RICHARD WILSON

Take an Object

Dall’11 maggio al 21 luglio 2018

“We live in space yet no concept of its shape unless we give it a reference, a measurement or bound its volume in an enclosing structure in the form of a retainer to keep the medium (air) in its place”.  Richard Wilson

Galleria Fumagalli ha il piacere di presentare la prima mostra personale dell’artista inglese Richard Wilson nel suo spazio milanese di Via Bonaventura Cavalieri 6. La collaborazione con l’artista risale al 2004 con la partecipazione alla collettiva AAVV:30, seguita dalla personale “The Ape Piaggio” ospitata nella storica sede della galleria a Bergamo nel 2007.

Riconosciuto a livello internazionale per i suoi interventi spaziali che traggono ispirazione dai mondi dell’ingegneria e della costruzione, Richard Wilson lavora da oltre 35 anni esponendo nei più importanti musei e realizzando opere pubbliche in tutto il mondo. Caravan collassati, taxi smontati, baracche accatastate e scale che non conducono a nulla, sono solo alcune tra le impressionanti creazioni dell’artista che riflettono sul rapporto tra arte e architettura. Il fare scultoreo di Richard Wilson si fonda, infatti, sulla manipolazione dei materiali quotidiani per l’articolazione di prospettive inaspettate. Come lui dichiara: "Per me è necessario partire dal mondo reale perché ciò che m’interessa è il modo in cui posso alterare la percezione di chi osserva e mettere sotto sopra il suo punto di vista. Per farlo ho bisogno di mettere mano su qualcosa che sembra comprensibile".

Nella mostra “Take an Object”, Richard Wilson presenta un corpo di opere inedite - quattro sculture accompagnate da otto disegni e due postcard works – realizzate a partire da oggetti domestici riconoscibili ma riconfigurati in forme totalmente nuove. Con i suoi interventi l’artista esplora l’habitat umano e le sue componenti oggettuali attraverso la loro decostruzione e riconfigurazione. Con un processo giocoso di separazione e ricomposizione Richard Wilson mette in questione la forma originale degli oggetti. Nel caso di “Stealing Space, Compressed” (2018), per esempio, una scultura preesistente viene smontata e ricostruita riducendo al minimo il suo volume; il rompicapo che risulta da questa compressione crea un’opera nuova a partire da vecchi frammenti. Composta da cinque casse cilindriche in legno, in origine uno strumento musicale (una batteria) ora assemblate in una forma globulare, “Shells” (2018) evoca il suo passato formale e al tempo stesso esiste in una nuova ossatura. “Direct Debit” (2018) nasce dall’idea di proiettare in tre dimensioni la figura di un puzzle composto da ritagli di una carta di credito nera; la forma data dai pezzi ingranditi a forma di cono su una superficie di compensato è percepita con nuova profondità da chi osserva. Evocando la tradizione delle nature morte ma al tempo stesso conferendole una narrativa data dal cambio di posizione, la scultura “Still Life Jug” (2015) presenta un oggetto inanimato - una brocca casalinga – intrappolato per sempre nell’atto del movimento. In mostra anche otto disegni che descrivono i processi di metamorfosi che questi oggetti hanno subito. 

Le opere presentate nella mostra “Take an Object” dimostrano un approccio al fare scultoreo che rimanda alla celebre citazione di Jasper Johns “Take an object, do something to it, do something else to it”. Il senso di spaesamento indotto dalla visione di queste sculture e disegni è dato dall’ambiguità tra il sentimento di familiarità e al tempo stesso di novità che rende riconoscibili, in parte ma non del tutto, le immagini esposte. È grazie a questa nuova amalgama tra spazio e oggetto che Richard Wilson riattiva la percezione di chi osserva suggerendo nuove relazioni spaziali.

Richard Wilson (Londra 1953) è tra gli scultori più rinomati della Gran Bretagna. Il suo operare offre nuove prospettive sugli spazi quotidiani, realizzando installazioni che costringono chi osserva a rivalutare il proprio ambiente, a ripensarlo, ispirando un senso di meraviglia. Tra i suoi progetti più noti e significativi: “20:50”, installato al M.O.N.A. Museum in Tasmania, un mare di olio catramato riflettente; “A Slice of Reality” opera pubblica realizzata per il sito della Millennium Dome nel 2000, una sezione verticale di una draga oceanica esposta agli effetti del tempo e della marea; “Turning the Place Over”, commissionata per Liverpool Capitale Europea della Cultura 2008 e attiva fino al 2011, una sezione ovoidale di 10 metri di diametro sulla facciata di un edificio ruotata tridimensionalmente su un fuso; e il più recente “Slipstream” realizzato nel 2014 per il Terminal 2 dell’aeroporto di Londra Heathrow, un intervento monumentale lungo 80 metri in alluminio che rappresenta il passaggio nello spazio di un oggetto in movimento. Sue mostre e progetti personali si sono tenuti in istituzioni di tutto il mondo, tra i più recenti: Annely Juda Fine Art (2017), Peninsula Hotel, Hong Kong (2014); De La Warr Pavilion Roof, Cultural Olympiad Project, Londra (2012); Vertu Global Commissioni, Londra e Shanghai (2011); Barbican Art Center, Londra (2006); Palazzo delle Papesse - Centro d’arte contemporanea, Siena (2004); Talbot Rice Gallery, Edinburgo (2002); Tate Gallery, Londra e Chateau de Sacy, Picardie (1997); Museum of Modern Art, Los Angeles (1994); Kunsterhaus Bethanien, Berlino (1993); Centrum Sztuki Wspolczesnej, Varsavia e Museum of Modern Art, Oxford (1990). Tra le esposizioni collettive: Museum of Contemporary Art, Tokyo (2013); Palazzo Fabroni, Pistoia (2010); Peggy Guggenheim Collection, Venezia (2002); Victoria & Albert Museum, Londra (2001); National Gallery of Australia, Canberra (1996); Kunst-Werke Institute for Contemporary Art, Berlino (1993); Camden Arts Centre, Londra (1975). Tra le rassegne internazionali: Triennale di Folkestone (2008), Triennale di Yokohama (2005), Biennale di Sydney (1992), Biennale di San Paolo (1990), Trigon Biennale, Graz (1987), Biennale di Venezia (1986). Opere di Richard Wilson sono esposte in modo permanente in collezioni prestigiose come The British Museum, Londra; Weltkunst Collection @ IMMA, Dublino; Ulster Museum, Belfast; Centre of Contemporary Art, Varsavia; Museet for Samstidskunst, Oslo. 

GALLERIA FUMAGALLI

Via Bonaventura Cavalieri 6, 20121 Milano 

Dal martedì al sabato dalle 11 alle 19

Info: +39 02 36799285 | | galleriafumagalli.com

Ufficio stampa PCM Studio | +39 02 36769480 |

Clara Cervia

VERONIKA DIRNHOFER  vis à vis  MARTIN POHL

4 maggio - 30 giugno 2018

Partendo da posizioni e stili apparentemente distanti, Veronika Dirnhofer (1967, Horn -A) e Martin Pohl (1961, Tarres -I) hanno creato per questa esposizione - vis à vis -, un dialogo inedito e inaspettato.

Entrambi gli artisti sembrano accogliere avvenimenti e imprevisti che accadono mentre dipingono, aprendo spazi e superfici alle innumerevoli possibilità percettive del loro mezzo espressivo: la pittura. La pratica pittorica che li accomuna ruota attorno al colore ed al suo potenziale formale ed espressivo.

Nei lavori di Veronika Dirnhofer la potenza del colore si intreccia con la seduzione di forme astratte mentre, i paesaggi di Pohl, partono da elementi concreti per farci poi perdere la familiarità con il dato reale. Questa trasfigurazione avviene poeticamente, attraverso il colore che incontra la superficie come un supporto per liberare la pittura e spingere il lavoro sull'immagine al limite della sua riconoscibilità.

Nelle opere su carta che si alternano alle tele di grande dimensione, realizzate da Martin Pohl per questa mostra, il segno acquista nuove consistenze come a rendere l'aspetto "liquido" della realtà.

Anche l'artista austriaca, Veronika Dirnhofer, prende distanza dall'immagine; nelle opere su tela e su carta, che delineano il duplice percorso espositivo, si appropia delle cromie spingendole a farsi elemento indagativo di visioni che mettono in scena i meccanismi della pittura.

VERONIKA DIRNHOFER

1967 , Horn (Austria). Vive e lavora a Vienna

1987 - 1992 frequenta l'Accademia di Belle Arti, Vienna

2016 - 2018 dirige il dipartimento per le tecniche grafiche presso l' Accademia di Belle Arti di Vienna e, dal 2017, assume anche la direzione del dipartimento per il disegno.

