'uomo di Tentolini si trasforma in una sagoma astratta, le sue immagini sono percezioni dell'interiorità, del sentimento non la rappresentazione di tratti fisici che identifichino le persone. 

Queste visioni rarefatte affiorano dalla sovrapposizione degli intagli sugli strati di tulle e reti in pvc, plasmate dalle ombre e dai riflessi creati dalla luce che le colpisce sul retro; le profonde rarefazioni dello spirito vengono estratte da vari substrati in cui i dettagli anatomici di un soggetto non sono immediatamente riconoscibili, ma si perdono nei vari livelli di trasparenza del tulle (come avviene negli Underneath), nella sovrapposizione dei fogli di carta incisi che appaiono come “una tettonica degli elementi coscienti ed inconsci, di memoria e desideri, di paure e felicità che appartengono, appunto, 'stratificati', ad ognuno degli uomini”, come sostiene Giorgio Bonomi.

Ciò che emerge, in questa neutralizzazione del dato intimo ed emozionale, ammantata di un'atmosfera di temporalità immanente è la memoria profonda, non quella superficiale dell'impressione fotografica di partenza, che si propone di eternare e cristallizzare quella astratta e fuggevole.

Le immagini intangibili di Tentolini esistono unicamente in una consistenza di luce resa possibile solo distaccandosi dalla coscienza, perdendosi in un'osservazione che non segue la logica razionale dei parametri cognitivi con cui percepiamo la realtà e suscita dubbi e interrogativi sulla vera consistenza dell'essere umano, sulla realtà e sulla impossibilità di coglierne completamente l'essenza. 

La sua arte ci costringe ad una continua interrogazione sui paradigmi con i quali interpretiamo la realtà. Il profilo umano che affiora grazie all'espediente ottico di creare il volume con il gioco della stratificazione dei fogli di carta o dei veli di tulle intagliati, ci porta a riconoscere le caratteristiche dell'umano e quindi rappresenta la traduzione di un contenuto, l'essere umano, non è un semplice virtuosismo. Siamo noi a scegliere se perderci nel seguire la complessa articolazione dei piani spaziali, ricostruendo il processo costruttivo dell'immagine, o se percepire la figura, il soggetto, restituendole la sua unità....nelle opere di Giorgio Tentolini, questa continua alternanza percettiva e di significato viene ricomposta in un'unione ideale tra l'etereo e il concreto della materia. 

Qui, dove ci incontriamo è un progetto di scambio e condivisione ideato da Tiziana Di Caro, Norma Mangione, Federica Schiavo e Chiara Zoppelli. Ha Luogo tra gennaio e marzo e comprende tre mostre in cui ogni galleria ospita ed è ospitata dalle altre due.

Nella raccolta di racconti di John Berger “Qui, dove ci incontriamo”, un viaggio in diverse città diviene pretesto per parlare di incontri, immaginazione e memoria. Allo stesso modo, il progetto nasce da incroci e conduce a movimenti di opere, persone e idee da una città all’altra.

Qui, dove ci incontriamo inizia a Torino, da Norma Mangione Gallery il 15 gennaio con l’inaugurazione della mostra di Shadi Harouni (Hamedan, Iran, 1985) e Jay Heikes (Princeton, Stati Uniti, 1975).

Prosegue a Milano da Federica Schiavo Gallery il 23 gennaio con l’inaugurazione della doppia personale di Betty Danon (Istanbul, Turchia, 1927) e Ruth Proctor (Inghilterra, 1980).

La terza tappa inaugura a Napoli, da Tiziana Di Caro il 26 gennaio con Salvatore Arancio (Catania, Italia, 1974) e Stefanie Popp (Bonn, Germania, 1974).

Per la prima mostra personale del 2019, la galleria PUNTO SULL’ARTE sceglie DANIELE CESTARI, un artista giovane, ma con uno stile strutturato e riconoscibile. VERNISSAGE SABATO 26 GENNAIO dalle ore 18 alle 21.

Ferrarese, trentacinque anni, Daniele Cestari è un fuoriclasse del paesaggio. È questa la sua chiave per interpretare la realtà. Le sue sono vedute urbane ampie, giocate su prospettive potenzialmente infinite, dove gli edifici si rivelano pretesti per un ripensamento dello spazio; oppure montagne iconiche, monolitiche, perse in un altrove che le rende archetipo del paesaggio di montagna e portatrici di simboli e significati sottintesi. Il silenzio della partitura cromatica appena sussurrata - giocata spesso su una gamma ridotta di toni che vanno dai grigi ai bianchi oppure dai bruni agli ocra - si accende all’improvviso nello squillo dei graffi di colore, delle strisce incongruenti, degli addensamenti di materia che costringono lo spettatore a ripensare l’immagine. E la stessa materia pittorica non è mai piana, ma sofferente, grumosa, colante. A volte l’artista sceglie come supporto per la sua pittura carte antiche, vecchie pagine di quaderni vergate con una grafia ordinata, vetusti atti amministrativi, ottenendo il risultato di dilatare il tempo dell’opera fino a un passato lontano, avvolto nel mistero, capace di trasformare l’immagine in un abisso di suggestioni inedite.

