Inaugurazione: venerdì 05 ottobre, ore 18.00

Date: dal 6 al ottobre 2018

…posso dire di aver vissuto nei caffè, che divennero infatti un universo di riferimento della mia pittura fin dall'inizio degli Anni Trenta. Naturalmente conoscevo i dipinti di Toulouse-Lautrec, di Monet e di Renoir; così come conoscevo quelli dei maestri parigini degli Anni Dieci. Però da allora molta acqua era passata sotto i ponti della Senna, come del Naviglio. E si trattava, piuttosto che ripetere il naturalismo dei grandi contemporanei francesi, di ricreare in pittura il caffè, di restituire alla tela un sogno incendiato di colori.......(Aligi Sassu, Un grido di colore, autobiografia, Todaro Editore, Lugano 1998)

Note biografiche

ALIGI SASSU nasce a Milano il 17 luglio 1912, trascorre l'infanzia tra Thiesi e Milano. Date le difficoltà economiche della famiglia, abbandona la scuola per lavorare come apprendista in un'officina litografica e come aiutante di un decoratore murale. Insieme all'amico Bruno Munari, con cui firmerà il manifesto della pittura Dinamismo e riforma muscolare, viene a sapere che Filippo Tommaso Marinetti avrebbe incontrato giovani artisti all'Hotel Corso: si presenta mostrandogli i disegni su Mafarka il futurista, opera di Marinetti stesso. La sera successiva, durante una manifestazione, Marinetti li indica come "due giovani promesse dell'arte italiana" e nel 1928 invita Sassu (appena sedicenne) a mandare due opere alla Biennale di Venezia: Nudo plastico e l'Uomo che si abbevera alla sorgente, opere che saranno notate e recensite dalla critica. Si iscrive nel frattempo ai corsi serale dell'Accademia di Brera, stringendo amicizia con Lucio Fontana, Renato Birolli, Umberto Lilloni e Giacomo Manzù, col quale dividerà lo studio di piazzale Susa. Lasciata l'Accademia per motivi economici, frequenta la Libera Accademia l'Avanguardia Artistica, aperta dal gallerista Barbaroux. Partecipa alla mostra Trentaquattro pittori futuristi alla Galleria Pesaro di Milano (1927), alla collettiva inaugurata presso un dopolavoro in via Piero della Francesca e poi trasferita al ridotto del Teatro degli Arcimboldi su interessamento di Ettore Gianferrari (1929), alla galleria Milano con presentazione di Raffaello Giolli (1930) e alla galleria il Milione nella mostra Opere e studi di artisti lombardi organizzata da Edoardo Persico. Si allontana progressivamente dal Futurismo e, in antitesi con Novecento, inizia un filone primitivista che lo porterà poi alla serie dei Ciclisti e degli Uomini Rossi. 

Nel 1932 espone con Birolli, Cortese, Grosso, Manzù e Tomea alla Galleria del Milione, iniziando a dipingere opere di tema sacro e le Battaglie. Nel 1934 soggiorna a Parigi, dove tornerà anche l'anno successivo, approfondendo lo studio della pittura di stampo classico realista, e accrescendo il suo impegno politico, in particolare antifranchista che lo porterà a dipingere la Fucilazione delle Asturie, sorta di manifesto dell'opposizione europea al fascismo. Inizia a dipingere i caffè, ispirati alla catena Chez Dupont appena inaugurata. Tornato in Italia frequenta Birolli, De Grada, Guttuso, Migneco, Mucchi: nasce tra di loro un clima particolari che darà vita qualche anno dopo al movimento intellettuale di Corrente. Ma è la sua attiva partecipazione ad azioni di disturbo e alla diffusione di stampa clandestina, che lo porterà ad essere arrestato dall'OVRA nel 1937. Accusato di complotto e sovvertimento dell'ordine di Stato, viene condannato a dieci anni di reclusione. Dopo i primi sei mesi di isolamento, solo quando viene trasferito nel carcere di Fossano gli viene concesso di disegnare: nascono più di quattrocento disegni, in gran parte ritratti di detenuti e disegni mitologici, ma anche la serie della Morte di Cesare, metafora della fine del fascismo. Nel 1938 grazie alle pressioni politiche del padre Antonio, di Marinetti e del dottor Veratti, riceve la grazia dal Re e vivrà come soervgliato speciale fino al 1940. Continua comunque a dipingere opere di opposizione come Spagna 1937, La morte di Cesare e diverse Crocefissioni. Nel 1941 allestisce una personale nella Bottega di Corrente, dove espone per la prima volta gli Uomini rossi. Soggiorna ad Albisola dedicandosi all'attività di ceramista, e sposa Fernanda, da cui ha la figlia Maria Antonietta. Nel 1944 inizia il ciclo delle Maison Tellier, ispirate all'omonima novella di Guy de Monpassant, ma è un periodo di grande sofferenza: perde, a causa di una meningite, l'adorata figlia e solo qualche mese più tardi assiste in prima fila alla fucilazione di Martiri di Piazzale Loreto. In soli due giorni, riutilizzando una tela su cui aveva già finito un Ciclista, dipinge l'opera omonima. Entra in una profonda crisi, da cui uscirà grazie all'intenso lavoro e alla sperimentazione di nuove tecniche, in particolare lavorando prima a Castel Cabiaglio e poi ad Albisola alla ceramica.

Nel 1948 espone per la terza volta alla Biennale di Venezia, dove tornerà anche nel 1954, nel 1956, e negli anni successivi allestisce personali a Genova, Losanna, Madrid, Nizza, Stoccolma, Parigi e Lugano. Partecipa inoltre alla Quadriennale di Roma nel 1959, alla XII Triennale di Milano e alla mostra storica di Corrente da Gianferrari nel 1960. Nel 1964 apre uno studio a Mallorca, iniziando quella che Dino Buzzati chiamerà la sua nuova giovinezza, grazie anche alla sua nuova compagna di vita, la soprano colombiana Helenita. Nel 1973 si dedica a scene e costumi dei Vespri siciliani per la riapertura del Teatro Regio a Torino e si inaugura in Vaticano la Galleria d'Arte Moderna, dove gli viene dedicata una sala.
Segue un'attività espositiva ricca di impegni e di riconoscimenti, tra cui si segnalano le antologiche di Cagliari nel 1967; a Palazzo Diamanti di Ferrara, a Castel Sant'Angelo a Roma e a Palazzo Reale a Milano nel 1984; a Monaco di Baviera e al Castello di Rivoli nel 1987, a Palau Robert di Barcellona nel 1989 e a Palazzo Bandera di Busto Arsizio nel 1991. Altre esposizioni avvengono in quel periodo a Siviglia e in Germania, l'anno dopo a Madrid e in Canada dove una mostra itinerante sui Promessi sposi viene presentata a Toronto, Montreal e Ottawa. Nel 1986 espone a Palma di Mallorca, alla XI Quadriennale di Roma, alla Triennale di Milano e alla Casa del Mantegna a Mantova. Completa le centotredici tavole sulla Divina commedia, tre delle quali vengono acquistate dal Museo Puskin di Mosca. A Monaco di Baviera, viene inoltre allestita una grande antologica con opere dal 1927 al 1985. Nel 1992, ottanta dipinti celebrano gli ottanta anni del Maestro con antologiche a San Paolo, Bogotà e Buenos Aires. Nel 1993 inaugura I Miti del Mediterraneo, grande murale in ceramica per la sede del Parlamento Europeo a Bruxelles, e l'anno successivo esegue la cartella di incisioni Manuscriptum, commissionata dall'Armand Hammer Foundation di Los Angeles in occasione della mostra itinerante "I ponti di Leonardo".
Nel 1995 la Galleria d'Arte Moderna e Contemporanea di Bergamo ospita la personale Sassu. Dal 1930 a Corrente, nel 1999 viene presentata un'ampia antologica a Palazzo Strozzi a Firenze, mentre la città di Lugano organizza Sassu Futurista (1999), Sassu primitivista (2000), Sassu e gli uomini rossi (2001), Maison Tellier (2008) presso il Museo Civico di Belle Arti. Nel 2008 una grande antologica dal titolo Aligi Sassu: dal mito alla realtà. Dipinti degli Anni Trenta viene ospitata a Palazzo Reale a Milano.
Aligi Sassu muore la sera del suo ottantottesimo compleanno, il 17 luglio 2000, nella sua casa di Can Marimon a Pollença.