La sua attivita espositiva ha inizio nel 2002

MARTIN POHL

1961, Tarres (Bz). Vive e lavora a San Paolo (Bz), e a Vienna (A)

1987 - 1992 Universität für angewandte Kunst di Vienna

1993 - 1995 docente presso Universität für angewandte Kunst di Vienna

Dagli anni '90 partecipa a progetti di Kunst am Bau / Arte ed architettura

La sua attivita espositiva ha inizio nel 1996

Antonella Cattani arte contemporanea

Galleria Paola Verrengia

Is Pink just a color?

A cura di Chiara Guidi

5 Maggio – 30 Giugno 2018

Inaugurazione: Sabato 5 Maggio 2018, ore 19.00

La Galleria Paola Verrengia inaugura sabato 5 Maggio alle ore 19:00 la mostra collettiva Is Pink just a color? a cura di Chiara Guidi, con opere di Carla Accardi, Ghada Amer, Maria Magdalena Campos-Pons, Elisabetta Catalano, Bruna Esposito, Margherita Manzelli, Maria Elisabetta Novello, Ana Gloria Salvia e Amparo Sard, artiste presenti nelle maggiori collezioni e musei Internazionali.

Il progetto della mostra nasce dalla volontà di collegare con una sorta di “filo rosa” la presentazione del libro di Chiara Guidi La rivoluzione siamo noi con la mostra Is Pink just a color? dove le opere delle artiste sembrano accogliere il libro stesso e ridisegnarlo mediante traiettorie visive.

Il titolo Is Pink just a color? è una domanda che diventa anche asserzione e informazione, luogo che apre alla conoscenza e alla possibilità di scrivere un capitolo originale e variegato della storia dell’arte “al femminile”. Il risultato è un racconto per immagini di “donne che amano troppo” (Alda Merini) e che, “nel loro agire, rappresentano un ventaglio declinato nel senso del colore rosa, in una nuance ancora rivoluzionaria” (Chiara Guidi).

La mostra si apre con opere di Carla Accardi (1924-2014), figura storica che fin dal 1947 ha contribuito a sviluppare la storia dell’arte astratta in Italia. La sua militanza femminista culmina nella fondazione di Rivolta femminile (1970) e prosegue per oltre mezzo secolo con la sistematica ricerca di una pittura geroglifica, segnica, strutturalmente aperta a possedere il colore.

Attingendo anche al mondo del ricamo, l’artista egiziana Ghada Amer (1963) ricerca nuove modalità operative, alternative alla pittura. Fin dagli anni Novanta utilizza infatti la pittura con il filo emancipato dal ricamo per riscattare la “tecnica della sottomissione” in quella della seduzione trasformando così le nozioni tradizionali di identità culturale, attrazione e fondamentalismo religioso.

L’eredità afro cubana e le linee postcolonialiste di Maria Magdalena Campos-Pons (1959) e di Ana Gloria Salvia (1973) affermano dal canto loro la ricerca dell’identità in un panorama che richiama alla memoria il femminismo e la sua storia. Per la Campos-Pons la ricerca artistica si concentra su un forte interesse verso il ruolo di genere affrontando anche tematiche come l’appartenenza, l’assimilazione e l’intercultura che derivano dalla sua esperienza di espatriata cubana. Ana Gloria Salvia con i suoi lavori presenta una realtà frammentata tra varie etnie, religioni, culture, costumi e scelte di vita che formano l’universo umano di cui ognuno di noi è una minuscola parte.

Il complesso ed intrigante percorso espositivo è arricchito dalle fotografie di Elisabetta Catalano (1941-2015), prematuramente scomparsa, che hanno la preziosità della testimonianza: “i suoi ritratti sono camei per una rinnovata galleria vasariana contemporanea” suggerisce la curatrice.

Caratterizzata dall’utilizzo di materiali eterogenei, spesso legati alla quotidianità e alla sfera alchemica, i processi creativi di Bruna Esposito (1960) sono presenti in mostra con una visionarietà fotografica che punge lo sguardo dello spettatore e lo invita a riflettere sull’estraniamento, sullo spiazzamento, sul disorientamento.

Con una pittura che evidenzia disagio e inquietudine, Margherita Manzelli (1968) è ulteriore riflessione sull’universo femminile. Protagoniste assolute e abbaglianti, le donne si presentano nel suo lavoro in tutta la loro solitudine, la loro essenziale forza mascherata da insicurezza e la loro identità incerta.

Considerata tra le più interessanti artiste italiane della sua generazione, Maria Elisabetta Novello (1974) propone un corpus fragile, dove la cenere è elemento effimero e fuggevole con cui crea forme, nuove presenze, tracce di memorie, così nei Di-segni in esposizione. L’artista spagnola Amparo Sard (1973), diventata famosa grazie alla peculiare tecnica della punzonatura su carta, presenta due disegni dell’ultima serie Water (2018) con cui indaga le complesse dinamiche esistenziali che influenzano le relazioni umane e la delicatezza della femminilità.

La presentazione del libro avverrà giovedì 17 maggio presso la Galleria alle ore 18:00, Chiara Guidi dialogherà con Maria Giustina Laurenzi.

Via Fieravecchia, 34 - 84122 Salerno - Tel e fax 089 241925 - - Part. IVA. 02659010652

Fino al 28 giugno 2018

La galleria Colossi Arte Contemporanea presenta la mostra personale di Sandro Del Pistoia (Viareggio, 1975), artista che, con le sue sculture e le sue installazioni polimorfe, composte da un fitto reticolato di elementi modulari esagonali di legno di tiglio, betulla, caucciù e samba, oppure in metallo, collegati con lacci in pelle o giunti plastici di nuovissima concezione, ripropone, espandendola e contraendola all'infinito, la struttura pluricellulare dei tessuti degli organismi viventi, il perpertuarsi del ciclo della vita e della morte. Le sue sculture si estendono verso l'esterno con rigonfiamenti che ricordano il firmamento celeste, immaginario costellazioni dove le stelle sono rappresentate dai nodi che collegano i suoi filamenti di legno o metallo: da qui il titolo UniVerso, nella sua accezione di un'entità che ingloba il tutto, dal latino “universus” ("tutto intero") composto di unus (“uno”) e versus (participio passato di vertere "volgere"), propriamente "volto tutt'intero nella stessa direzione”, in un'infinita globalità. La trama a maglie esagonali, che si estende come una volta celeste, caratterizza anche le grandi sculture in metallo, come quelle esposte a Shanghai, a Basilea, in occasione del circuito di eventi che ruota intorno alla rassegna Art Basel, all'Hotel Principe di Forte Dei Marmi e nel sito archeologico etrusco di Roselle, Grosseto, in occasione della mostra Forever Never Comes, al Museo Archeologico e d'Arte della Maremma (Gr). Anche a Brescia, in occasione della mostra, verrà presentata la monumentale scultura in ferro saldato Contro Nulla, Oltre Tutto (Against Anything, Beyond Everything), dalle forme di ispirazione organica, che verrà posta nella piazzetta di Corsia del Gambero, proprio di fronte al nuovo spazio espositivo della galleria Colossi, situato al civico 16.

Questo modulo strutturale primario di forma esagonale, che caratterizza molte delle opere dell'artista toscano, deriva dallo studio del grafene che, sulla scala atomica, appare come un reticolo a nido d'ape costituito dagli atomi di carbonio. Questo materiale, scoperto nel 2015 dai fisici Andre Geim e Konstantin Novoselov dell'Università di Manchester, vincitori del Premio Nobel nel 2010, non ancora del tutto conosciuto, sembra avere infinite possibilità di applicazione nell'ambito della scienza e della nanotecnologia, dell'ottica, dell'elettronica, ma anche nella costruzione dei nanotubi in carbonio per la sua estrema duttilità, dovuta alla buona conduzione elettrica e termica e alla resistenza strutturale. A queste qualità strutturali del materiale si ispira la serie di bassorilievi Grafemi, che fanno fuoriuscire da uno sfondo monocromo la trama tridimensionale caratteristica della poetica dell'artista che si dilata verso l'esterno, ricordandoci come siano dinamiche dal punto di vista plastico le sue strutture composte da una rete di esagoni concatenati. Un dinamismo che si esprime anche nel rigonfiamento degli involucri in plastica, come palloncini, delle performance Air Dream (2006-2007).