DANIELE CESTARI nasce nel 1983 a Ferrara. Si laurea in architettura nel 2009 per poi dedicarsi alla pittura. La sua carriera di artista è strettamente legata ai suoi studi universitari di architettura, che ha portato a compimento con una tesi di laurea in progettazione urbanistica. In questo contesto ha sviluppato la predilezione per l’aspetto fisico della città e per il paesaggio urbano studiando pittura e fotografia. Ha realizzato mostre personali in Italia e all’estero (Boston, Londra, Amsterdam, Mykonos, Sofia). Nel 2011 viene invitato al Padiglione regionale Emilia Romagna per la 54° Biennale di Venezia, e nel 2014 viene invitato a partecipare alla mostra “Ritratti di Città – Urban Sceneries” a cura di Flaminio Gualdoni a Villa Olmo a Como. Vive e lavora a Ferrara.

Vernissage: SABATO 26 GENNAIO 2019, dalle ore 18 alle 21

Periodo: 27 Gennaio - 2 Marzo  2019

Luogo: PUNTO SULL’ARTE, Viale Sant’Antonio 59/61, Varese

0332 320990 |

Orari: Martedì - Sabato: h 10-13 e 15-19. Domenica 27 Gennaio e 3 Febbraio: h 15 – 19.

Catalogo: con testo critico bilingue di Alessandra Redaelli

16 dicembre 2018 - 27 gennaio 2019

opening domenica 16 dicembre alle ore 11.00

L'Artista sarà presente

Domenica 16 dicembre alle ore 11.00 nella Galleria d'Arte Contemporanea di Palazzo Ducale di  Pavullo nel Frignano si inaugura la personale di Gianfranco Asveri “Ucci ucci...” a cura di Francesca Baboni e Stefano Taddei promossa dal Comune di Pavullo nel Frignano in collaborazione con la Galleria Casati Arte Contemporanea di Muggiò (MB).

Dopo il grande successo internazionale dell'artista, annoverato tra i Maestri contemporanei, l'esposizione presenta una quarantina di opere degli ultimi anni, anche di dimensioni museali, che presentano il linguaggio di un artista “irregolare” e oltremodo poetico. 

Scrive il direttore Paolo Donini : “I suoi quadri sono abitati da dilatazioni magiche di figure, congreghe stregonesche, galline di cui si intuisce la capacità parlante, macrocefali dai contorni liquefatti, esseri perimetrali animati da vaste lacune d’occhi, il popolo fiabesco, indaffarato nel niente ed esultante, di un bambino cresciuto alla dismisura adulta, artista fanciullo ora in grado di pervadere gallerie e musei richiamando il visivo contemporaneo, generalmente fotografico e preda di riuscite e sospette restaurazioni, a un ordine irriverente che presuppone esista, davvero, oltre la specchiante immagine oculare, un altro mondo”. 

E i curatori : “Gianfranco Asveri è inscindibilmente legato a quell'ambito rurale che osserva dalle sue finestre e che sente come la sua casa, e non potrebbe essere altrimenti. Il segno, il colore, la pregnanza materica che rompe in modo viscerale la perfezione dell'immagine rappresentata creando agglomerati pastosi, risultano un atto di consapevolezza e di presa di coscienza della realtà. E mentre padroneggia con maestrìa lo spazio, tra colori squillanti e abbacinanti e il dinamismo delle figure sgraziate, che paiono perennemente in movimento e costruiscono l'ambiente attorno, la magia della pittura che permea ogni raffigurazione si rivela in tutta la sua spontaneità.” (Francesca Baboni).

“Gianfranco Asveri propone una ricerca in cui la presa in carico emozionale è sicuramente centrale. Attraverso elaborazioni in cui gli animali assumono sembianze diversificate l’autore cerca di scardinare - il tutto verso una vera e propria rottura – ogni comprimibile fattura estetica. Con una ricerca che fa del crescere insieme uno dei suoi punti focali, le opere nascono e crescono quasi incontrollabili. Questa magnificenza di Gianfranco Asveri trova in una memoria non edulcorata la sua ragione d’esistere.” (Stefano Taddei)

Galleria d’Arte Contemporanea - Palazzo Ducale

via Giardini, 3 - Pavullo nel Frignano (MO)

Orari:

sabato, domenica e festivi: h. 16.00 - 19.00

su richiesta dal lunedì al sabato: h. 10.00 - 12.30

martedì e giovedì: h. 15.00 - 17.30

Ingresso libero 

date: 20 dicembre 2018 - 20 aprile 2019

a cura di Roberto Lacarbonara

Frittelli Arte Contemporanea è lieta di presentare la mostra “Pino Trademark. Opere grafiche di Pino Pascali” a cura di Roberto Lacarbonara, un evento che ricorre a cinquant’anni dalla scomparsa (l’11 settembre 1968) di uno dei massimi artisti italiani del secondo dopoguerra.

“Pino Trademark” è la firma che Pascali appone in calce ad una lettera inviata al gallerista Gian Enzo Sperone nel 1966, per ringraziarlo della mostra da poco inaugurata a Torino, dove per la prima volta l’artista mostra in pubblico la serie delle Armi.

Una scelta singolare, piuttosto ironica – quasi un marchio di garanzia sulla recente produzione – che rimanda immediatamente alla citazione di quei “modelli” americani con cui Pascali amava confrontarsi, specie nell’ambito della ricerca pubblicitaria, svolta in quegli stessi anni, per la Lodolofilm e per la Rai. Nei tanti disegni-omaggio a Jasper Johns, nelle scenografie per i caroselli di aziende come Algida o Steel USA, così come nella scelta dei personaggi e delle storie, Pascali inventa uno stile ed un linguaggio originalissimi, spesso con uno sguardo – talvolta critico e insidioso – rivolto all’America e alla sua egemonia nel commercio e nella comunicazione. Il bozzetto “Super” del 1965 – cui è dedicato il recente volume “Super. Pino Pascali e il sogno americano” (Skira, 2018) – incarna la sua visione sarcastica verso la superpotenza a stelle e strisce di cui l’artista sembra conoscere a fondo gli strumenti della retorica e della cultura visuale.