GIAMPIERO BIASUTTI

Studio d’arte per il ‘900

Via della Rocca,10 – 10123 Torino

Tel. e Fax 011 83 90 690

Orario: dal martedì al sabato,

ore 10,30-12,30; 15,30-19,30              

SGUARDI AL NOVECENTO

28.09 - 27.10.2018

Inaugurazione: Giovedì 27 settembre 2018, ore 18.30

Dopo una stagione espositiva dedicata all’arte astratta e alla gestualità al centro del processo creativo, la mostra ‘Sguardi al Novecento’ segna un ritorno al figurativo, concentrandosi su alcuni artisti che hanno segnato un momento straordinario nella storia dell’arte.

Inserendosi nel clima del “ritorno all’ordine” che segna il terzo e quarto decennio del XX secolo dell’arte italiana, le pennellate decise dei paesaggi di Carrà verranno messe a confronto con quelle dei luoghi dal sapore metafisico di De Chirico, le nature morte dai colori vibranti di de Pisis con le composizioni uniche di Severini.

Vernissage:SABATO 6 OTTOBRE 2018, dalle ore 18 alle 21

Periodo: 7 Ottobre – 10 Novembre 2018

Catalogo: con testo critico bilingue a cura di Alessandra Redaelli, Edizioni PUNTO SULL’ARTE

La solitudine, la riflessione sull’identità e l’indagine intorno allo spazio che occupiamo nel mondo sono al centro della doppia personale SOLILOQUIO- VERNISSAGE 6 OTTOBRE H 18-21. Protagonisti, due degli artisti più amati dal pubblico di PUNTO SULL’ARTE, entrambi stranieri: il pittore cileno FEDERICO INFANTEe lo scultore svedese JOHANNES NIELSEN.

Rispetto alla sua mostra precedente, Infante sembra qui aver portato all’estremo la dicotomia tra la figura centrale dell’opera e lo spazio che la circonda. Gli sfondi, infatti - realizzati con un’originale tecnica profondamente istintiva - vanno facendosi più e più incerti, talvolta attraversati da segni astratti dall’andamento circolare, mentre le figure si cristallizzano in una visione dettagliata, ben definita, caratterizzandosi addirittura nei particolari dell’abbigliamento. Resta intatto il senso latente della solitudine, della malinconia, sia nelle figure che si allontanano di spalle, sia in quelle che si pongono frontali, assertive, ma che ci negano lo sguardo abbassandolo o nascondendolo dietro occhiali da sole. Anche Nielsen porta in mostra l’evoluzione più recente del suo lavoro, che dall’indagine sull’uomo va spostandosi verso l’esperienza del corpo. Le sue figure esili, di suggestione giacomettiana, vanno spezzandosi e ricomponendosi in giochi spaziali che ricordano le sperimentazioni di Antony Gormley. Ecco allora le figure crivellate di buchi, che rivelano parti mancanti come se fossero state cancellate con un tratto di gomma; divise in due per il lungo come metà separate da un colpo di spada. O ancora spezzate e ricongiunte al contrario, due metà in contrasto come Dr. Jekyll e Mr. Hyde, oppure un individuo spezzato nell’incessante ricerca della sua identità e del suo ruolo nel mondo.

JOHANNES NIELSEN nasce nel 1979 a Falkenberg (Svezia). Dopo aver frequentato la Scuola d’Arte di Lund, si trasferisce a Dublino nel 2003, dove assume il ruolo di assistente del famoso scultore Patrick O’Reilly, grazie al qualeaffinerà la sua pratica scultorea. Le sue sculture sono opere leggere e filiformi caratterizzate da un minimalismo estetico che trasmette essenzialità e movimento. I suoi modelli d’eccezione sono gli alberi, dalle cui forme prende ispirazione per plasmare la vita, le braccia e le gambe dei suoi soggetti. Il risultato sono figure stilizzate, in perfetta mimesi figurale con la natura, che ricordano atmosfere cariche di suggestioni, tese a ricordarci che tutto è unicamente e inevitabilmente temporaneo. Ha partecipato a numerose fiere e mostre nei paesi scandinavi e in Asia. I suoi lavori fanno parte di numerose collezioni pubbliche e private in Svezia, Italia, Londra, Singapore, Hong Kong, Pechino, Kaliningrad, Hollywood, New York e Montreal. Vive e lavora a Pechino (Cina) dal 2007.

FEDERICO INFANTE nasce nel 1982 a Santiago (Cile) dove frequenta la Finis Terrae University. In seguito si traferisce a New York per seguire i corsi della School of Visual Art.Cresciuto a stretto contatto con il paesaggio cileno, ha sviluppato fin da giovanissimo un forte senso di contemplazione. Ogni suo dipinto segue un personale processo d’intuizione creativa: inizia con l’atto metodico ed espressivo di ricoprire la tela con diversi strati di pittura, graffiandola e ripetendo questo processo molte volte. Solo in seguito inizia a visualizzare le situazioni, i paesaggi e i punti di luce all’interno della tela cercando un’atmosfera suggestiva e fertile per l’elemento figurativo del dipinto. Ha realizzato numerose mostre personali e collettive di successo negli Stati Uniti, in Cile e in Italia. Il suo lavoro fa parte di collezioni private negli Stati Uniti, in Europa (tra cui Francia, Belgio, Germania e Italia), in Arabia Saudita e a Singapore. Nel 2015 ha illustrato l’Edizione di “Lolita” di Vladimir Nabokov pubblicata da The Folio Society.Vive e lavora a Richmond (Virginia - USA).

Luogo:

PUNTO SULL’ARTE, Viale Sant’Antonio 59/61, Varese

0332 320990 |  

Orari:

Martedì - Sabato: h 10-13 e 15-19

Domenica h 15-19

Stephen Rosenthal

Islands, Archipelagoes, Constellations

works on canvas and paper 2006-2018

P420 è felice di annunciare la prima mostra personale in galleria del pittore americano Stephen Rosenthal (Washington D.C., 1935) e l’inizio della collaborazione con l’artista.

La mostra, articolata su entrambe le sale della galleria, presenta gli ultimi due cicli pittorici dell’artista, sviluppati nell’ultima quindicina d’anni. Attivo già dalla fine degli anni ’60,  dopo quasi un cinquantennio di ricerca sul fare pittura, con gli ultimi lavori Rosenthal raggiunge risultati di riduzione e astrazione unici e non convenzionali.

Nella prima sala è presentato un ciclo di opere formato apparentemente da monocromi bianchi. Si tratta in realtà di pitture discrete ed elaborate, prevalentemente chiare, di un biancore quasi trasognato. Bagliori dai quali emergono piccoli segni, eventi, suggestioni, ricordi di qualcosa che si perde nella luce del tempo.

Nella seconda sala sono esposti i lavori più recenti di Rosenthal, realizzati negli ultimi dieci anni. Non è quello che il pittore mette nel dipinto a produrre il risultato. Quello che infatti Rosenthal dipinge su tela fa più parte della preparazione che della realizzazione dell’opera. L’atto del dipingere è solo la prima fase.

Barnett Newman diceva “Un artista dipinge per avere qualcosa da guardare”. Il mondo è già pieno di immagini, non ci sarebbe bisogno di aggiungerne altre, ma l’immagine che l’artista vuole vedere non è tra quelle che si presentano alla vista. Per usare le parole di Barry Schwabsky, autore del testo critico che accompagna la mostra, per cominciare a fare spazio al dipinto che vuole vedere, Stephen Rosenthal deve cancellare ciò che ha già visto.

Utilizzando stracci e solventi, con un fare lento, meditativo, creativo, Rosenthal rimuove la sua stessa pittura e cancella ogni riconoscibilità al dipinto. Con un procedimento che può durare mesi, l’artista realizza quello che Samuel Beckett chiamava Lessness. Si tratta di uno strano stato in cui l'assenza o l'intangibilità sembrano in qualche modo diventare qualità percepibili in senso positivo.