Da questa trae ispirazione Del Pistoia per sondare le potenzialità di espansione elastica delle sue strutture biomorfiche che si estendono nello spazio circoscrivendo superfici plastiche, scandite da una trama esagonale tridimensionale che, nelle strutture aeree delle sue installazioni, così come nelle sculture in metallo o legno, di piccola dimensione, dialoga con l'ambiente circostante o con le forme e le architetture circostanti, aggiungendo una nuova forma; essa sembra contemporaneamente inglobarle e circondarle, “riempirle di vuoti”, trasparenze e e creando, con la loro energia plastica, un inedito equlibrio tra contenuto e contenitore e riscrivendo le coordinate spaziali di percezione dell'ambiente. Per citarne solo alcune: le strutture in listelli di legno progettate durante le recidencies londinesi a Bloomsbury e Tavistock Square Garden nel 2005, quelle realizzate per la XII Biennale Internazionale di Scultura di Carrara nel 2006, la sospensione aerea di una sfera al Galata. Museum of the Sea di Genova nel 2009, la grande cupola posta sopra le chiome degli alberi, Fragile Relation, nel 2012, attualmente nella collezione permanente del C.A.V. Centro Arti Visive di Pietrasanta (Lu) ed, infine, la scenografia di supporti lignei, composta da forme quadrate in espansione, realizzata, nello stesso anno, a Palazzo Panichi di Pietrasanta, per il festival Rexistenz 2D 3D. Tridimensions Today, in collaborazione con la Fondazione Centro Arti Visive; per non parlare del reticolo Fragile community che ricopriva vaste porzioni della superficie del fiume Lima, a Bagni di Lucca, installata per l'Art Festival 2013, o quello posto, sempre nel 2013, nel golfo sul retro del castello di Lerici (Sp), What came from the sea, come un'isola sormontata da una sporgenza centrale simile a una concrezione rocciosa. Nello stesso anno, il Civico Museo del Marmo di Carrara (Ms) gli commissiona l'installazione Fragile Encounter.

Nel 2014, l'artista ha sospeso una sua struttura aerea, Fragile Dynasty, su sostegni verticali nel contesto del Giardino Veronesi Pesciolini di Ghizzano – Peccioli (Pi), in occasione della rassegna La verde armonia – il Giardino della Conoscenza e Fragile Beauty al Palazzo Belverde di Carrara (Ms). Talvolta il suo reticolato assume la forma dello skyline della città (reminiscenze della sua laurea in Architettura) avvolto da un intreccio di fili di seta che richiama la preziosità e la millenaria storia di questo materiale nell'arte cinese. Nel 2014 l'artista ha ottenuto la recidency, sponsorizzata dalla Swatch, allo Swatch Art Peace Hotel di Shanghai che ha portato molte suggestioni orientali all'interno della sua poetica, come l'utilizzo di filamenti in seta ricavati direttamente dal bozzolo per rivestire le sue fantomatiche strutture in legno e metallo. Una delle opere realizzate in questa occasione, è entrata a far parte della Swatch Art Peace Hotel Traces Collection. Del Pistoia ha esposto in occasione di altre importanti mostre in Cina, a Suzhou e all'How Art Museum di Wenzhou. Nel 2011, Sandro Del Pistoia è stato, inoltre, invitato da Fendi a realizzare un'opera unica, acquisita dalla callezione della maison, in occasione del contest internazionale di artisti e designer Fatto a mano for the future. L'artista vive e lavora tra Londra e la Toscana. 

Fino al 20 maggio 2018

La Galleria Officine dell’Immagine è lieta di annunciare Vita, mostra personale di Tamara Ferioli a cura di Fabio Carnaghi.
La mostra presenta la recente ricerca dell’artista che sperimenta nuovi approcci alla sua peculiare pratica di disegno.

Il titolo Vita deriva dall’omofonia e dall’omografia del verbo islandese, che significa sapere, e il termine italiano: la natura con le sue architetture spontanee e i suoi paesaggi generativi si esprime in un incontro di elementi che attraversano tutte le opere in mostra. Mediante un percorso contenutistico e formale, Ferioli esplora come una terra incognita una natura sapiens, totalizzante ed estrema, che propaga il tempo ciclico dell’esistenza in un flusso cosmico e magmatico.
Mimetismo, conservazione, proliferazione, sopravvivenza e rigenerazione sono temi di cui il disegno traccia legami eterei, annullando ogni gerarchia tassonomica. Animale e vegetale trasmutano in composizioni alchemiche contribuendo a svelare un dinamismo tellurico, fertile di un arcano soffio vitale. 
In mostra, un nuovo corpus di opere, che si avvalgono del disegno con l’utilizzo di matite, capelli e carta applicata, scopre, quasi in una pratica di automatismo, una dimensionalità ulteriore, effimera ma vibratile. Il tratto si associa alla sovrapposizione di livelli che creano varchi percettivi nel richiamare una nuova prospettiva metafisica. Ferioli, ispirandosi al disegno scientifico di natura, sembra descrivere un itinerario di migrazione da un atlante ad un’evocazione panica nel rispondere ad un impellente richiamo onirico. Il bianco accoglie colonne basaltiche, germinazioni vegetali, fiori, pesci e crostacei nella reminiscenza costante di iconografie islandesi, atlantiche e vulcaniche. La mostra si conclude con un’installazione ambientale composta da sculture realizzate con ossa di pesce atlantico. Ferioli interviene sul materiale di origine animale, scarto di lavorazione della pesca, conferendogli forma vegetale. I fiori, che si generano quasi spontaneamente, rispettano nel processo scultoreo la struttura ad incastro esatto che la materia organica offre, sfruttando cavità e protrusioni anatomiche. L’esito delle sculture ribadisce la profonda e metafisica sapienza innata nella natura, che l’artista indaga con un lavoro paziente e meticoloso. Ogni fiore è dunque un fossile che cristallizza in forme plastiche le geometrie seriali e i principi matematici sottesi ai sistemi biologici.

Tamara Ferioli è nata nel 1982 a Legnano (Milano). Vive e lavora a Milano. Dopo aver studiato all'Ecole des Beaux Arts de Lyon, si diploma presso il dipartimento di Pittura dell'Accademia di Belle Arti di Brera a Milano. Ha esposto le sue opere in vari musei e gallerie private in Italia e in Europa, tra cui Padiglione Italia (EXPO Milano 2015); Palazzo Barbarigo Minotto, Venezia (56° Biennale di Venezia); Fabbrica del Vapore, Milano; Centro per l’Arte Contemporanea Luigi Pecci, Prato; MAMbo, Bologna; State Institute for Culture, Sofia; Acquario Civico, Milano; CCCB - Centre de Cultura Contemporánia, Barcelona; Casa Testori, Novate Milanese; Palazzo Reale, Milano; Reggia di Venaria Reale; Triennale di Milano. Nel 2009 è finalista del X Premio Cairo e del Premio Terna. Nel 2015 è in residenza presso La Napoule Art Foundation e nel 2013 presso SIM - Samband Islenskra Myndlistarmanna, Reykjavik, Islanda.

Ingresso libero
Orari: martedì - sabato: 11 - 19; lunedì e festivi su appuntamento.

Fino al 1 giugno 2018

Si inaugura con questa mostra un ciclo di esposizioni sul rapporto fra arte e luce. Saranno proposti una serie di autori che fanno della luce il loro strumento di creazione artistica.

Entrambi gli artisti presentati in questa prima occasione utilizzano il neon come mezzo di espressione e rappresentano due generazioni a confronto.

Paolo Scirpa, già esposto più volte da Valmore studio d’arte, è il primo artista che con i suoi “Ludoscopi” realizza opere tridimensionali con profondità infinite, veri iperspazi-luce in cui è abolito il limite tra il reale e l’illusorio.

Manuela Bedeschi predilige le istallazioni “site specific”, sottolineando gli spazi con segni di luce che sono diventati nel tempo il suo mezzo espressivo principale, aggiungendo alle tecniche e ai materiali tradizionali illuminazione a led e tubi al neon.

Quando cammino lentamente attraversando lo spazio del mio studio, passeggio con i miei antenati. Cammino con emarginati, migranti e rifugiati. Cammino con artisti, ballerini e pellegrini. Il mio piede trema, non abituato a questa fatica. È dipinto, concepito come fosse una scultura. Personifico Tamil Man, nella visione di Malvina Hoffman che, negli anni ‘30, ha messo a disposizione la sua autoproclamata capacità di vedere e identificare le diverse razze umane per lavorare nella monumentale mostra commissionata dalla Hall of Races of Mankind al Field Museum di Chicago. Esco dal museo, dallo studio e sono in posa come scultura vivente. Sulle rive del fiume, recito austerità. Tremando, muoio e partorisco me stesso, ogni 29,97 millesimi di secondo.