In mostra molti dei lavori prodotti da Pascali nell’ambito della ricerca sull’immagine in movimento, realizzati tramite disegno, collage, emulsioni, tempere e tecniche miste, su carta o su acetato, e destinati alla produzione televisiva. Saranno visibili anche due tra i caroselli più significativi: “I Killers”, cortometraggio d'animazione proposto inizialmente all'Algida e in seguito, dopo il rifiuto del committente, sviluppato da Pascali in un video autonomo; e “Cirio”, filmato realizzato a partire da un reportage fotografico eseguito da Pascali tra Roma e Napoli nel quale l’artista interpreta le maschere partenopee di Pulcinella e Pazzariello.

Il contrassegno grafico che Pascali inventa per Sperone si rivela così indissolubilmente legato a quei soggetti da tempo indagati – le armi, i killers, i cowboys, il dollaro, il paesaggio metropolitano e le insegne alfanumeriche – che testimoniano il confronto assiduo con il New Dada e la Pop Art americana, ma anche all’invenzione di una via tutta italiana e mediterranea della comunicazione pubblicitaria, manifestando ad un tempo il tentativo di acquisizione e di superamento dei codici e delle formule linguistiche d’oltreoceano.

Pino Pascali nasce a Bari nel 1935; in seguito la famiglia si trasferisce a Polignano a Mare. Diplomatosi a Napoli presso il Liceo artistico, nel 1956 si iscrive all'Accademia di Belle Arti di Roma dove segue il corso di scenografia di Toti Scialoja. In questi anni comincia a frequentare gli artisti del cosiddetto Gruppo di Piazza del Popolo e inizia a lavorare come aiuto scenografo in alcune produzioni Rai collaborando con lo Studio Saraceni e la Lodolofilm come scenografo e grafico per la pubblicità televisiva. Con quest'ultima, grazie al legame di amicizia con Sandro Lodolo, lavorerà fino all'anno della sua morte, avvenuta nel 1968. Nel gennaio del 1965 espone presso la Galleria la Tartaruga di Plinio de Martiis. In estate realizza per la Galleria La Salita l’installazione-performance Requiescat. L'anno dopo presenta il ciclo delle armi presso la Galleria Sperone di Torino e comincia a lavorare alle prime opere in tela bianca su centine. In autunno tiene una mostra da Fabio Sargentini presentando le serie degli animali e dei trofei e i lavori Il mare, Barca che affonda, Balene. La sua prima personale all'estero è ospitata nel 1967 dalla Thelen Galerie di Essen in Germania. In giugno presenta un ciclo di nuove opere ispirate agli elementi della natura. Alla mostra Exhibition of Italian contemporary art a Tokyo e Kyoto, presenta Ricostruzione della balena. In ottobre espone alla galleria Jolas di Milano, presentato da Cesare Brandi. In dicembre alla Galleria Nazionale di Arte Moderna di Roma, insieme a Eliseo Mattiacci presenta Campi arati e Canali di irrigazione. Sempre nel 1967: Premio Modigliani a Livorno; Realtà dell'immagine e strutture della visione al Cerchio di Roma; Oltre la scultura a Pescara, Expo 67 a Montreal; Salone internazionale dei giovani, a Palazzo Ancarani a Spoleto; Proposte Uno ad Avezzano; Mostra di arte contemporanea a Tokyo; V Biennale dei Giovani a Parigi; III Rassegna arte del Mezzogiorno a Napoli; IX Biennale di San Paolo; Art Objectif a Parigi. A marzo del 1968 Giulio Carlo Argan presenta per la prima volta alla Jolas Galerie di Parigi i suoi Bachi da setola. Lo stesso anno partecipa con una sala personale alla XXXIV Biennale di Venezia; a seguito di un incidente motociclistico muore in settembre a mostra ancora aperta, a conclusione della quale gli viene assegnato il Premio internazionale per la Scultura.

Frittelli Arte Contemporanea

via Val di Marina 15 50127 Firenze

tel. 055410153  www.frittelliarte.it

orari: 10:00 -19:00 dal lunedì al sabato

e su appuntamento

a cura di Alberto Zanchetta

Vernissage: Giovedì 14 Febbraio, ore 17.00

Dal 14 Febbraio all'11 Aprile 2019

Dal 14 Febbraio all'11 Aprile 2019, a cinquant'anni dalla prima mostra dell'artista a Milano, curata da Luciano Inga Pin nel 1969, la Galleria 10 A.M. ART, nella nuova sede di Corso San Gottardo 5, propone una rivisitazione, sia pure per punti essenziali, del lavoro di Sandro De Alexandris. Un itinerario di oltre cinquant'anni, in cui i fondamenti si trovano in quel particolare clima creativo delle neo-avanguardie dei primi anni '60 del '900 che rimettevano in discussione, radicalmente, gli statuti linguistici della poesia e della pittura, così come della scultura e della musica.