Rosenthal cancella ma non elimina tutto. La mano dell’artista lascia sopravvivere cenni di colore, ricordi di segni, grumi di pittura, lisciati e arrotondati da un solvente che non è riuscito a eliminarne ogni traccia. Macchie, sbavature, elementi che tendono a essere il più possibile sfuggenti e allo stesso tempo tangibili nel senso più letterale del termine. Eventi. Sbiaditi ricordi.

Ciò che vediamo nelle pitture di Rosenthal, in perfetto equilibrio tra volontà e casualità, non è ciò che egli ha dipinto, ma quello che è rimasto, che è sopravvissuto ad un lungo processo di erosione.

 “Sono costellazioni” dice lo stesso Rosenthal, “ma non necessariamente stelle”.

Stephen Rosenthal, già attivo a New York dalla seconda metà degli anni '60, ha esplorato fin dall'inizio un'indagine di riduzione della pittura attraverso una ricerca del lavoro realizzato su tele sprovviste di telaio, fino agli ultimi Microcosmidel periodo recente. Ha avuto mostre personali sin dagli anni ‘70 alla John Weber Gallery, New York; Art & Project, Amsterdam; Daniel Templon, Parigi. Ha esposto allo Stedelijk Museum, Amsterdam; alla Kunsthalle, Basel; PS1, New York; La Jolla Museum of Contemporary Art, California; Städtisches Museum, Leverkusen; Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris; Institute of Contemporary Art, Philadelphia per citarne alcuni. Sue opere sono nelle collezioni permanenti del MoMA, New York; Stedelijk Museum, Amsterdam; Museum of Contemporary Art, San Diego; Herbert Johnson Museum of Art, Ithaca; Albright-Knox Art Gallery, Buffalo; Aldrich Museum of Contemporary Art, Ridgefield e nella collezione Vogel, New York.

E’ in corso di preparazione una monografia con testi inediti di Barry Schwabsky e Davide Ferri    

Opening: martedì 25 settembre 2018

Fino al 26 ottobre 2018

Officine Saffi è lieta di inaugurare la stagione espositiva con la prima mostra personale in galleria di Irina Razumovskaya.

Irina Razumovskaya nasce a Leningrado, in URSS, nel 1990. Pur se troppo giovane per appartenere alla generazione della Ostalgia, la ventisettenne scultrice sembra subirne un fascino discreto. L’attrazione per una bellezza non comune, per l’inatteso, la portano a descrivere nelle sue opere i profili essenziali di oggetti domestici, di parti di macchinari, o ancora dettagli di edifici con tutte le loro possibili sfumature di granulosità. Nella sua prima personale milanese intitolata Inner Geometry, Irina Razumovskaya presenta un corpus di nuovi lavori in ceramica che arricchiscono la sua riflessione sul tema del deperimento della materia, cercando di far emergere i sottili legami emozionali che pervadono la sua pratica artistica volutamente anti narrativa. «Sperimento molto con le superfici - dice l’artista - nell’intento di riprodurre l’invecchiamento delle strutture architettoniche, evocando la sensazione di strati di vernice scrostata o della pietra che si sgretola lentamente».

Proprio per rafforzare il legame concettuale con l’architettura, sperimenta materiali per lei nuovi come il cemento; nella serie Construct combina forme in ceramica sabbiata con superfici in calcestruzzo, creando una tavolozza monocroma di grigio. In questo lavoro riecheggia l’intima impressione che si può avere di un paesaggio urbano «quando questo muta in un'esperienza tangibile grazie alla stratificazione di dettagli e sfumature».

Con Inner Geometry, Irina Razumovskaya colleziona immaginari reperti provenienti da oniriche rovine contemporanee, edificate su visione di forme e simboli inconsci, ribadendo così la sua ferma convinzione che il lirismo consista più nel celare che nello svelare e che l’arte trovi la sua massima espressione “tra le linee” di una poesia, tra le crepe della ceramica, nel mistero, nel suo pieno senso etimologico di ciò che non deve - o non dovrebbe - essere rilevato.*

*Estratto dal testo critico di Fabrizio Meris

IRINA RAZUMOVSKAYA

Irina Razumovskaya nasce nel 1990 a Leningrado, URSS (poi San Pietroburgo). All'età di cinque anni entra nella Kustodiev Art School e da allora non ha mai smesso di dedicarsi all'arte. Nel 2008 si iscrive al dipartimento di Fine Art Ceramic and Glass della State Academy of Art and Design e partecipa all’Hermitage Museum Lecture Art Program. Irina si diploma al prestigioso Royal College of Art di Londra nel 2017 e nel frattempo ha vinto diverse residenze in Cina, Germania, Spagna, Svizzera, USA, Ungheria e Taiwan. Irina è rappresentata da diverse gallerie internazionali e le sue opere sono esposte al Design Museum di Londra in occasione del Loewe Craft Prize 2018, a Chatsworth House, all’Yingge Ceramics Museum di Taiwan e all’Icheon World Ceramic Center in Corea e presso il Modern Art Museum di Yerevan, Armenia.

OFFICINE SAFFI

Officine Saffi è un centro di ricerca specializzato nella ceramica contemporanea. Il progetto comprende la Galleria che organizza e promuove mostre personali e collettive di artisti contemporanei e maestri del passato. Il Laboratorio dove vengono organizzati corsi e workshop, oltre ad accogliere produzioni di artisti e designer, le Residenze d’artista e la Casa Editrice che pubblica cataloghi d’arte e la rivista trimestrale Fragile. Completa il progetto il concorso biennale Open to Art, dedicato alla ceramica contemporanea d'arte e di design.

Dal 15 al 29 settembre 2018, la Galleria Biasutti & Biasutti presenta nelle proprie sale espositive una mostra dedicata a Maurizio Rosati (Torino, 1946), cronista fotografo, come lo definisce Giorgio Levi, nel testo di presentazione della mostra. Venti scatti in bianco e nero illustrano la città di Torino, tra la metà degli anni Settanta e l'inizio degli anni Ottanta, fissando sulla pellicola i luoghi più conosciuti, come la vecchia Stazione del Lingotto, o i Murazzi, ed altri meno riconoscibili, perchè trasformati inevitabilmente dal tempo. Questa rassegna ci riporta ad osservare la Torino di quegli anni con nostalgia, e come aggiunge Levi:" la Torino che allora avevamo davanti agli occhi, in quegli anni di piombo, senza riuscire a vederla e forse a capirla". L'esposizione, avendo intento benefico, andrà a sostenere la Fondazione La Stampa - Specchio dei tempi, che da 70 anni aiuta le persone in difficoltà: dalla ricostruzione delle scuole dopo i terremoti, alla ristrutturazione di ambulatori ed ospedali, a Torino e nei paesi più poveri del mondo. Sostiene la ricerca contro il cancro e finanzia progetti per la salute e la formazione dei ragazzi.

Preview | 7 Settembre 2018 _ ore 18:00

Date | 8 Settembre - 13 Ottobre / 2018

Orari mostra |Lunedì-Sabato / 10:00–13:30 & 14:30–19:00

La Galleria Eduardo Secci è lieta di inaugurare, Venerdì 7 Settembre 2018 dalle ore 18.00 nella sede espositiva di Piazza Goldoni, la mostra personale di Paolo Grassino a cura di LórándHegyi.

Le sale della Galleria Eduardo Secci ospiteranno tre grandi opere, due delle quali site-specific e completamente inedite; ognuna caratterizza da un soggetto differente, ma ricorrente, nella tematica di Grassino: gli insetti, l’uomo e gli animali, uniti tutti da un unico fil-rouge: quello della crudeltà della condizione dell’esistenza.

La prima sala ospiterà l’installazione Per sedurre gli insetti, realizzata con cavi elettrici e ferro. In questa istallazione site-specific del tutto inedita, la dinamicità brutale che trasmette l’opera è dovuta all’articolazione disordinata di fili di ferro, annodati in un nucleo centrale di bozzoli scuri “abitati” da insetti che, attirati dalla luce del lume, sono inevitabilmente condannati a morte. L’installazione si fa materia della metafora della società attuale, in bilico tra precarietà e indifferenza.