Karthik Pandian

Inaugurazione: sabato 9 giugno 2018, ore 18.30

Durata: 9 giugno – 22 settembre 2018

Orario: da martedì a sabato 16 – 19

(mese di agosto e altri orari su appuntamento)

La Galleria Melesi di Lecco presenta per la prima volta nel suo spazio una mostra personale di Corrado Bonomi. Pittore e scultore, Bonomi espone opere da cinque diversi cicli della sua poliedrica attività artistica: Mare, Supporti, Armi della Fede, Culture e Cardio.

Dice l’artista: “Nella vita non si può fare tutto; se poi si hanno tante passioni… Ho fatto l’artista perché è un mestiere che concede delle scappatoie; nella pratica artistica le parole essere e interpretare sono sinonimi. Così l’essere artista mi ha consentito, di volta in volta, di interpretare vari ruoli: pescatore, giardiniere, ferroviere, sagrestano, cardiologo e pizzaiolo…”

L’opera Mare iniziata nel 1987 e tutt’oggi in corso, presenta sorprendenti doti di elasticità. Esattamente come i pesci nel mare si allontanano o si raggruppano in banchi, anche le scatolette di latta possono essere raggruppate o sparse. L’opera tanto colorata e gioiosa, rappresenta pesci in scatola cioè… pesci morti. Si potrebbe definire una “natura morta con echi di vita passata”. Rappresenta un aspetto significativo della contemporaneità: lo sfruttamento intensivo delle risorse ittiche.

Anche Supporti ha questa concezione. Le opere sono realizzate su superfici diverse da quella più classica della tela pittorica, Bonomi infatti sceglie di rappresentare il soggetto sul supporto che meglio può rappresentarne l’essenza. Vediamo così piante di caffè dipinte su sacchi da torrefazione, treni in movimento su fogli orari delle ferrovie, incidenti automobilistici su copri cerchioni o ancora bachi da seta su fantasiose stoffe di seta.

Le Armi della Fede riflettono un problema che è presente in tutte le religioni. La fede, intesa come fiducia assoluta e senza prove in qualcosa, porta il credente alla certezza di essere nel giusto. Sulla base di questa convinzione, nei secoli passati ma anche ai nostri giorni, in nome della fede si sono usate come armi, forme di prevaricazione eticamente ingiuste e illecite.

La serie Culture inizia nel 2003, qui il nostro Bonomi “giardiniere” entra in rapporto con la natura realizzando piante grasse e roseti con materiali plastici da giardinaggio, rivisitati nel loro ruolo ed utilizzati per diventare steli, foglie e boccioli variopinti.

I lavori contenenti la parola Cardio vogliono rappresentare il cuore uscendo però dalla logica scontata della classica forma stilizzata a cui siamo abituati. L’artista lavora così sul resto dell’apparato circolatorio sviluppando la rappresentazione di vene (blu) e arterie (rosse). Al centro, collocato al posto del muscolo cardiaco un oggetto che abbia assonanza di nome (ad esempio il libro Cuore di E. De Amicis), di suono (es. una sveglia ticchettante) o ancora che rappresenti una passione di vita, un qualcosa che “sta a cuore”.

Una videointervista a Corrado Bonomi, prodotta da Memecult, completa e documenta la mostra.

L’artista:

Io, CORRADO BONOMI nasco a Novara il 20 marzo 1956 dove tutt’oggi vivo e lavoro. Dal 1982, anno della mia prima esposizione, capisco di voler "fare" l'artista. Da allora partecipo a molte mostre e tento di elaborare un mio linguaggio, fondato soprattutto sul meccanismo della Tautologia. Dal 1990 inizio a esporre in Germania. È del 1995 la mia partecipazione al gruppo "Concettualismo Ironico Italiano" formatosi intorno alla Galleria Falzone di Mannheim. Dello stesso anno è la mostra "Quasi per gioco" alla Neue Galerie di Graz e al Kunstverein AR/GE Kunst di Bolzano. L'ironia, così diviene, non un meccanismo, quanto la cifra della mia esistenza. Il modo a me più congeniale di disinnescare la vita. Dal 1997 collaboro attivamente con il Museo "A come Ambiente" di Torino con il quale ho pubblicato un manuale catalogo "Animali e Fiori nascono da..." un percorso didattico creativo al riutilizzo alternativo dei materiali di scarto. Nel 1998 eseguo un'opera per il Museo di Scultura Contemporanea "Su logu de s'iscultura" di Tortolì. Parallelamente all'attività artistica dagli anni '90 ha inizio la mia esperienza d’insegnamento, dal 1995 collaboro come operatore culturale con il Dipartimento Educazione del Museo d'Arte Contemporanea del Castello di Rivoli, per il quale ho realizzato diversi progetti. Nei primi anni del 2000 mi interfaccio con la necessità di grandi installazioni e performance. Sono questi gli anni delle Figurine dell'Arte e della Pizzeria Belle Arti. Nel 2003 partecipo alla Mostra-Concorso della Fondazione VAF presso il Palazzo delle Esposizioni della Mathildenhòle di Darmstadt. Del 2005 e 2006 sono le mie personali "Arti e Mestieri" a Mantova presso Bonelli Arte Contemporanea e "Nel mezzo del cammino..." presso il complesso di Santa Caterina a Finalborgo. Nel 2009 mi adopero nella mastodontica personale “Casa Bonomi” e sono nuovamente invitato presso il Museo Ritter a Waldenbuch per la collettiva "Homage to the square". Nel 2010 torno in Germania, ad Aschaffenburg, presso il Neuer Kunstverein, per una mostra personale e, subito dopo, sono alla Fondazione Pomodoro di Milano per l'esposizione sulle tendenze plastiche del XXI secolo. Nel 2011 realizzo la mia seconda mostra personale con Luigi Cerutti in collaborazione con Labirinto e quasi contemporaneamente partecipo ad una collettiva della Collezione VAF presso il MART di Rovereto. Nel 2012, in collaborazione con il comune di Novara sono invitato da esporre una raccolta delle mie opere più note e suggestive nella cornice del salone d'onore della prefettura a Palazzo Natta, questa esposizione è la prima personale nella mia città; nello stesso anno espongo alla Triennale di Milano nella mostra sul Kitsch a cura di Gillo Dorfles. Nel 2014, Biasutti&Biasutti ospita una mia personale a Torino; dove porto tre categorie di mie opere "Castelli in aria, Se Son Rose, Fatine Fatate Fatali". Nel 2015, Omaggio a Lucio Fontana in collaborazione con Galerie Falzone di Mannheim. Nel 2017, espongo nella nuova sede di Bonelli arte a Pietrasanta, dove porto una personale monotematica incentrata sulle Fatine Fatate Fatali.

Informazioni e richiesta di ulteriore materiale stampa:

GALLERIA MELESI

T +39 0341 360348 M +39 348 4538002

16 maggio - 15 giugno 2018

Inaugurazione 15 maggio 2018

Nell'ambito della ricerca Verbo Visuale si inserisce in modo prepotente una personalità vulcanica come quella dell'artista e poeta Julien Blaine a cui la Galleria Clivio ha voluto fortemente dedicare una mostra. Verranno presentati lavori storici, realizzati dall'artista a partire dagli anni '60 coincidenti con l'inizio della sua attività letteraria ed editoriale, fino ad opere più recenti (anni '80),nell'intento di chiarire il percorso artistico ma soprattutto umano dell'artista.

Blaine è un "poeta totale", come lo definisce Patrizio Peterlini, direttore della Fondazione Bonotto che si è occupato del testo del catalogo, perché la sua attività non si esaurisce nell'ambito della poesia, anche se in tutte le sue possibili declinazioni sperimentali: concreta, visiva, sonora, performativa, elementare, oggettuale, azione, etc. ma investe con la sua potenza poetica tutti gli aspetti della creatività, respingendo fermamente limitazioni e categorizzazioni. La poesia (l'arte) è soprattutto azione, la si trova ovunque: lungo le strade, sui muri, la si può trovare nelle insegne stradali, oggetto di diversi suoi interventi. Nella poetica di Blaine non è prevista nessuna forma di passività. Non vi è traccia di contemplazione, meditazione ma solo di azione, azione, azione. Il poeta deve agire. Ma non per impegno morale o politico, si badi. Il poeta deve agire per sopravvivenza.

Dal 3 al 31 maggio 2018

Nell'ambito della prima edizione di Fo.To. Fotografi a Torino, che si svolge dal 3 maggio al 29 luglio 2018, la Galleria Biasutti & Biasutti presenta la mostra dal titolo "Natura collettiva", dedicata al lavoro di Leo Gilardi (Torino 1987).