La mostra antologica, dal titolo "1964 | 2018", curata da Alberto Zanchetta, si snoda a partire da alcune rare opere del 1964, attraversando i tempi di ricerca che hanno segnato il percorso del lavoro di De Alexandris. Da una riflessione sul senso della pittura e sul suo processo di ridefinizione, rivolta alle coordinate tempo-spazio-luce che comporta il progetto di cancellazione e di radicale azzeramento, alla riflessione - ancora nel senso della pittura - che si sviluppa attraverso l'interrogazione di espansioni cromatiche, effusioni della luce, rivelazioni dello spazio-tempo interiore, luogo privilegiato del farsi dell'opera.

Le superfici piegate e sovrapposte, articolate a formare spazi di concentrazione visiva in stretto rapporto con lo spazio che le contiene, i TS e i Rilievi attraversati da linee di luce che ne definiscono la forma, con i t/n, opere in cui si realizza un radicale abbassamento percettivo, concretizzano la ricerca che ha segnato gli anni '60 e '70. Negli anni '80, con le Sovrapposizioni, frammenti di pittura organizzati a definire il processo attraverso cui si forma la pittura stessa, si apre un percorso in cui naturalmente il colore, materia elementare che percorre la superficie, è sostanza estesa ad attraversare le trame dell'essere. Luogo privilegiato che dagli anni '90 ad oggi si fa luce interiore, rivelazione del suo fluire.

Galleria 10 A.M. Art

Corso San Gottardo, 5 - Milano

 - www.10amart.it

Orari della mostra: dal martedì al venerdì,

dalle 10.30 alle 12.30 e dalle 15.00 alle 18.30

Tutti gli altri giorni, solo su appuntamento 

Rassegna di Arti visive Contemporanee 2018 - 2019

A cura di Giovanna Laura Adreani, Art Director

OPENING Galleria d’Arte Mentana

Venerdì 14 Dicembre dalle ore 18.00

OPENING Borghese Palace Art Hotel

Sabato 15 Dicembredalle ore 19.00

ORIZZONTI CONTIGUI è il titolo della rassegna che verrà allestita nella città di Firenze nel periodo Natalizio. La mostra si estenderà su due prestigiosi spazi espositivi che, pur differenti tra loro, sotto il profilo della finalità, riescono a dialogare in nome dell’arte.

La storica Galleria d’Arte Mentana e il prestigioso Borghese Palace Art Hotel, struttura ricettiva quattro stelle, in questa occasione ospiteranno opere di artisti internazionali attentamente selezionati.

In questo modo il tempo e lo spazio si dilatano all’infinito inseguendo pensieri, colori e forme che, in fughe metaforiche, riportano al dialogo, per condurre un viaggio interiore ad un percorso espositivo che descriva puntualmente le tendenze artistiche contemporanee. Il clima si fa suggestivo e i cambiamenti repentini riescono ad esaltare l’omogeneità spirituale dell’intento delle due esposizioni.

Giovanna Laura Adreani - Art Director

ARTISTI IN MOSTRA

Francesca Coli, Salvatore Magazzini, Bianca Vivarelli, Luigi De Giovanni, Julie Redivo, Rosario Bellante, Audrey Trani, Camilla VavikPedersen, Daria Gravilina, Carla Castaldo, Roberto Loreto, Wilma Mangani, Giampaolo Talani, Sergio Benvenuti, Salvatore Fiume, Mario Schifano, Riccardo Licata, Piero Dorazio, Ugo Nespolo, Emilio Tadini, Vittorio Tessaro, Antonio Corpora.

Galleria d’Arte Mentana - Via della Mosca, 5r – Firenze

Borghese Palace Art Hotel - Via Ghibellina 174r - Firenze

Telefono +39 055 211985 - Fax + 39 055 211985

Cell. + 39 3351207156 

www .galleriamentana.it      

Galleria Paola Verrengia

COMUNICATO STAMPA

 Pop Art in Italia. Ieri, oggi, domani

 a cura di Antonello Tolve

 19 Novembre – 20 Dicembre
Inaugurazione: Domenica 18 Novembre, ore 11.30

La Galleria Paola Verrengia inaugura domenica 18 novembre alle ore 11.30 la mostra Pop Art in Italia. Ieri, oggi, domani a cura di Antonello Tolve con opere di Valerio Adami, Franco Angeli, Romina Bassu, Mario Ceroli, Michele Chiossi, Francesco De Molfetta, Tano Festa, Giosetta Fioroni, Giampaolo Frizzi, Lucio Perone, Mario Schifano, Giuseppe Restano ed Emilio Tadini. Coerentemente all’attività della Galleria che da oltre 25 anni prosegue la sua ricerca aprendosi a molteplici linguaggi contemporanei con un interesse trasversale per poetiche e generazioni diverse, la mostra vuole porre l’accento su una tematica dell’arte contemporanea in Italia che ha aperto “felici vie d’uscita dall’impasse dell’informale” (A. Tolve).

Accanto ad un nucleo storico rappresentato da alcuni tra gli artisti più significativi della Pop Art italiana – che dalla prima metà degli anni ’60 hanno raccontato una stagione dell’arte “favorita dalla libertà di rivolgere l’attenzione agli oggetti, ai miti e ai riti contemporanei, ai linguaggi della società dei consumi e al loro culto” (A. Tolve) – sono presenti in mostra sei figure dell’arte di generazione più recente per creare una ipotetica continuità tra il passato e il presente.