La seconda sala ospiterà Serie Zero che vede come protagonista l’uomo rappresentato come un guscio, svuotato della sua identità e del suo corpo. Il vuoto, tuttavia, contiene in sé una metamorfosi, un rinnovamento che si manifesta con una ramificazione che si apre nello spazio verso lo spettatore. Grassino sembra voler riprendere in chiave contemporanea Le Metamorfosi di Ovidio e, in particolare, il mito di Dafne, la ninfa che si trasforma in alloro per sfuggire ad Apollo.

Tumulto è il titolo dell’installazione della terza sala (anch’essa verrà presentata in una forma inedita e mai vista prima) è un’opera che riprende uno dei temi ricorrenti di Paolo Grassino: come per Analgesia, il soggetto della rappresentazione è un branco di cani neri. Il cane, compagno dell’uomo, ha perso i sensi ed è rappresentato senza orecchie, senza coda e senza alcun tratto distintivo, tale da ritornare ad una condizione larvale e primitiva dove l’istinto prevale sulla ragione.

Da molti anni l’impegno dell’artista Paolo Grassino è teso a evidenziare, approfondire e propagare senza compromessi il messaggio poetico insito negli strati di significato immaginari, evocativi, connotativi, delle sue espressioni plastiche. La percezione delle realizzazioni scultoree con la loro sistemazione di stampo drammaturgico suggerisce inoltre una narrazione immaginativa enigmatica, estremamente densa, spesso cupa, che tocca il fruitore nel suo profondo. Questa narrazione magica, incantata, enigmatica, patetico-drammatica e al contempo intrigante e sconcertante, dai toni quasi fiabeschi, si apre ai nostri occhi in modo improvviso e sorprendente, veemente, irresistibile, naturale, ma ugualmente inquietante, inspiegabile, misterioso. Questo divenire sensuale e concreto, immediatamente percettibile, custodisce un segreto enigmatico, poiché le forze interne, che muovono le figure, collegandole o mettendole in conflitto, continuano a essere recondite e invisibili.

La riflessione sulla condizione umana è uno dei concetti da cui prendono forma i suoi lavori ed è il fattore chiave che permette di instaurare un dialogo tra l’opera e il fruitore. La suggestione e la carica emotiva che trasmettono le sue opere si devono alla loro dimensione drammatica e inquietante che inducono lo spettatore a volersi relazionare con la scultura per comprenderne l’intensità e farsi carico di uno spettacolo intriso di malinconia. L’impatto con l’opera, infatti, suscita una molteplicità di sensazioni fino a tessere una trama narrativa dalle note drammatiche, tetre, toccanti e selvagge che incontrano l’Io più profondo di chi osserva.

L’osservatore si rapporta dunque a un episodio misterioso, enigmatico, bizzarro, esterno e inspiegabile, che però racchiude in sé un denso groviglio dalle connotazioni talmente emozionali e così ricco di associazioni, che l’intera scena plastica con la sua fisicità forte, quasi monumentale, con la sua accentuata materialità, il suo dinamismo, la sua sensualità e la sua schiacciante espressività, sembra essere qualcosa di noto, di quasi naturale, qualcosa che proviene dalla nostra interiorità. L’insieme di questi gruppi scultorei trasporta un’atmosfera eccessiva, psichedelica, e parallelamente una realtà magica, incantata, improbabile, che si propone però ugualmente come realtà esistente, tangibile, immediata. Quest’ambiguità colma l’operato di Paolo Grassino di un’indeterminatezza poetica, di un’incertezza, che provoca a sua volta un’insicurezza destabilizzante ed evoca qualcosa di invisibile, di inafferrabile, di mistico, che non possiamo allontanare da noi stessi, poiché vive nel nostro profondo.

Paolo Grassino è nato a Torino nel 1967, dove vive a lavora. Recenti mostre personali includono: Paolo Grassino & Luigi Mainolfi, Casa Fiat de Cultura, Belo Orizonte, Brasile; Analgaesia, Museo d’Arte Contemporanea, Castello di Rivara, Torino; Magazzinoscuro, MAC | Museo d’Arte Contemporanea, Lissone, Milano (2015); Ciò che resta, a cura di Daniele Capra, Marco Meneguzzo, Eduardo Secci Contemporary, Firenze (2014); Percorso in tre atti, Museo Pecci, Milano (2013); La oscuridad en la luz, IIC|Istituto Italiano di Cultura, Palacio de Abrantes, Madrid (2013); Atmosphere, Paolo Grassino e Pierluigi Pusole, Fondazione 107, Torino (2012); 2000… 201, Castello di Rivalta, Torino (2010); Contaminazioni, Pinacoteca Albertina, Torino (2010). Recenti mostre collettive includono: SPSI Art Museum, Shanghai a cura di IGAV (2015); Arti alle corti, Palazzo Cisterna, Torino (2015); 1985-2015, Museo d’arte italiana, Centro d’arte contemporanea, Castello di Rivara, Torino (2015); Icastica, Arezzo (2015); Il collasso dell’entropia, MAC|Museo d’Arte Contemporanea, Lissone, Milano (2014); Il giardino segreto, a cura di Lia De Venere, Castello Svevo, Bari (2013); Nelle terre di Piero. Omaggio a Manzoni, Palazzo Barbò, Torre Pallavicina, Bergamo (2012); Rewritingworlds. 4°, Moscow Biennale of Contemporary Art, Mosca (2011).

Ufficio Stampa

Ottavia Sartini

T. (+39) 055 661356

 OPENING: SEPTEMBER 20, 6-9 PM

DATES: SEPTEMBER 21 – NOVEMBER 8, 2018
FEDERICA SCHIAVO GALLERY MILANO
VIA MICHELE BAROZZI 6, 20122 (MI)
TUE – SAT, 12-7 PM

Federica Schiavo Gallery presenta Palookaville, personale dell’artista americano Todd Norsten in galleria. Il titolo è tratto da una citazione di Terry Malloy, interpretato da Marlon Brando, nel film On the Waterfrond (1954). Il protagonista, che combatte per l’emancipazione dei lavoratori, lamenta di aver ottenuto un misero biglietto di sola andata per Palookaville, luogo dove approdano coloro che lavorano con dedizione una volta che il sistema li ha consumati. Palookavile, termine informale che si diffonde negli anni Cinquanta in Nord America, indica infatti un’immaginaria città patria dei mediocri e degli incompetenti.

Durante i suoi innumerevoli viaggi, Todd Norsten nutre un archivio fotografico di segni trovati: cartelli stradali e informativi, insegne, loghi e graffiti. Li considera esempi anonimi di inconsapevole maestria e indicatori del bisogno viscerale di comunicare, che porta l’uomo a produrre costantemente immagini e parole. Trova sorprendente quanto intimi possano essere i messaggi scritti a mano negli spazi pubblici, in un mondo in cui la cui comunicazione è per lo più digitale.

 L’artista si appropria di queste tracce trovate, le rimuove dal contesto originario e le priva del loro significato letterale e della loro funzione. Questo processo di rielaborazione concettuale è legato a doppio filo con l’abilità tecnica di Norsten e la sua approfondita conoscenza della storia dell’arte. Il risultato è un corpus di dipinti in cui coesistono la sintesi della Minimal Art, l’appropriazionismo della Pop Art e l’illusione del trompe-l’oeil.

 Il mondo è allo stesso tempo una meraviglia da ammirare e un incubo dal quale nascondersi. La pittura è il modo più umano per osservare questo paradosso.

 Vorrei aggiungere che i miei quadri non sono ciò che sembrano ad un primo sguardo. Vorrei che chi li osserva noti il modo in cui sono dipinti e il modo in cui viene trattata la pittura e che questa osservazione permetta alle opere di esplicitarsi progressivamente nel tempo.