Egli segue, dapprima, una formazione artistica e poi fotografica. Lavora presso lo studio MA.LE, nel quartiere di Barriera di Milano, a Torino. Nei suoi lavori Gilardi ricostruisce con carta fotografica arti umani, denunciando la spersonalizzazione dell'era tecnologica ed enfatizzando il gesto del tendere la mano per creare un contatto tra opera e persona. Come fotografo d'archivio per la Fondazione Centro Studi Piero Gilardi segue, da anni, il percorso espositivo del padre, traendone confronto attraverso lo sviluppo della documentazione. Il corpo della mostra è costituito da quindici opere che analizzano la natura come media per affrontare le tematiche sociali, la natura dalla quale si attinge l'estetica e per la quale si è accomunati dalla sua suggestione pacificante. Un invito a comprendere la società come fattore determinante nell'equilibrio naturale e sociale. Uno degli aspetti di questa mostra, che non si può fare a meno di considerare è l'implicito confronto generazionale tra padre e figlio. Un'analisi storico-artistico-sociale fatta dalle opere di Piero Gilardi immortalate dall'obiettivo di Leo Gilardi. 

Vernissage SABATO 12 MAGGIO 2018 alle ore 18

Periodo: 13 Maggio – 01 Giugno 2018

Catalogo: con testo critico di Ermanno Tedeschi

“Il punto esiste nel minimo assoluto”, scrisse parlando delle stelle il biofisico e studioso della percezione visiva Ruggero Pierantoni. La personale diBarbara Nejrotti, a cura di E. Tedeschi presso la Galleria PUNTO SULL’ARTE– VERNISSAGE SABATO 12 MAGGIO – è dunque una questione di punti. L’artista torinese cuce, con la precisione di un ago, i suoi soggetti. Un punto infinitamente piccolo che accanto ad un altro, e un altro ancora, compone soggetti che portano alla radice dell’Io e del sentire umano. Una tecnica innovativa sorprendente, con la quale Nejrotti ritrae piccoli uomini in un nuoto affannoso tra le onde, orme sprofondate nella tela su cui sono depositati vortici e radici stilizzate.

Opere spesso monocromatiche in una sintesi rigorista che però supera l’astrattismo. I quadri hanno, grazie alla tecnica e al gioco di spessori ottenuti con stoffe e cavi, una fisicità simile a quella di bassorilievi, le cui luci e ombre attraggono l’osservatore, quasi fosse risucchiato negli incavi e nelle linee concentriche.

Nejrotti ha sviluppato un’espressività di eleganza unica e contemporanea con un processo di nobilitazione della tecnica simbolicamente speculare al processo industriale tessile, di produzione artistica che parte dalla pratica millenaria del cucito, accrescendone il valore materico e intrinseco.Le opere ricalcano i vuoti e i pieni dell’esistenza, la difficoltà del vivere, la ricerca di equilibri e definizione dei contorni del proprio essere nella vita. Un approccio creativo di matrice concettuale che tende alla chiarezza delle linee e dei soggetti per aprire all’altro: l’artista ricerca il noi, la complicità, l’incontro con l’osservatore. 

«È un progetto artistico che porto avanti da cinque anni con il desiderio profondo di dar forma al sentire dell’essere umano- afferma Nejrotti - La tela è come la propria pelle cui ci si aggrappa con forza, talvolta con la lievità di un ricamo, altre volte con lo struggente dolore di una sutura».

Saranno esposti alla Galleria PUNTO SULL’ARTE di Sofia Macchi a Varese,fino all’1 GIUGNO, i lavori più recenti e rappresentativi dell’artista: “Nelle onde”, “In bilico”, “Orme”, “Puzzle”, “Essere Umano” e “Radici”.

BARBARA NEJROTTI:Nasce a Torino nel 1971. Trova la sua dimensione espressiva fondendo insieme diverse tecniche dal cucito alla lavorazione del legno, dalla pittura al taglio. Il suo impegno artistico inizia nel 2014 con il progetto “Tra l’Io e il Noi verso l’Arte”. Partecipa a numerose personali, collettive e mostre museali. Tra le esposizioni recenti si segnalano le mostre presso il Museo della Scrittura e presso la Galleria A. Muse entrambe a Torino nel 2016; espone presso il Parlamento Europeo a Bruxelles e presso il Polo Museale del ‘900 a Torino nel 2017; nel 2018 realizza una personale presso la Chagall House di Haifa in Israele e partecipa alla Biennale Internazionale d’Arte Sacra delle Credenze e Religioni dell’umanità a Palermo. È tra i finalisti del Meneghetti International Art Prize 2018. Vive e lavora a Torino.

PUNTO SULL’ARTE

Viale Sant’Antonio 59/61, Varese

0332 320990 I 

Orari: Martedì - Sabato: h 10-13 e 15-19

Domenica 13 e 20 Maggio h 15-19

A cura di Luca Zaffarano

Vernissage: Giovedì 24 Maggio, ore 18.00

Dal 25 Maggio al 23 Giugno 2018

La mostra affronta la complessità della ricerca sperimentale di uno degli artisti più significativi del panorama novecentesco italiano.

L'esposizione presenta una serie di opere storiche, come una Macchina Aritmica del 1951, un esemplare di Concavo-Convesso, una Macchina Inutile del 1956; e poi, una Scultura da viaggio, un prototipo di Tetracono del 1965, Xerografie Orignali e molto altro ancora.

Dal 25 Maggio al 23 Giugno 2018, la Galleria 10 A.M. Art (Via Anton Giulio Barrili, 31) di Milano, ospita una mostra dedicata a Bruno Munari (1907-1998) uno degli artisti più significativi del panorama novecentesco italiano.

L'esposizione, curata da Luca Zaffarano, dal titolo Creatore di forme, affronta la complessità della ricerca sperimentale di Munari, in particolare identificando nella costante indagine su come una forma possa trasformarsi in un'altra, uno dei punti centrali della sua opera. 

Le installazioni di Munari hanno la capacità di creare spettacoli mobili, forme modificabili, ricche di imprevisti e per questo capaci di trasportare lo spettatore in un mondo spettacolare e fantasioso.

La rassegna presenta una serie di opere storiche, come una Macchina Aritmica del 1951, un esemplare di Concavo-Convesso, mai più presentato a Milano dopo l'antologica di Palazzo Reale del 1986, e una Macchina Inutile del 1956, che portano ad avvicinarsi alla poetica multiforme della "macchina" quale apparato scenico essenziale, leggero e divertente.

In modo del tutto complementare Munari sviluppa la ricerca sul dinamismo delle forme anche in ambito percettivo. L'autore evita accuratamente di mostrare una composizione fissata in un certo istante, crea, invece, pitture dinamiche, instabili e complesse.

In mostra si potrà ammirare un prototipo, esemplare unico, di Tetracono del 1965, alcuni Negativi-positivi su tavola dei primi anni '50, e la pittura cromo-cinetica realizzata con filtro Polaroid rappresentata da un Polariscop degli anni '60.

Talvolta un cambio di forma è ottenuto sovvertendo la funzione. è il caso delle Sculture da viaggio, di cui viene proposto un raro esemplare in lamiera verniciata del 1958 accompagnato dalla corrispondente scultura in cartoncino. Queste sculture sono state studiate per essere messe in valigia, ripiegate come un origami; estratte dalla loro custodia e aperte, prendono forma, sviluppando all'istante un oggetto a tre dimensioni. A queste, si aggiungono alcune tra le più riuscite realizzazione della serie di acrilici Colori nella Curva di Peano del 1974 dove si ha una variazione, teoricamente infinita, di colori dentro la struttura di una curva frattale.

Completa l'esposizione una serie di importanti esemplari di Xerografie Originali  realizzate negli anni '60 sfruttando l'idea di mettere in movimento pattern di vario tipo durante il tempo di scansione della fotocopiatrice, ottenendo, in questo modo, immagini deformate, rese uniche da un atto creativo non ripetibile.

L'attenzione critica verso il lavoro di Bruno Munari è in costante crescita. Lo testimoniano le recenti esposizioni in Italia, dopo l'importante passaggio alla Estorick Collection di Londra nel 2012, la mostra itinerante in programma quest'anno in Giappone e le recenti acquisizioni di musei importanti come, ad esempio, il Pompidou di Parigi.

"La sua arte - scrive Luca Zaffarano - non ha segreti, è open-source. Le metodologie di ricerca sono ben spiegate, progetti e processi sono descritti nei dettagli. La sua arte è una sfida creativa ancora valida che ci spinge verso l'apertura e la condivisione di stimoli progettuali e poetici. Per Munari l'artista svolge una importante funzione sociale e l'estetica è condizione necessaria per comprendere meglio il nostro rapporto con il mondo e la natura".