Se da una parte si è voluta puntare l’attenzione su due centri operativi (Roma e Milano) con le silhouettes lignee di Ceroli (1938), i fumetti di Adami (1935), i racconti onirici di Tadini (1927 - 2002), i paesaggi anemici di Schifano (1934 - 1998), le tele emulsionate di Festa (1938 - 1988), le inquadrature “segninfantili” di Fioroni (1932) e le riflessioni squisitamente ideologiche di Angeli (1935 – 1988), dall’altra gli artisti di generazione più recente – Romina Bassu, Michele Chiossi, Francesco De Molfetta, Giampaolo Frizzi, Lucio Perone e Giuseppe Restano – evidenziano una elaborazione di discorsi sulla manipolazione e sul consumo di immagini in età contemporanea. Secondo il Curatore si tratta di una sorta di “poliglottismo tecnico e materico, nonché di babele linguistica” che contraddistingue di questo secondo scenario l’ironia vivissima di Francesco De Molfetta (1979) accentuata dalla scultura Smaila, l’opera pittorica di Romina Bassu (1982) dove rivivono le immagini di stereotipi femminili degli anni Cinquanta, la scultura in marmo You and Me di Michele Chiossi (1970) (rimando immediato ai Peanuts di Charles M. Schulz) con il suo tipico tratto a zig zag, le sculture “esuberanti” di Lucio Perone (1972) legate al gigantismo delle opere dell’artista americano Claes Oldenburg, i fumetti nostalgici di Giampaolo Frizzi (1969) che raccontano la sua personale visione del mondo dei supereroi (da Hulk a Capitan America) e l’opera ad olio di Giuseppe Restano (1970) in cui l’oggetto è così sublimato da mantenere un suo allucinato verismo.

Lontana da ogni linea filologica e storica, Pop Art in Italia. Ieri, oggi, domani è un momento di riflessione su un’atmosfera capace di cogliere le varie sfaccettature del quotidiano, di mostrare tutti quei prodotti che l’industria culturale ha generato e continua a generare in quello che Dorfles ha definito essere pulsante presente.

Inaugurazione: giovedì 22 novembre, ore 19:00
22 novembre | 31 dicembre 2018

La galleria Giovanni Bonelli è lieta di presentare “REAZIONE A CATENA. Differenti vie della Pittura #2”, mostra collettiva curata da Gino Pisapia.
Secondo episodio espositivo di un più articolato progetto in progress che intende restituire una panoramica sull'attuale stato della pittura italiana. Il progetto adotta una modalità di selezione per cui gli artisti sono direttamente coinvolti nella scelta degli artisti che esporranno in una successiva edizione, secondo un modello processuale che segue la progressione geometrica: 2, 4, 8, 16, e così via. Assecondando tale modalità il percorso espositivo si è auto-costruito basandosi su criteri selettivi affidati anche ai rapporti che intercorrono tra gli artisti, i quali sono qui invitati a raccontare del proprio viaggio nei territori impervi e affascinanti della pittura attraverso una singola opera rappresentativa. Come spiega il curatore: “Ho provato a vestire i panni del fisico/chimico in laboratorio, sostituendo agli elementi gli artisti e inserendo personalmente, in ogni sequenza, alcuni nomi che ritenevo rappresentativi di un dato modo di fare pittura. Ho così ottenuto la mia reazione”.
Negli spazi milanesi della galleria Giovanni Bonelli questo secondo episodio della reazione offre - senza soluzione di continuità processuale e relazionale, rispetto al primo evento romano conclusosi lo scorso luglio - una selezione di sedici artisti, di cui soltanto quattro invitati dal curatore. Gli artisti presenti risultano dissimili per approccio, modalità, genere e - in taluni casi - generazione ma, come chiarisce il curatore: “Non si intende qui presentare la completezza del panorama pittorico italiano contemporaneo né tantomeno evidenziarne strumentalmente un'unica linea di tendenza, anzi, si vuole piuttosto definire una modalità espositiva diversa capace di offrire molteplici percorsi e altrettante chiavi di lettura possibili (…) In queste condizioni la complessa eterogeneità degli atteggiamenti mentali che gli artisti adottano entra a far parte del gioco dove le cifre stilistiche di ognuno si espandono potenti, travolgenti, e trionfano in uno spazio intellettuale di confronto che appartiene all'esercizio della pratica e non incontra confini, ma anzi, questi si neutralizzano partecipando alla comunione laica del linguaggio”.

Artisti coinvolti direttamente dal curatore: Alberto Di Fabio (Avezzano, 1966), Giuseppe Gonella (Motta di Livenza, 1984), Tiziano Martini (Soltau, 1983 ) e Davide Rivalta (Bologna, 1974). Artisti coinvolti nella reazione dagli artisti della precedente “reazione”: Veronica De Giovanelli (Trento, 1989) (invitata da Andrea Fontanari); Lorenzo Di Lucido (Penne, 1983) e Andrea Grotto (Schio, 1989) (invitati da Gabriele Arruzzo); Marta Mancini (Roma, 1981) (invitata da Michele Tocca); Marco Pace (Lanciano, 1977) e Pietro Manzo (Sala Consilina, 1981) (invitati da Francesco Lauretta); Iacopo Pesenti (Milano, 1990) (invitato da Roberto Casiraghi); Luca Macauda (Modica, 1979) e Giuliano Vanni (Siena, 1946) (invitati da Eugenia Vanni); Andrea Salvino (Roma, 1969) e Vera Portatadino (Varese, 1984) (invitati da Luigi Presicce); Marco Salvetti (Pietrasanta, 1983) (invitato da Jacopo Casadei).