 Molte volte i dipinti nascono dalle mie fotografie, che spesso documentano il fondamentale bisogno umano di esprimersi. Negli Stati Uniti personalizzare t-shirt, bumper sticker o tazze da caffè con i propri simboli costituisce un mezzo d’espressione comune, tra la gente. Mi interessa più la necessità di esprimersi, rispetto a ciò che si esprime. Questo impulso è lo stesso dei nostri antenati che decoravano le caverne: per me è ciò che ci rende umani.

Todd Norsten

Vernissage: sabato 15 settembre, dalle 16.30

Fino al 12 ottobre 2018

La galleria Colossi Arte Contemporanea apre la stagione autunnale con la mostra personale dedicata all’artista milanese Daniela Forcella -Bellano (Lc), 1959- dal titolo Luoghi dell’anima. In esposizione, un’ampia selezione di lavori che offre un saggio esaustivo dell’evoluzione della ricerca estetica dell’artista che trova, nella forma simbolica del cuore, pulsante di vita, un’icona universalmente riconoscibile il fulcro sul quale si incentra la sua poetica, già dalla prima esposizione alla quale è stata invitata a partecipare nel 2007, l’evento benefico a favore delle iniziative dell’Unicef, svoltosi alla Triennale di Milano e conclusosi con un’asta da Sotheby’s.

Dopo il successo della personale Cartografie, allestita all’interno della Biblioteca del Temenza, sede del Centro Studi e Documentazione della Cultura Armena, storica sede del Padiglione Armenia, nel contesto della 57° Biennale di Venezia, nel 2017, le opere appartenenti al filone espressivo dal quale prende il titolo la mostra, che rappresenta il culmine della sua maturazione spirituale e stilistica, approdano a Brescia, nella sede della galleria Colossi, in Corsia del Gambero, nel cuore del centro storico della città.

In queste opere, l’artista opera una trasformazione allegorica della materia, lavorando per sottrazione e scavando, sulla superficie monocroma bianca o nera di sezioni tridimensionali di legno, una mappa esistenziale che ricorda i rilievi altimetrici degli altipiani, la incide con profondi solchi, dislivelli plastici, metafora dei profondi segni lasciati dalle esperienza esistenziali, dalle circostanze della vita nello spirito dell’uomo. Si crea così, una “stratigrafia” emozionale conformata in bassorilievi che si evolvono con un andamento concavo o convesso andando a definire la forma di cuori concatenati tra loro, tracciati dalle linee che definiscono il corpo delle curve di livello. Se illuminate con la luce di wood, queste opere rivelano, all’omino rosso palpitante, il viaggiatore, posto al centro delle fratture che suddividono la superficie in quattro sezioni, o in Frames, che bloccano un istante del percorso, la giusta via da seguire. Dal progressivo stratificarsi di segni ondulati incisi nella materia, emergono percorsi luminosi a forma di cuore oppure dall’andamento ondulato simile all’alveo di un fiume; essi costituiscono i segni strutturanti che rappresentano il sostrato costitutivo della realtà, le linee guida, vibranti di molteplici sfumature cromatiche luminescenti (il ciclo di lavori The Traveller, 2017), l’essenziale che prima era invisibile agli occhi. L’omino diventa metafora dell’umanità in cerca di risposte sui misteri dell’universo e della vita, alla quale Daniela Forcella mostra, con le sue opere, un bagliore di verità, come dimostra la sua partecipazione alla mostra Black Light Art. La luce che colora il buio, presso il Palazzo della Regione Lombardia di Milano, nel 2017. Questi tracciati luminosi rivelano l’essenza aristotelica, formatasi attraverso gli stadi di evoluzione della materia, durante la formazione della mappatura altimetrica dei solchi, metafora delle trasformazioni subite dallo spirito nel corso della vita. La luce, infatti, ha un valore simbolico di origine ancestrale, come fulcro della vita sulla terra, dal cristianesimo alle dottrine esoteriche, per arrivare alla filosofia aristotelica, secondo la quale essa è alla base dell’essere fisico animato e inanimato. Nei precedenti lavori dell’artista, la luce, come elemento primigenio, era una caratteristica intrinseca ad ogni singolo modulo strutturale che andava a formare la complessa architettura dei suoi lavori: il cuore di resina. All’interno di ognuna di queste miniature, prendono vita piccoli microcosmi in via di formazione, composti da frammenti in foglia oro, polveri luminescenti, pigmenti diluiti. Se, precedentemente, i cuori venivano sottoposti ad una ripetizione seriale di forme e colori in stile neo-Pop, come feticci plastificati del sentimento, impilati in teche su vecchie molle di materasso, oppure accanto a piccole sfere di vetro (Red e Blue Hearts’Game, 2015) che ricordano le biglie della nostra infanzia, attraverso un processo di purificazione formale, con le Cartografie essi diventano la rappresentazione icastica del processo di interiorizzazione dei ricordi. Ma, da sempre, essi rappresentano, comunque, il fulcro del nostro organismo, anche se soggetti alla mercificazione, anche se trasformati in prodotti del consumismo di massa dilagante ed esposti, nella loro versione plastificata, in teche, a comporre un “formulario di simboli universalmente leggibile”, come sostiene Alan Jones, nell’intervento critico della monografia, a cura di Viviana Lavinia Algeri, edita da Peruzzo Editore, dal titolo In viaggio che è disponibile in mostra. L’universo espressivo dell’artista oscilla quindi tra un immaginario ipertrofico e plastificato in stile neo-Pop che tende a fare dell’icona universale del cuore una riproduzione simbolica massificata, alle pratiche conservative e predatorie del Nouveau Réalisme, dove i cuori in resina vengono accatastati come preziosi cimeli accumulati nel corso di una vita in preziosi scrigni di plexiglass (Girls’s Dream Box, 2015), come avviene nelle Poubelles di Arman. Altre volte un cuore in schiuma poliuretanica viene esposto nell’atmosfera neutrale e atemporale di una teca da museo che smorza tutta la sua vitalità di organo pulsante di vita, come avviene nelle bacheche di Hirst (Nirvana, 2014). Ancora una volta, come avviene nelle Cartografie, è la luce, proveniente dalla base specchiante, a riportarne in vita l’essenza. Le sue rifrazioni sul cuore vengono colte da uno scatto fotografico che, inserito sulla superficie di un light box retroilluminato (Pulsation, 2017), proietta in una dimensione futuribile questa aura luminosa, espandendo la sua rifrazione all’infinito. Nella dinamica tra reale e artificiale, ancora una volta l’artista indica allo spettatore la via giusta per ritrovare la verità, soffocata dalle innumerevoli sollecitazioni visive che il linguaggio massmediatico veicola, come il cuore ibernato nel ghiaccio riprodotto con il metacrilato (Love gate, 2015). In una performance svoltasi in occasione del Fuorisalone, nel 2013, gli spettatori prelevavano brandelli di questo ghiaccio in cui era immerso un grande cuore in resina che l’ultimo fortunato riusciva ad accaparrarsi. Ritroviamo la stessa “natura plastificata” di questo organo vitale conservato sotto teca o ibernato, in ognuna delle piccole sculture in resina che l’artista ingloba in una colata di metacrilato trasparente (Body Fluid, 2015), nell’artificiosità della plastica, partendo da una profonda indagine sulla sedimentazione dei sentimenti e sulla loro rappresentazione in forme schematiche nella società contemporanea; il risultato è l’affastellarsi di piccoli elementi costruttivi, applicati anche sulla superficie esterna di cubi di plexiglass specchiante, impilati e ripetuti nei colori e nelle forme con una modularità aritmetica (Light Wall, Mirror Tower e Little Tower, 2015), come avviene nelle teche di plexiglass, ma sovrapposti e sfasati in sequenze strutturali di pixel ingigantiti, aperti su una nuova dimensione. La ricerca concettuale dell’artista l’ha portata a creare le nuove forme archetipiche della società multimediale che verranno sedimentate nella memoria dei posteri in una sequenza simbolica di cuori, come fossero piccole “emoticons” in un messaggio digitale, conservati in teche oppure applicati sulla dimensione della temporalità immanente di una superficie di plexiglass, come avviene nei Rooms of Love (2016). Qui, sulla superficie traslucida del plexiglass si crea una dimensione onirica, dove le coordinate spazio temporali si dissolvono e dove l’attenzione di focalizza solamente sulla proliferazione delle microsfere che si addensano a formare i profili dei cuori posti al centro, fermando un attimo catartico il pulsare del muscolo cardiaco (Pop Hearts, 2014) e conferendogli una connotazione fortemente materica. Sulla superficie traslucida del plexiglass, sul quale sono incastonati come gemme i Rooms of Love, come frammenti di vita, si possono riflettere, in uno spazio immaginifico, tutte le storie d’amore possibili. I cuori diventano allora un imperituro monumento all’amore che, nella forma liquida della post-modernità, diventa intercambiabile, assume un’infinita varietà di sfumature di significato, adeguandosi alle situazioni che riflette, siglate nei frammenti poetici che accompagnano ciascuna opera della serie, nata per adornare ipotetiche stanze di albergo dense di storie e ricordi.