Galleria 10 A.M. Art

Via Anton Giulio Barrili, 31

20141 Milano

www.10amart.it

Orari della mostra: dal martedì al venerdì, dalle 15.00 alle 18.00

UFFICIO STAMPA:

CLP Realzioni Pubbliche

Stefano Piedimeonte

www.clp1968.it

a cura di Stefano Castelli

03 maggio - 09 giugno 2018

Inaugurazione: 03 maggio - ore 18,30

Luca Tommasi è lieto di annunciare la mostra di Patrick Tabarelli Ghost in the Machine presso i nuovi spazi della galleria in Via Cola Montano 40 a Milano. L'esposizione presenta una selezione dei più recenti lavori dell'artista, realizzati con inchiostro ad acqua su carta di bambù o carta cotone intelata.

Morbido e acuminato allo stesso tempo, preciso e assieme aleatorio: il peculiare aspetto dei dipinti del ciclo {v3cF} fa interrogare lo spettatore sull'origine del lavoro che ha sotto gli occhi. Il metodo di realizzazione è in effetti inusuale. Tabarelli elabora programmi che determinano i movimenti di una drawing machine da lui stesso sviluppata, effettiva esecutrice dell'opera. Ma rimane un sottile grado di casualità, che contribuisce a determinare l'aspetto finale. Artista e macchina stipulano dunque un "patto" in cui i ruoli rimangono fluidi. L'autore si allontana di un passo rispetto alla propria opera, cede una parte del suo controllo e instaura una nuova forma di dialogo tra programmazione e imprevedibilità della creazione.

Il risultato finale del lavoro, l'opera compiuta, rimangono in ogni caso l'elemento fondamentale. L'uso della macchina sfuma come un retroscena per lasciare spazio a una poetica pittorica autonoma. I contrasti di colore giocano un ruolo fondamentale, costituendo veri e propri punti cardine all'interno di un'astrazione antireferenziale.  

I lavori presentati in Ghost in the machine costituiscono il compimento di un ciclo intrapreso negli ultimi due anni. Precisione del tratto e della composizione, ampiezza del formato e suggestione delle forme danno definitiva autonomia alla "pittura metaforica" di Tabarelli. Spiega l'artista: "La mia ricerca si concentra sui meccanismi della creazione e della percezione dell'immagine. Fortemente orientati al processo, i miei lavori sono sempre aperti a una sorta di incertezza percettiva e indagano la relazione tra causa ed effetto, assenza e presenza".

Patrick Tabarelli è nato a Villafranca di Verona nel 1979, vive a Milano. Nel 2017 è stato tra i finalisti del premio Cairo, esponendo nella relativa mostra al Palazzo Reale di Milano. Il suo lavoro è stato esposto in Italia e all'estero, in spazi come Mars, Hangar Bicocca, Fabbrica del Vapore a Milano o Peninsula a Berlino; per il 2018 è prevista la partecipazione alla collettiva Dimensione fragile alla Biblioteca Vanvitelliana di Roma. Nel 2015 ha presentato nell'ambito dell'Expo di Milano il progetto 500 unreachable islands, mentre nel 2016 ha preso parte all'Italy-Japan workshop alla Waseda university di Tokyo. Il suo lavoro è stato incluso da Ignazio Gadaleta nel suo libro Punti e filamenti di colore nella pittura italiana dal Divisionismo a oggi (Silvana, 2018).

watercolor ink on bamboo paper on camvas, 70x50 cm

La mostra resterà aperta con i seguenti orari:

martedì - sabato ore 15 – 19 e su appuntamento.

Catalogo in galleria.

Per Info e materiale iconografico:

. Tel. 335 242433

7 aprile | 19 maggio 2018

opening sabato 7 aprile alle ore 18.00

Curatore: Leonardo Conti e Sara Bastianini

La PoliArt Contemporary di Milano presenta white spacescape, personale di Marcello De Angelis progettata e realizzata dall’artista in quasi due anni di lavoro per gli spazi della galleria milanese. Sono circa venti le opere esposte e la scelta del bianco con riflessi argentati nasce da un’esigenza di rigore compositivo, per accedere agli effetti di una pittura a sfondo infinito.

La tecnica unica e irripetibile dell’injection painting, che contraddistingue la ricerca di De Angelis, raggiunge infatti una profonda fusione tra vuoti e pieni, un equilibrio quasi antigravitazionale tra plasticità delle forme e superficie infranta in una profondità spazializzante. Il rilievo di colore acrilico, realizzato con una siringa da iniezione, affiora da una tela monocroma e apparentemente nuda, quasi fosse un vuoto spaziale o lunare, interrotto dalla precisione di un elemento addentrante e invadente che lo fende e ne produce una forte profondità di campo, da cui nasce il progetto white spacescapes. In una corrispondenza biunivoca, è la profondità virtuale, in una sorta di visivo Gradus ad Parnassum, a restituire le plasticità dell’injection painting in primo piano.

Le forme di De Angelis sono regolari, le linee compositive prevalentemente curve e nette, studiate in un compendio di equilibri, simmetrie, asimmetrie e calcolati brillamenti. Ogni particolare è progettato con un programma di modellazione cad, suddividendo il processo di creazione nelle due fasi di composizione ed esecuzione. L’accadimento, poi, della lentissima e meticolosa tecnica pittorica segue delle vere e proprie dime (i progetti stampati su carta), rievocando la tecnica rinascimentale dell’affresco, per il trasferimento delle immagini dai cartoni preparatori all’intonaco. Se nella cosiddetta tecnica “a spolvero”, i cartoni venivano bucherellati affinché la polvere di carbone passasse sull’intonaco fresco, ora De Angelis pratica dei piccoli tagli sulle sue dime, per seguire con la siringa le disposizioni delle linee progettate.

In mostra sono presenti anche alcune opere della recente ricerca denominata Mould. In una sorta di procedimento calcografico, l’artista realizza delle vere e proprie “pelli” rugose di colore acrilico, applicate sulle tele a larghe bande verticali, o come vasti e silenti rettangoli (come nel ciclo dei Sigilli). Da un punto di vista compositivo, queste geometriche superfici, quasi approdi di luce, sollecitano l’artista a importanti confronti: soprattutto con Barnett Newmann, Mark Rothko e con certe straordinarie intuizioni geometriche di Emilio Scanavino, ma in futuro, probabilmente, con Frank Stella, Sean Scully e David Tremlett. Da un punto di vista spaziale queste campiture rappresentano scansioni ritmiche, primi piani, soglie aperte su vasti scenari e infiniti orizzonti.

 In occasione del Vernissage, la compositrice Paola Samoggia ha composto un brano musicale ispirato e dedicato alla mostra, sulle sue note il danzatore Gabriele Vaccargiu eseguirà una danza tra le opere esposte.

Performance: Danza inaugurale con musica di Paola Samoggia e coreografia di Gabriele Vaccargiu.

Durata: 7 aprile – 19 maggio 2018

Orari: dal mercoledì al venerdì 11-13 e 15-18, sabato 15-19, gli altri giorni su appuntamento.

Ufficio stampa: Spaini & Partners

Lo Studio d’Arte Raffaelli ha il piacere di annunciare la pubblicazione del libro “9NEWYORK”, a cura di Alan Jones.

“9NEWYORK” nasce da una ricerca sui 9 artisti di New York presentati dallo Studio d’Arte Raffaelli: Donald Baechler, Ross Bleckner, David Bowes, James Brown, Ronnie Cutrone,David Salle, Peter Schuyff, Philip Taaffee Terry Winters. Attraverso un saggio introduttivo di Alan Jones e un’appassionante conversazione con Giordano Raffaelli, il libro ripercorre il forte legame intercorso tra la galleria trentina e il movimento artistico dell’East Village degli anni Ottanta.

L’estetica di Donald Baechler, la luce di Ross Bleckner, il lirismo di David Bowes, i molteplici linguaggi di James Brown, il Pop di Ronnie Cutrone, l’eleganza di David Salle, la psichedelia di Schuyff, l’equilibrio di Philip Taaffe e la sensibilità di Terry Winters sono poi singolarmente indagati dall’autore nei loro percorsi artistici.

La presentazione di questa pubblicazione è avvenuta in anteprima ad Arte Fiera a Bologna dall’1 al 5 febbraio 2018, contestualmente a un’esposizione di opere recenti, che ribadisce l’importante ruolo ricoperto dalla galleria nella promozione di questi artisti.

La mostra prosegue in galleria fino al 30 maggio 2018.