Galleria Giovanni Bonelli
Via L.P. Lambertenghi 6 Milano
Tel: +39 02.87246945

www.galleriagiovannibonelli.it

Dal 1 dicembre 2018 al 30 gennaio 2019

La Galleria Clivio è lieta di invitarvi venerdì 30 novembre 2018 alle ore 18.00 presso il proprio spazio espositivo di Milano in Foro Buonaparte, 48, alla mostra: ANTONIO VIOLETTA: OPERE SCELTE con testo critico di Flaminio Gualdoni.

Saranno presenti sculture realizzate dai primi anni '80 sino ad oggi: gessi, bronzi e terracotte che ricostruiranno il percorso artistico di Violetta.
Citando Flaminio Gualdoni: “Violetta ripensa un primitivo che non sia quello tribale celebrato dalle vulgate dell’avanguardia, bensì quello dei “nativi europei”, che tocca anche lo schema del volto/identità con tutto quanto ciò comporta sul piano del busto come doppio possibile del vivente, o della memoria del vivente, o dell’idea sola di vivente: e d’una bellezza straniata ma viva.

La questione della referenzialità è ridotta, qui, a risonanze formali meravigliate, inglobata nel passo di una crescita della forma che risponda solo a sé stessa, al proprio fluente metamorfico esistere nello spazio, coagulandosi in un esemplare momento/pausa della propria sostanza materiale.
Scrive l’artista: “Segni grafici e fratture, solchi e tagli sono le impronte che emozione e pensiero lasciano nelle opere. In alcune le impronte diventano tracce simboliche e tendono alla ricerca della bellezza attraverso forma ed equilibrio”.

Con questa mostra la galleria rende omaggio ad uno degli scultori più significativi della generazione anni '80, già presentato a Documenta Kassel nel 1982 da Germano Celant. Tra le sue mostre più importanti la personale al Kunstverein nel 1985 e la biennale di Venezia del 1986. Nel 1989 espone al Schirn Kunsthalle di Francoforte, nel 1999 allestisce una mostra personale alla Galleria d'Arte Moderna Palazzo Forti di Verona e partecipa alla XIII Quadriennale d'Arte Internazionale di Roma.
Nel 2018 viene collocata presso il Palazzo di Giustizia di Firenze l’opera “Giustizia”, vincitrice nel 2015 del concorso internazionale di arte contemporanea.

Inaugurazione 17 novembre 2018, 18:00-20:30

in mostra fino al 19 gennaio 2019

Mani che imbrogliano è la seconda mostra personale di Alessandra Spranzi alla galleria P420, dopo Maraviglia (2014) e la collettiva Lumpenfotografie (2012, con Hans-Peter Feldmann, Peter Piller, Joachim Schmide Franco Vaccari).La nuova mostra presenta lavori recenti e altri che risalgono fino al 1995, in una specie di punteggiatura del pensiero, o della visione, che è sempre nel presente, ma che si sviluppa in un ampio arco temporale. 

Alessandra Spranzi lavora con l’immagine fotografica in modi e forme diverse: fotografando, rifotogrando, raccogliendo, tagliando, indicando, cancellando. Interviene quando le immagini e le cose si allontanano dal loro uso e diventano, per così dire,inconsapevoli di sé, delle proprie possibilità e della propria bellezza.

Per Mani che imbrogliano l’artista ha preparato un grande spettacolo di magia fatto di poco, molto poco. Immagini da manuali, di oggetti trovati o raccolti per strada insieme ad altri che animano da sempre le quinte della nostra casa, gesti che mostrano, che provano a spiegare qualcosa. Come Harry Houdini, che proponeva, per 50 centesimi, di insegnare “Come leggere al buio biglietti piegati”. Carte piegate al buio con dentro, forse, un’immagine.

Alessandra Spranzi, è nata a Milano nel 1962 dove vive.

Ha studiato alla Scuola Politecnica di Design e all’Accademia di Belle Arti di Brera. È docente di Fotografia all’Accademia di Belle Arti di Brera di Milano. Dal 1992 ha partecipato a diverse mostre, sia personali che collettive presso: P420, Bologna; Fondazione Sandretto Re Rebaudengo, Torino; Centre National de la Photographie, Ile de France; Arcade, Londra; Fondazione del Monte, Bologna;  MAMbo, Bologna; Galleria Martano, Torino; Maga, Gallarate; Galleria Nicoletta Rusconi, Milano; Festival di Fotografia Europea, Reggio Emilia; Museo di Fotografia Contemporanea, Cinisello Balsamo; Galleria Fotografia Italiana, Milano; Man, Nuoro; Gamec, Bergamo; Museo Marino Marini, Firenze; Galleria Emi Fontana, Milano; Museo Pecci, Prato; Le Magasin, Grenoble; Careof, Cusano Milanino. Dal 1997 ha realizzato numerose pubblicazioni e libri d’artista.

L’ultimo libro, Uova, posate e altri oggetti, è stato pubblicato in occasione di Mani che imbrogliano.

con Vittoria Coen e Giovanni Granzotto

in collaborazione con l’Archivio Conti

Durata: 17 novembre 2018 – 12 gennaio 2019

Inaugurazione: sabato 17 novembre, ore 18.30

con una danza sulla musica di Paola Samoggia

Curatori: Vittoria Coen, Giovanni Granzotto

Catalogo: Con un florilegio critico, 30 immagini a colori, cartonato, Edizioni PoliArt Contemporary

Ufficio Stampa: Spaini & Partners

La PoliArt Contemporary di Milano presenta, in occasione dell’ottantesimo compleanno di Paolo Conti, la mostra personale 80|l’erosione del tempo. Sono venti le opere scelte dal ciclo delle Erosioni, realizzate con spessi cartoni preparati, poi pazientemente scavati e dipinti. Quella della PoliArt Contemporary è la prima esposizione esclusivamente dedicata a questo ciclo (nato nel 2005), in cui l’artista indaga il concetto di entropia.