Le opere di Daniela Forcella sono rappresentazioni iconiche e schematiche di frammenti di vita, sono “frames” che intrappolano un istante del suo fluire, al cui centro si trova, onnipresente, la forma iconica del cuore che, prima, veniva intrappolato nelle teche in plexiglass, impilato su molle di materassi, sottoposto ad una reiterazione pop, inglobato in colate di metacrilato e impilato in scrigni con i ricordi del passato. Allo stesso modo, nelle opere della serie Cartografie, gli spazi in cui è suddivisa l’opera contengono le stratificazioni altimetriche dei solchi lasciati dallo scorrere del tempo e della vita sul legno, in un’imperturbabile reiterazione, sempre di ispirazione pop (più italiana che statunitense, se pensiamo ai profili umani di Ceroli, anch’essi su legno), ma caratterizzata dal distacco emotivo, tipico dell’arte concettuale, che finalmente l’artista ha raggiunto di fronte all’imperscrutabilità dei misteri dell’universo e della vita. A riunire i frames che segnano le tappe del percorso del viandante in rosso sull’estensione degli altipiani, a dargli un significato compiuto nella dimensione interiore di ognuno di noi, stavolta, non intervengono più frammenti letterari, ma un elemento molto più indecifrabile: un rigagnolo di luce che evidenzia lo scorrere di un fiume, se osserviamo l’opera al buio. Ancora una volta, è la luce a guidarci sulla giusta strada, attraverso un percorso di eliminazione e di scavo, di rielaborazione e di interiorizzazione dei segni lasciati sul nostro animo, dai solchi tracciati sulla superficie del legno, metafora delle fratture della nostra anima. E si torna alle Cartografie, in un perenne peregrinare, come cita il titolo della monografia che sarà disponibile in mostra: In viaggio…

La formazione di Daniela Forcella è avvenuta frequentando i corsi di disegno del suo mentore, l'artista Italo Chiodi all'Accademia di Belle Arti di Brera di Milano.

All’artista sono state dedicate importanti mostre personali: Cartografie, presso la sede del Padiglione Armenia, nel contesto della 57° Biennale di Venezia, nel 2017, Gold, Silver and Colors, alla Villa Reale di Monza e Linking Hearts, al Palazzo Gargantini di Lugano, nel 2015, oltre che nella Hall del Boscolo Museum di Milano, nel 2014, in concomitanza con Milan Fashion Week.

Nel 2017 viene invitata ad esporre in occasione della collettiva Black Art Light: la luce che colora il buio, nella prestigiosa sede del Palazzo della Regione Lombardia di Milano e le viene dedicato uno spazio monografico, con la mostra personale Spirit of Love, al Basel Art Center di Basilea, in Svizzera.

Nel 2016 la Banca Mediolanum la invita ad esporre presso la suggestiva Terrazza Civita di Roma, affacciata sul Foro Romano, e presso il Palazzo dell’Artista di Padova, sede della collezione d’arte di questa importante istituzione bancaria.

L’artista è presente inoltre alle principali rassegne di arte moderna e contemporanea a livello nazionale e internazionale, come Art Basel (2015) e Scope Basel (2014), in occasione della quale espone una grande installazione composta da una cascata di cuori in resina applicati su molle di materasso.

Nel 2014 la sua monumentale colonna in plexiglass composta dagli stessi elementi strutturali, Life is Love, entra a far parte della collezione permanente del Museo Verticale di Palazzo Lombardia a Milano.

Le sue opere fanno parte di importanti collezioni private in Italia e all’estero. 

Vernissage: sabato 8 settembre, dalle 16.30

Fino al 12 ottobre 2018

La galleria Colossi Arte Contemporanea apre la stagione autunnale con la mostra personale di Max Bi (alias Massimiliano Battagliola, bresciano, classe 1973) dal titolo Crittografie; questo perché, nel corso di un’inesausta attività di ricerca artistica, durata oltre vent’anni, ha elaborato un originale e inedito linguaggio artistico, derivato dalla commistione di stili e tecniche, estrapolate dalle più disparate correnti artistiche che hanno attraversato la seconda metà del XX secolo, dal Nouveau Réalisme alla Transavanguardia.

Dalla conoscenza di uno dei maestri di questa corrente, Sandro Chia, deriva questo “nomadismo citazionista” che lo porta, già tra la fine degli anni ’90 e i primi anni 2000, a sperimentare la sua inesausta metamorfosi materica e stilistica su vari materiali, dai pannelli di cargo ferroviari ai pannelli di faesite, dai telai delle finestre alla tela grezza di iuta, canapa e lino: dai motivi del graffitismo tribale di Basquiat, dipinto con acrilici su tela, alle pitture rupestri, ricreate con addensamenti di quarzite, sabbia impastata e polvere di alluminio; dal panorama iconografico della Pop Art al décollage di Rotella; dal dripping di Pollock, realizzato con brillanti smalti, alle istantanee fotografiche sovrapposte su tele emulsionate con richiami alla Mec-Art, dai tratti marcati e violenti dell’espressionismo astratto alle sovrapposizioni di immagini fotografiche e impressioni digitali stampate su alluminio.

Quello che emerge come fil rouge di tutta la sua produzione, già dai disegni di personaggi tratteggiati con il bitume, la china e la grafite e dalle opere su iuta dei primi anni 2000, al quale rendiamo omaggio in questa mostra, è l’addensamento di marcati tratti neri, tracciati con veemenza sul supporto, memori dell’informale di Vedova. Le virtuosistiche torsioni delle sculture in ferro esposte rappresentano la materializzazione plastica, oltre che il culmine della maturazione spirituale dell’artista dei materici intrecci di questi segni, sui quali, a partire dal secondo decennio degli anni 2000, l’artista delinea grafismi, simboli, talvolta tracciati con lo stencil e la bomboletta spray, secondo quello che Celant definisce “riduzione a forme archetipiche della cultura”. Il surriscaldamento del materiale che avviene nel processo di piegatura a caldo delle sbarre rappresenta una sorta di rituale magico di catarsi in grado di ridurre un materiale di moderna concezione come il ferro a piegarsi come la nervatura di un organismo vivente con la delicatezza di una decorazione floreale in stile liberty. I solchi lasciati dal processo di lavorazione a caldo sulla superficie delle sbarre ritorte vengono colmati dalla vernice colorata in stile neo-Pop che le ricopre destando insospettabili inversioni di significato nella percezione dell’opera, com’è nello spirito ironico dell’arte di Max Bi. Allo stesso modo nei cementi e nelle iute realizzate con la tecnica dell’affresco tra il 2005 e il 2008, le resine cristallizzavano i graffi e i solchi, i tratti di colore che definiscono l’immagine, lasciati in positivo dallo strappo del supporto dal preparato di polvere di marmo, gesso e cemento che riproducevano lo stratificarsi dei tags, delle scritte, delle lacerazioni sui muri delle città, colti dallo scatto fotografico dell’artista che si aggira per le metropoli contemporanee come un moderno flâneur baudelairiano. La connotazione materica data dalla grumosità del pulviscolo di polveri generato dallo strappo, pratica comune ai Nouveaux Réalistes, ma reinventata con una tecnica che risale agli albori dell’umanità, caratterizza anche le sue prospettive urbane, gli intrecci di binari e tralicci dell’alta tensione, sempre definite da un denso groviglio di tratti neri che richiamano l’espressionismo astratto.