Fedele alla propria linea di ricerca e valorizzazione di nuovi talenti, Giudecca 795 propone in permanenza i lavori di alcuni artisti di età media 25 anni, oltre agli artisti con cui collabora ): 

Cecilia Gioria, fotografa - la cui mostra è in programma a Venezia dal 6 al 23 Aprile in contemporanea con la personale "Minime soddisfazioni narcisistiche" su invito di Seravezza Fotografia (Scuderie Granducali), Seravezza (Lucca). 

Il calendario mostre di Giudecca 795 Art Gallery proseguirà a Venezia con:

Jan Mizo, fotografo e illustratore

Marcelle Ottier, multimedia

Gabriella Sciorlo, designer 

Tra le collaborazioni della galleria con alcuni festival e concorsi da citare la partnership con il concorso fotografico One Day In Venezia, alla sua terza edizione. Grand Winner per l'edizione dello scorso anno è Tatiana Lazareva (Russia), la cui mostra personale è in programma a breve.

Federica Schiavo Gallery presenta la prima mostra personale in Italia di Nicholas Byrne. Un artista che, nella pittura, “sembra aver recuperato all’interno della propria opera lo smembramento tipico della rappresentazione propria del Modernismo: un processo evidente nel suo lavoro, mentre elabora una sorta di sistema complesso di presenza e assenza della figura”1.

Gli antichi disegni mostrano pettinesse e gorgiere, strumenti per modificare le proprie sembianze. In alcune rappresentazioni le linee sembrano sudare fino a portare l’immagine fuori registro, in altre, gli stiletti formano archi intorno ai corpi. Ci avviciniamo e ci allontaniamo ripetutamente mentre mettiamo a fuoco l’opera. Si può dire che un’opera tenti di sintetizzare i diversi momenti di osservazione? In una mostra precedente, A Catholic Episode, questo sforzo si è tradotto in forma di lacrime e fiamme, un processo paragonabile all’impresa di imparare a leggere, a quel ripetere continuamente tenendo a mente gli errori. Le opere finite mantengono le tracce del processo di realizzazione e degli strumenti usati: lame e lunghi pennelli.

Tendrils è composto di nove pannelli accostati. Attraverso i punti di congiunzione, linee ondulate procedono dal basso verso l’alto per poi tornare indietro formando un campo molto denso. Il colore rosso sangue che domina attiva un complesso tentativo di connessione tra la mente e la struttura del nostro corpo. Nerve scales, analogo nella sua struttura alle pitture religiose, è un trittico di pannelli in gesso dipinti con tratti nodosi e intricati. È realizzato da vicino con un esercizio simile alla scannerizzazione, da sinistra a destra e viceversa, facendo particolare attenzione a come le singole forme si toccano l’una con l’altra. Un senso di compressione e forza sorge nei nodi muscolari in cui le linee s’incontrano. L’immagine coincide con il linguaggio che costituisce il dipinto.

La serie Fumes è il cuore della mostra, quattro opere su supporti in rame dove gli oli liquidi lavorano in sinergia con le immagini incise sulla superficie. Le due tecniche vivono in prossimità e fermamente separate. Nervi ottici e modelli anatomici s’intrecciano in una vasta gamma di segni gestuali. Come i graffi della pelle, le incisioni irregolari sul rame reagiscono all’ambiente e nel tempo, passando attraverso il nero, si trasformeranno nel verde della Statua della Libertà.

1 Martin Herbert, Nicholas Byrne, Frieze, 2010

Inaugurazione: sabato 24 marzo, ore 19.00-21.30

La galleria Tiziana Di Caro è felice di ospitare la prima mostra personale in una galleria italiana di Shelagh Wakely (Madingley, UK, 1932 – London, UK, 2011), intitolata A different kind of reality. La mostra, curata da Paola Ugolini e organizzata in collaborazione con Richard Saltoun, inaugura sabato 24 marzo 2018, dalle ore 19:00 alle 21:30, in piazzetta Nilo, 7 – Napoli.

Shelagh Wakely è considerata una pioniera dell'installazione, ma la sua pratica include anche la scultura, il disegno, la pittura. La natura, trattata per l'aspetto fenomenologico è al centro della sua ricerca, una ricerca di carattere esplorativo, che la porta all'indagine di aspetti reconditi, ma anche effimeri della realtà, che spesso risultano connessi alla sfera emozionale.

Shelagh Wakely trascorse gran parte della sua adolescenza in Kenya, dove visse con la famiglia per poi rientrare in Inghilterra negli anni Cinquanta. Dopo una breve esperienza di studio legata all'agronomia decise di seguire la sua indole dedicandosi all'arte, studiando pittura e tecniche di stampa su tessuto, per poi approdare alla scultura nel 1972.

La scultura di Shelagh Wakely è essenziale, minimale, resa attraverso volumi sottili che sembrano sfidare la gravità. Questo approccio alla scultura lo ritroviamo sempre nell'intero complesso della sua produzione: i suoi disegni si caratterizzano per il tratto leggero, le sue pitture risultano spesso morbide e rarefatte, così come le sue installazioni.

La mostra A different kind of reality include diverse tipologie di opere pittoriche e disegni realizzate tra il 1973 ed il 1990. L'opera che apre il percorso espositivo è A second Enchantment - Gold, realizzata in collaborazione con l'artista brasiliano Tunga; i due si incontrarono nel 1989 stringendo un'amicizia e un sodalizio artistico molto intensi. Grazie a Tunga, Wakely divenne il punto di riferimento londinese per gli artisti brasiliani presenti in città, e questa fu l'ennesima esperienza di vita che ebbe grande influsso sulla sua produzione. A second Enchantment - Gold è realizzata con la foglia d'oro e rappresenta una sintesi puntuale del percorso di Wakely, in cui la scelta tecnica e formale della rappresentazione è funzionale ed evocativa di un'attitudine quasi lirica, connessa a dimensioni emozionali ancor più che visive. Tra le pitture esposte, Voices del 1985 trasferisce compiutamente l'idea di rendere, attraverso precise tracce visive, quanto invece non è decifrabile attraverso la vista. Così come accade nella serie di opere As yet Unnamed, drawings, in relazione alle quali la stessa artista si pronuncia con un vero e proprio statement: “Nel momento della creazione, la ricerca di ciò che fino a quel momento non ha ancora un nome è ciò che mi interessa”.

La mostra prevede inoltre una selezione di Thread drawings, piccoli disegni in cui la costruzione dell'immagine avviene con il filo, e in fine alcuni lavori della serie Nymphs, stencils da ritagli di giornale che rappresentano forse l'esempio più rarefatto del suo lavoro, tenue e sottile che in tutte le sue manifestazioni sembra presentarsi con cauta leggerezza senza mai perdere intensità e vigore.

Shelagh Wakely (Madingley, UK, 1932 – London, UK, 2011): some encounters with reality, Serpentine Gallery, Londra,1977; towards the inside of a container, ICA, Londra, 1979; the palace was closed on Mondays, the fountains were not playing, Piwna 20/26, uno spazio all’avanguardia gestito da artisti a Varsavia,1980, che ha portato per la prima volta il suo lavoro in un contesto internazionale; if a fan becomes a fountain, John Hansard Gallery, Southampton, 1982; curcuma sul travertino, British School, Roma, 1991; aguadorado, Museu do Acude, Rio de Janeiro, 1993; l’installazione per esterno rainsquare, South London Gallery, 1994; like gold dust, 8 artists working with gold, Angel Row Gallery, Nottingham, 2002; la recente ed esaustiva retrospettiva A View from a Window al Camden Arts Center, Londra, 2014 e il solo show presentato dalla galleria Richard Saltoun di Londra nella sezione Decades della Fiera Miart 2017.

Fino al 31 maggio 2018

Lo Studio Giangaleazzo Visconti il giorno 13 marzo inaugura con diciotto lavori una mostra di Gino De Dominicis. Diciotto ostaggi di un'opera avvolta in un mistero sempre più fitto e di un artista che fu e continua ad essere la "primula rossa" dell'arte italiana.

Una selezione di opere, straordinarie ed enigmatiche allo stesso tempo. Lavori che spaziano dal 1969 agli anni novanta toccando le classiche e originali tematiche della sua poetica.

Prima fra tutti la sua ossessione per la ricerca dell'immortalità che trova nella storia dell'antica Mesopotamia, nei Sumeri in particolare, la fonte d'ispirazione di De Dominicis.

Il mitico eroe sumero Gilgamesh, re di Uruk, si fa alter ego dell'artista che come lui anela all'immortalità. Il profilo di Gilgamesh viene rappresentato insieme ad Urvasi, ninfa indiana resa immortale dalla sua bellezza.