Dai primi anni Settanta la ricerca di Conti si fonda su una sovrapposizione di arte e scienza, da cui ricava un’inedita potenza gnoseologica.

Come ha scritto Vittoria Coen nel 2006 a proposito di Conti: «Evoluzione, termodinamica, studio del cosmo individuano un “universo incerto” come ambito di ricerca. L’universo è riconducibile a una perenne evoluzione. Il demiurgo produce conoscenza, perché vi si mette in relazione».

L’affacciarsi della fisica su fenomeni che non hanno corrispettivi linguistici e visivi adeguati, da tempo trova nelle creazioni e nelle metafore dell’arte un’insostituibile risorsa. In altre parole, la scienza ha bisogno di dare parole e immagini impensate alle proprie scoperte, e proprio l’arte è l’ambito in cui formarle, produrle, a patto che sia un’arte in grado di raggiungere quelle acquisizioni. In una sorta di sogno dello scienziato, la sperimentazione diviene così creazione, in cui le logiche e i paradigmi scientifici interiorizzati, continuano a funzionare pur deflagrando in un’umana trasfigurazione.

D’altro canto, la ricerca artistica contemporanea può così sperimentare una via di emancipazione da alcune reiterate forme di autoreferenzialità performativa, ora tematizzandosi come sistema conoscitivo, con ritorni di fruizione visibili secondo diversi gradi di approfondimento.

Nelle Erosioni di Conti le forme originalissime e “scientificamente perfette” (come da sempre chiosa l’artista), il cui carattere è una nettezza metallica di derivazione tecnologica e industriale, si confondono secondo molteplici piani di profondità reali e virtuali, la cui unica regola combinatoria pare essere un impercettibile processo di consunzione. L’erosione è la quantità di energia che diviene visibile nel perdersi o nel non realizzarsi della forma, è l’indefinita parte oscura che segna l’alterità e la condizione della potenza.

Guardando un’opera come Quel che resta della concretezza, il piano limite è infranto e, infrangendosi, infrange, in una quasi continuità frattale, l’inarrestabile moltiplicarsi dei piani soggiacenti: in una sorta di big bang, il primo piano e la profondità infinita si confondono. Qui allora le forme s’infinitano come grappoli di stelle e, come stelle, si consumano. LC

Opere dal 1968 al 1988

Dal 30 Novembre 2018 al 23 Febbraio 2019 |

Osart Gallery, Milano

Opening: Giovedì, 29 Novembre 2018 alle ore 18,30

Gina Pane (Biarritz, 1939 – Parigi, 1990), riconosciuta come una delle maggiori esponenti dellaBody Art,è la protagonista della mostra in programma presso Osart Gallery dal29 novembre 2018al 23 Febbraio 2019. La retrospettiva, a cura di Valerio Dehò,si propone di raccontare la poetica dell'artista italo-francese attraverso una selezione di opere, prodotte tra il 1968 e il 1988, provenienti da importanti collezioni italiane. L'esposizione si compone di “constatazioni”,ovvero sequenze fotografiche che documentano alcune tra le Azioni più celebri di Gina Pane, e di“Partizioni”, ovvero installazionia parete che spesso recano anche parzialmente tracce di opere precedenti delle stesse Azioni.Queste furono presentate a Milano per la prima volta al PAC nel 1985 con la mostra “Partizioni Opere multimedia” a cura di Lea Vergine. 

La mostra segue un percorso cronologico e si apre con Pierres déplacées [Pietre spostate] (1968):unasequenza fotografica a colori realizzata nella Valle dell'Orco in provincia di Torino, luogo caro all'artista, nella quale raccoglie pietre di piccola taglia dalle caratteristiche ben precise (“esposte a nord, ricoperte di muschio, incastrate dentro una terra umida”) per spostarle in un luogo orientato verso sud. Quest'opera testimonia una delle prime azioni dove l'artista supera la fase d'esordio delle sculture minimaliste (chiamate “Structures affirmées”)e si interroga sul rapporto uomo-natura. La stessa celebre serie di fotografie “Alpi marittime” di Giuseppe Penone è degli stessi anni e sempre in Piemonte. 

Si passa dunque alla celebre Azione Sentimentale,tenutasi alla Galleria Diagramma di Milano nel 1973. L'azione originale, divisa in quattro fasi, è dedicata alle donne alle quali fu chiesto di disporsi in cerchi tracciati a terra con il gessetto all'interno dei quali figurava la parola DONNA. L'artista è vestita di bianco e porta un bouquet di rose rosse dalle quali stacca tutte le spine conficcandole poi nel suo stesso braccio. Le toglie lasciando colare un rivolo di sangue. Le rose rosse del bouquet diventano bianche. Il vestito bianco si tinge di rosso.

Sempre dei primi anni Settanta troviamo Action mélancolique2x2x2, 1974 eAction Psyché (Essai), 1974-1975.