Gli stessi che ritroviamo in forma stilizzata nelle 11 tele esposte in mostra, realizzate nel 2018, dove le linee nere si intrecciano, come i filamenti delle sbarre ritorte nelle sculture, in composizioni astratte dall’andamento , andando continuamente a costruire e decostruire forme sintetiche, caratterizzate da campiture cromatiche di colori puri, come il rosso, il bianco, il verde e il blu, con reminiscenze che si ritrovano nei primi acquarelli di Klee.

Una sbarra ritorta di grandi dimensioni verrà collocata, per l’occasione, nella piazzetta di Corsia del Gambero, di fronte agli spazi espositivi della galleria.

Cenni biografici:

Max Bi, pseudonimo di Massimiliano Battagliola (Brescia, 1973), inizia fin da giovanissimo a sperimentare varie tecniche artistiche, tra la fine degli anni ’90 e i primi anni 2000, passando con disinvoltura dalle tecniche di proiezione dell’immagine su tela emulsionata ai graffiti tribali composti con addensamenti di sabbia, quarzite e polvere di alluminio, dai grafismi calligrafici dei writers riprodotti con lo stencil e la bomboletta spray al collage, dal panorama iconografico della Pop Art ma rielaborato con pratiche che richiamo il Nouveau Réalisme alle maschere primordiali e ai personaggi tratteggiati con la china, il bitume e la cera, in modo graffiante di Mimmo Paladino, dall’arte povera nell’uso di materiali come la iuta, la tela grezza di lino e l’assemblaggio di pannelli di faesite all’informale nella stesura violenta di tratti materici neri e bianchi sulla tela. Essi rimangono, come sostrato costitutivo dell’opera, accanto a grafemi stesi con lo stencil, anche nelle opere del secondo decennio degli anni 2000 e in quelle che precedono le tele esposte in mostra.

Ma è con l’invenzione della tecnica dell’affresco su iuta, tra il 2006 e il 2008, che l’artista raggiunge la sua cifra stilistica prediletta e i maggiori riconoscimenti: sia con la riproduzione su cemento e iuta della stratificazione di solchi, escoriazioni, graffi e scritte che si genera sui muri delle città, esposti in occasione della mostra personale I Love My Tags alla Galleria 44 di Genova nel 2007, che con i ritratti di personaggi famosi dello star system in stile pop, caratterizzati da forti contrasti chiaroscurali, come nelle serigrafie di Warhol, esposti in occasione della bipersonale con Olindo Bottura, Pop Stars, presso la Sala dei Santi Filippo e Giacomo di Brescia, nel 2011 per arrivare alle prospettive urbane, definite da tratti netti e taglienti con la tecnica dell’affresco su iuta ed esposte a Crema, in occasione delle mostre La Crème e dintorni, nel 2008, e Civiltà urbane, nel 2006. Le prospettive di bolidi fiammanti in corsa durante la Mille Miglia sono state esposte in occasione delle collettive Automobile-Autonobile, nel 2008 e nel 2010, presso il centro storico di Brescia e gli spazi espositivi della galleria Colossi, e Mille Miglia…d’Arte al Museo Santa Giulia di Brescia, nel 2009, organizzata dalla medesima galleria.

Nel 2006 viene invitato a realizzare una mostra personale, Umanità e post-Umanità, in occasione della ricorrenza dei 150 dalla fondazione della Croce Rossa, presso la Torre Civica di Solferino (Mn) e dona un’opera al Museo della Croce Rossa di Castiglione delle Stiviere (Mn) che rimane esposta in modo permanente nelle sue sale. Nello stesso anno, la fotografia tratta da un’opera scultorea di Piero Sbarluzzi, La Vendemmia, il maestro pientino dal quale, nel 2004, apprende le tecniche di lavorazione della terracotta, viene esposta in occasione della mostra Scatti DiVini che raccoglieva le immagini scattate per l’omonimo concorso fotografico nazionale, svoltasi a Palazzo Medici Ricciardi di Firenze. La fotografia ha da sempre rappresentato per l’artista bresciano lo spunto figurativo dal quale cogliere i soggetti per i suoi affreschi raffiguranti periferie urbane, intrecci di tralicci dell’alta tensione e binari ferroviari, scorci di treni in passaggio alla stazione, bolidi in corsa e prospettive di centri storici delle città.

Nel periodo compreso tra il 2006 e il 2008, le opere realizzate con la tecnica dell’affresco su iuta sono state esposte in occasione di mostre personali e collettive a livello nazionale, come il Premio Internazionale Arte Ingenua 2008, al Castello di Brescia, oltre che a Crema e a Milano, e internazionale, come la mostra Italian News alla e Chiar Gallery di SoHo, a New York, dove espone alcuni ritratti in stile pop, tra i quali quello di Pasolini. Queste opere gli hanno fruttato numerosi riconoscimenti: nel 2006, è stato tra i vincitori del premio Homo Urbanus, indetto dalla Facoltà di Architettura di Palermo, con l’opera Rail station, oltre che finalista del Premio Sabaudia, del Premio Celeste San Gimignano (Si) e del concorso Silent Art Movies di Aosta, per la realizzazione di un manifesto per il festival del cinema muto, con l’opera La diva del muto, del Concorso Regionale Biennale di Pittura “Emilio Rizzi”, promosso dall’ Associazione Aref di Brescia, con l’opera Kavalkavia, e del Premio di Pittura “Carlo Dalla Zorza” della Galleria Ponterosso di Milano, con l’opera Venezia e le isole della Laguna.

Nel 2010, due opere che ritraggono Marilyn, realizzate con la tecnica dell’affresco su sacco di iuta, vengono esposte in occasione della mostra Marilyn Monroe. Arte della bellezza, a cura di Carlo Occhipinti, presso Villa Ponti, ad Arona.

Nel 2011 partecipa, in collaborazione con l’artista Giorgio Tentolini, ad un workshop, Urban Waves, realizzato in collaborazione con l’Università degli Studi di Parma; per l’occasione, nelle sale del Palazzo della Pilotta, viene esposta un’installazione di dieci a reschi su cemento Are you still with us? che compongono lo slogan della pubblicità della Heineken, ma delineato con lo spruzzo della bomboletta spray.

Nel 2012, le opere che ritraggono personaggi famosi in stile pop su iuta vengono esposte alla Galerie des Caracoles di Parigi in occasione della mostra La Dolce Vita.

Nel 2014 espone, nello studio dell’artista Marcello Gobbi, i suoi animali in ceramica dai tratti beffardi e dalla superficie increspata, tratteggiati da linee di colori accesi, accompagnati dalle formelle in ceramica che ritraevano le sue icone in stile pop, in occasione della personale All the Beast of Max Bi.

Tra il 2013 e il 2018 l’artista viene invitato più volte a partecipare alla rassegna Velarte, a cura di Francesca Baboni e Stefano Taddei, a Campione del Garda (Bs). In queste occasioni espone le sue installazioni composte da barili di petrolio, scomposizioni di scatole di detersivi in plexiglass specchiante e la ricostruzione di ambienti naturali plastificati in teche di plexiglass.

Vernissage: SABATO 8 SETTEMBRE 2018, dalle ore 18 alle 21

Periodo: 9 – 29 Settembre 2018

A cura di: Alessandra Redaelli

Catalogo: PUNTO SULL’ARTE 

Radicato sul territorio di Varese, ma con un passato di lunghe permanenze a New York (in particolare negli anni d’oro della Pop Art), ALBERTO MAGNANIè il protagonista della mostra che apre la nuova stagione di PUNTO SULL’ARTE. VERNISSAGE SABATO 8 SETTEMBRE H 18-21.