Artista dal linguaggio autonomo e originale, Gino De Dominicis è scomparso nel 1998 e ancora oggi attorno alla sua vita e alla sua morte rimangono numerosi interrogativi.

Studio Giangaleazzo Visconti

c.so Monforte 23, Milano

Orari: da lunedì a venerdì, 10.00 - 13.00; 14.30 – 18.00

A cura di Daniela Palazzoli

DAL 29 MARZO 2018 AL 26 MAGGIO 2018

Inaugura il 28 marzo 2018 presso Osart Gallery, Milano, la collettiva PHOTOSEQUENCES che presenta dieci opere storiche fotografiche realizzate tra il 1969 e il 1979 dagli artisti Vito Acconci, Vincenzo Agnetti, Peter Hutchinson, Duane Michals, Dennis Oppenheim, Gina Pane, Mario Schifano, Aldo Tagliaferro.

La mostra si propone di analizzare il mezzo fotografico in funzione del concetto di sequenza. La sequenza, infatti, oltre ad “animare” l'immagine conferisce all'opera un ritmo narrativo trasformandola, così, in un vero e proprio racconto. Ebbene, gli artisti qui rappresentati, nonostante appartengano a movimenti artistici diversi tra loro, hanno in comune il fatto di aver utilizzato il concetto di foto sequenza per raccontare se stessi, i propri cari, le proprie idee, senza escludere lo spettatore assegnandogli una funzione attiva e non più solo contemplativa.

Peter Hutchinson viene considerato l'artista più rappresentativo della cosiddetta Narrative Art soprattutto per il suo modo innovativo con cui distanziava il rapporto tra fotografia e scrittura. L'opera The Visit (1972), per l'appunto, costruisce il percorso che il nostro cervello può compiere sia quando osserviamo un'immagine sia quando, invece, ci affidiamo al solo percorso guidato dal significato delle parole.

Nelle sequenze fotografiche di Vito Acconci (Margins, 1969), Gina Pane (Je, 1972) e Dennis Oppenheim (2 image transfer drawing, 1975) è evidente il riferimento alla Body Art. Il corpo umano, rappresentato anche nella sua sfera emotiva, diventa la modalità attraverso cui gli artisti studiavano se stessi e gli esseri umani. Infatti, in queste tre opere l'artista è anche protagonista ricoprendo il ruolo di intruso in Je, sottolineando la sua presenza - e al contempo assenza - in Margins, ritraendo la versione passata e futura di se stesso in 2 image transfer drawing.

Guardando al panorama italiano, le opere di Vincenzo Agnetti (Autotelefonata, 1974), Mario Schifano (Polaroids, 1974) e Aldo Tagliaferro (Io ritratto, 1979) affrontano in modo innovativo e dialettico l'inesorabile avanzata dei mass media e la conseguente riflessione psicologica su di sé. Fu proprio nel 1974 che questi tre grandi artisti parteciparono a Fotomedia, presso il Museum am Ostwall di Dortmund, curata da Daniela Palazzoli, grazie alla quale la fotografia concettuale italiana ottenne uno dei primi riconoscimenti nel panorama artistico mondiale.

Il ritratto di Bill Brandt (1973), invece, è un vero e proprio omaggio alla fotografia impersonata da uno dei suoi maggiori protagonisti. La sequenza, costituita da nove immagini disposte circolarmente, rivela la superlativa creatività fotografica che Duane Michals pratica da più di cinquant'anni di lavoro. Per comprenderlo a fondo basta citare due frasi che raccontano la sua idea di fotografia: “ La parola chiave è espressione, né fotografia, né pittura, né scrittura” (...) e “Quando voi guardate le mie fotografie state guardando i miei pensieri.”

Alla base di tutte le opere partecipanti a PHOTOSEQUENCES c'è il volere dell'artista di raccontare attraverso il mezzo fotografico un pensiero, un avvenimento, un sentimento. Ciò alimenta la nostra curiosità e ci invita ad abbandonarci ad un flusso di idee, immagini ed emozioni tutte da scoprire “... cosicché IO partecipi a L'ALTRO” (cit. Gina Pane).

Note biografiche

Vito Acconci (New York, 1940 – New York, 2017)

Vincenzo Agnetti (Milano 1926, - Milano, 1981)

Peter Hutchinson (London,1930)

Duane Michals (McKeesport, Pennysilvania, 1932)

Dennis Oppenheim (Electric City, Washington 1938 – New York, 2011)

Gina Pane (Biarritz, 1939 – Parigi 1990)

Mario Schifano (Homs, Libia 1934 – Roma, 1998)

Aldo Tagliaferro (Legnano, 1936 – Parma, 2009)

Accompagna la mostra un catalogo bilingue con testi critici a cura di Daniela Palazzoli

16 marzo / 10 maggio 2018

Inaugurazione giovedì 15 marzo 2018

La Galleria Clivio è lieta di presentare nel suo spazio espositivo a Milano, in via Foro Buonaparte 48, la mostra personale dell'artista Alessandro Algardi AUFÈRO. La mostra si costituisce con un corpo di opere recenti di grandi dimensioni e due lavori inediti realizzati su plaxiglas che riprendono una serie presentata nei primi anni '90 al Museum of Modern Art di New York e per la prima volta mostrati in Italia.

Come scrive Flaminio Gualdoni, che si è occupato di redigere il testo critico:"  La vasta trilogia recente con cui Alessandro Algardi si presenta riporta all’essenza sovranamente, lucidamente ambigua del suo lavoro. È, primariamente, scrittura in atto, che assume esplicitamente i connotati retorici della forma enunciativa ma per tentarne ancora una volta il punto di contraddizione e dissoluzione [...]"

Alessandro Algardi

a cura di Angel Moya Garcia

Inaugurazione: 22.03.2018 dalle ore 19:00

Date della Mostra: 22.03 - 12.05.2018

La Galleria Eduardo Secci Contemporary di Firenze è lieta di inaugurare, giovedì 22 marzo 2018 dalle ore 19.00 nella sede espositiva di Piazza Goldoni, la mostra personale di Monika Grzymala “Disegno” a cura di Angel Moya Garcia.

La ricerca di Monika Grzymala si focalizza sulle diverse potenzialità della linea e del segno nello spazio tridimensionale attraverso l’utilizzo di materiali come nastro adesivo, carboncino o grandi disegni in rilievo su carta Washi fatta a mano. I lavori installativi, sviluppati per costruire nuovi cosmi e nuove relazioni, riconfigurano radicalmente gli ambienti per cui vengono ideati, mentre i disegni su carta sono delicati, fragili e transitori, ma celano una dirompente materialità. In entrambe le declinazioni, l’energica gestualità dell’artista si avverte nelle linee aggrovigliate che si spandono e disperdono, implodono e curvano, si dilatano e diramano creando un ritmo dinamico, imprevedibile e sospeso.

I titoli delle sue opere contengono sempre il termine tedesco "Raumzeichnung", che potremmo tradurre come "Disegno spaziale", e a seguire tra parentesi un elemento specifico legato al lavoro a cui si riferisce. In questi lavori, le strutture lineari rendono visibili le tracce e i gesti che l’artista abbozza metodicamente e gradualmente e, soprattutto, mettono in relazione le proporzioni del proprio corpo con lo spazio. In ogni lavoro, realizzato senza assistenti e senza nessuna correzione a posteriori, vengono creati interventi solo in parte preventivati. Infatti, partendo da uno schizzo iniziale, il processo può assumere prospettive inaspettate attraverso una modalità di lavoro in cui le accumulazioni di materiali non escludono gli imprevisti o le modifiche istintive che possono verificarsi. I lavori non tentano mai di riempire la stanza quanto piuttosto di trasformarla, di alterare le possibilità percettive ed esperienziali dei visitatori. In questo senso, l'immagine che viene a crearsi non solo viene sperimentata in modo visivo, ma anche fisico poiché le persone possono addentrarsi o attraversare le installazioni, costruite con materiali precari, senza nessuna protezione e libere di essere sensualmente tangibili per ogni individuo.

In mostra, questo processo metodico che non esclude tuttavia i componenti spontanei, si intuisce negli interventi a parete, così come nelle installazioni con nastro e nei lavori su carta che vengono presentati nelle sale della galleria. Una successione di lavori con cui tracciare un disegno spaziale attraverso una prospettiva personale, un'interpretazione soggettiva delle relazioni e una manipolazione del paesaggio che prova a contenerlo.

Sede: Piazza Goldoni, 2 - Firenze

Orari: Lunedì – Sabato 10.00/13.30 – 14.30/19.00