InAction mélancolique 2x2x2 [Azione Malinconica 2x2x2]la malinconia viene esplorata evocando la relazione di coppia in tutte le combinazioni possibili. La ferita che compare nell'opera è stata praticata dall'artista all'altezza dell'orecchio e allude al famosogesto disperato di Vincent Van Gogh. Qui, l'altro fa la sua comparsa e a fianco dell “io”rappresentato da Gina Pane compare il “tu”rappresentato dalla schiena nuda di una ragazza. Il cuore disegnato, quindi, inscrive la relazione amorosa in uno spazio non più codificato dal genere ma dalla forza assoluta del sentimento. “L'Azione”, dice l'artista, “permette agli altri di prendere coscienza del conflitto e di passare da una situazione isolata ad una situazione unificatrice”.

L'Action Psyché (Essai) [Azione Psiche (Prova)]qui esposta condensa attraverso tre scatti fotografici le fasi più strazianti dell'azione. Sul viso di Gina Pane, che ha gli occhi chiusi, colano lacrime di sangue dalle palpebre che ha tagliato in precedenza con una lama di rasoio. “Quattro linee partono dal centro del corpo: l'ombelico 'IO' è il centro che si propaga nelle quattro direzioni riportando all'unità I punti estremi in una sintesi di amore”. La bellezza ideologica e plastica dell'Action Psyché descrive al meglio la filosofia pittorica del linguaggio di Gina Pane che in questo modo spinge oltre il linguaggio privilegiato della Body Art.

E se la psiche è il fulcro dell'organismo,nell'operaIo mescolo tutto: Cocaina, Frà Angelico,Gina Pane utilizza il corpo come strumento naturale di essa. L'azione eseguita il 30 ottobre 1976 è la prima in un museo, la Galleria Comunale d'Arte Moderna di Bologna. Mentre due giovani si rilanciano una pallina su un tavolo appoggiato al muro, l'artista servendosi di una scheggia di un vetro andato in frantumi si incide sull'avambraccio il disegno di alcuni pezzi di un gioco trovati per terra. La rottura del vetro, materiale importante per l'artista, in diverse opere rappresenta la modalità di uscire da una cornice "per andare in strada, nel mondo, non a livello dei manichini ma a livello della carne”.

Dal 1981 Gina Pane termina il ciclo delle Azionied inizia quello delle Partizioni.L'artista abbandona per limiti fisici l'uso del proprio corpo come linguaggio e ritorna alla scultura con l'esperienza performativa alle spalle. Ne L'Homme à la branche verte qui n'avait pas lu les Fleurs du mal – Partition pour une blessure[L'uomo con il ramo verde che non aveva letto i Fiori del Male – Partizione per una ferita], 1982. Gina Pane torna sull'idea di ferita con una foto che ricorda l'Action Sentimentale e che occupa un posto centrale dell'installazione.Per l'artista la ferita simboleggia la vita piuttosto che la morte; il sangue rappresenta un’offerta di amore verso il prossimo oltre ad essere una fonte di energia che libera l'uomo dai propri limiti. Chi la disprezza è ritenuto ridicolo, esattamente come l'uomo raffigurato con il rametto verde che non aveva letto Baudelaire. Il ciclo si chiude con Le Son de F. L'homme indien en prière (version 3)[Il suono di F. L'uomo indiano in preghiera (versione 3)],1986-88.Quest'opera della seconda metà degli anni Ottanta si compone di più pannelli assemblati. I materiali di cui si compone l'opera sono principalmente rame e ferro, materiali su cui l'artista interviene. “come se lavorassi con il mio corpo di carne ed ossa, nervi, muscoli, sangue”, sottolinea Gina Pane, infatti “il rame è un materiale vivo non appena lo toccate appaiono delle tracce”. La geometria di tali pannelli ricorda i polittici posti dietro o sopra gli altari delle chiese medioevali, mentre la disposizione a “T” evoca nuovamente la forma della croce. Nel titolo si fa riferimento a San Francesco una delle figure centrali delle Partitions di Gina Pane alla cui vita l'artista dedica diverse opere, affascinata dalla povertà del santo di Assisi e dalla sua visione della fede come dura disciplina. 

Note biografiche (1939-1990)

Gina Pane nasce a Biarritz, Francia, il 24 maggio del 1939 da padre italiano e madre austriaca. Trascorre la sua infanzia a Torino e si trasferisce a Parigi nel 1961 per frequentare la Scuola Nazionale di Belle Arti. Inizialmente realizza dipinti di natura astratta geometrica che trasferisce poi nello spazio attraverso la scultura: il risultato sono opere monumentali che interagiscono con gli spettatori, idea importante per la sua futura ricerca artistica. Nel 1970 Gina Pane realizza le prime Azioni che diverranno il suo marchio di fabbrica rendendola la maggiore figura nella storia internazionale della Body Art. Nel 1985 abbandona le Azioni per dedicarsi alle Partizioni, installazioni che permettono di trasferire sulla materia le evocazioni di un corpo ormai assente, come quello dei santi e dei martiri a cui l'artista dedica molte delle sue opere. Gina Pane si spegne il 6 marzo del 1990 a causa di una lunga malattia.

GINA PANE DALLE COLLEZIONI ITALIANE. 

Opere dal 1968 al 1988

Luogo: Osart Gallery | Corso Plebisciti 12, 20129 Milano

Date: 29 Novembre, 2018 – 23 Febbraio, 2019

Orari di apertura: dal martedì al sabato,

10 – 13 / 14.30 – 19 (entrata libera)

Catalogo: saggio critico a cura di Valerio Dehò

Contatti:T 02 5513826 Mail