Accanto ai suoi lavori più conosciuti – le teorie di camicie appese nell’armadio, i grovigli di cravatte – l’artista rivela qui al pubblico l’ultima evoluzione della sua pittura. Senza mai tradire la predilezione per le tinte sature, piene, sgargianti e per l’altissima definizione del dettaglio, Magnani inserisce oggi una serie di nuovi soggetti che vanno dai caschi per le biciclette o per le moto alle maschere, sia quelle africane che quelle legate al Carnevale di Venezia. Posati uno accanto all’altro, gli oggetti suscitano nello spettatore uno spaesamento dato dal cortocircuito tra l’assurdità dell’associazione – di sapore prettamente surrealista – e la pulitissima resa pittorica. Costruite in composizioni più geometriche e rigorose rispetto a quelle dei capi d’abbigliamento, in realtà queste opere vanno a completare un percorso limpidamente coerente sul vuoto. Dall’abbigliamento svuotato del proprio possessore – ma per certi versi incredibilmente vivo – attraverso la serie delle cornici senza quadro, l’artista arriva ora a questi nuovi contenitori che solo l’immaginazione dello spettatore può riempire. Un gioco sottilmente concettuale (ancorché condotto secondo le regole del figurativo) che va complicandosi e stratificandosi in nuovi significati nel momento in cui si coglie la doppia anima della maschera, deputata da un lato a celare, ma anche, dall’altro, in virtù dell’anonimato, a mostrare la natura più profonda di chi la indossa. 

ALBERTO MAGNANInasce nel 1945 ad Arborea (Oristano). Si diploma al Liceo Artistico di Brera a Milano nel 1965 e nel 1974 visita per la prima volta gli Stati Uniti. A partire dal 1970 realizza numerose mostre personali e collettive in Italia, Europa e Stati Uniti e contribuisce a progetti di grafica editoriale. Negli anni Ottanta alterna lunghe permanenze di lavoro a New York con frequenti soste nella sua casa studio di Induno Olona. Le sue opere sono fortemente condizionate dalle sue esperienze oltreoceano e soprattutto dalla Pop Art americana e dall’Iperrealismo. Attraverso la resa fotografica ma estremamente caratterizzante cerca di restituire vitalità e personalità agli oggetti. La sua produzione vede coinvolti abiti maschili, cravatte dai colori sgargianti, serie di camicie eleganti ma anche cornici, maschere africane e oggetti umili della quotidianità come sacchetti di carta. Vive e lavora a Varese.

PUNTO SULL’ARTE

Viale Sant’Antonio 59/61, Varese

0332 320990 |  

Martedì - Sabato: h 10-13 e 15-19

Domenica 9 e 16 Settembre h 15-19.

Inaugurazione: venerdì 20 Luglio ore 19.00

Piazza del Centauro 2, Pietrasanta

20 Luglio | 23 Agosto

La galleria Giovanni Bonelli inaugura nella sua sede storica di Pietrasanta (in Piazza del Centauro 2) una personale dell’artista milanese Aldo Damioli. Oltre una decina di nuove opere compongono la mostra, dal titolo Night and Day, dove gli scenari urbani tipici dell’artista sono equamente suddivisi tra visioni diurne e notturne. La pittura cristallina e attenta ad ogni dettaglio guida lo sguardo del visitatore in una realtà sospesa, quasi metafisica, dove la luce non genera ombre ma esalta le forme architettoniche degli edifici, veri protagonisti di queste opere. Altro dato caratterizzante, sia nei notturni che nei diurni, è la sensazione di silenzio che si espande dal quadro, oltre la sua superficie. Le città metropolitane di Damioli sono silenziose, prive degli echi a cui siamo ormai fin troppo abituati, e generano una sorta di spaesamento cognitivo proprio per la loro atemporalità, amplificata dalla forma solida e dal colore vivido, quasi assorbente, steso sulle tele.

Aldo Damioli (Milano, 1952. Vive e lavora a Milano) Esponente della nuova figurazione italiana che ha ottenuto importanti riconoscimenti a partire dai primi anni 2000. Ha tenuto mostre in varie istituzioni pubbliche italiane ed estere tra cui: Quadriennale di Roma (1999); Galleria d’Arte Moderna di Bologna (2001), Museo di Arte Moderna di Budapest (2002), II Biennale di Beijing (Cina, 2005); Museo delle Belle Arti di Roma (2005). Nel 2007 è invitato alla mostra Nuovi pittori della realtà al Pac di Milano e all’esposizione Arte italiana 1968-2007 a Palazzo Reale (Milano), entrambe a cura di Maurizio Sciaccaluga. Partecipa alla Biennale di Venezia sia nel 2011 che nel 2015.

Giovanni Bonelli Gallery is pleased to present the first solo show of Aldo Damioli in its headquarter in Pietrasanta (Piazza del Centauro, 2). Twelve pieces with the artists’ typical urban scenarios, both day and night views, will be protagonists in the gallery setting. The crystalline style of painting highlights every detail, and it leads the visitor's eye in a suspended and almost metaphysical reality. The architectural shapes of the buildings are highlighted thanks to the light that makes no shadows revealing all details in the city views. Silence, that expands from the paintings, beyond their surface, is the main impression you can feel (almost hear) from both night and daytime subjects. Damiolis modern cityscapes are silent, without the echoes we are all too used to, and generate a kind of cognitive disorientation for their absence of Time references, amplified by the solid shape and the vivid colors, almost absorbent, spread on the canvases.

Aldo Damioli (Milano, 1952. Lives and works in Milano). Exponent of the new Italian figuration he has obtained important awards since the early 2000s. He has held exhibitions in many Italian and foreign public institutions including: Quadriennale in Rome (1999); Gallery of Modern Art of Bologna (2001), Museum of Modern Art of Budapest (2002), II Biennial of Beijing (China, 2005); Museum of Fine Arts in Rome (2005). In 2007 he took part to the exhibition New Painters of Reality, at PAC in Milan and at the Italian Art Exhibition 1968-2007 at Palazzo Reale (Milan), both curated by Maurizio Sciaccaluga. He also participated in the Venice Biennale both in 2011 and in 2015.

Galleria Giovanni Bonelli

Piazza del Centauro 2 // via Nazario Sauro 56, Pietrasanta (LU)

Orari: Lunedì-domenica: 18-24; chiuso martedì

Mattina su appuntamento

Telefono: 391-3484694

Sede di Milano: Via L.P.Lambertenghi 6 |

tel. 02-87246945 |

www.galleriagiovannibonelli.it

A cura dell'Archivio Antonio Scaccabarozzi con contributi critici di Ilaria Bignotti e Paolo Bolpagni

Vernissage: Giovedì 25 Ottobre, ore 17.00

Dal 26 Ottobre al 20 Dicembre 2018

A dieci anni dalla sua scomparsa, la mostra celebra uno dei pittori più interessanti del panorama artistico italiano del secondo Novecento, attraverso un'ampia retrospettiva, dedicata ai principali cicli della sua ricerca.

L'esposizione propone una panoramica di una ventina di opere di Scaccabarozzi, dai lavori che rileggono le eredità astratto concrete, prodotti nella metà degli anni Sessanta, a quelli degli anni Settanta, come i Fustellati o le Prevalenze, fino a quelli realizzati nei decenni successivi come Misura-Distanza, Quantità libere, Essenziali e Polietileni.

Dal 25 ottobre al 20 dicembre 2018, la Galleria 10 A.M. Art di Milano, nella nuova sede di Corso San Gottardo 5, ospita una mostra dedicata a Antonio Scaccabarozzi (1936-2008), una delle figure più interessanti del panorama artistico italiano del secondo Novecento ed esponente di una indagine pittorica che, in oltre quarant'anni di ricerca, si è sviluppata in cicli poliedrici, con un linguaggio di respiro internazionale.

La rassegna, dal titolo Destinazione: presente, curata dall'Archivio Antonio Scaccabarozzi diretto da Anastasia Rouchota, con contributi critici di Ilaria Bignotti e Poalo Bolpagni, si pone come necessaria retrospettiva dedicata all'artista, a dieci anni dalla sua scomparsa, che ripercorre l'intera sua evoluzione creativa.

Artista intellettualmente inquieto e libero dai dettami e dalle mode, Scaccabarozzi ha frequentato alcuni dei protagonisti del secondo dopoguerra, da Lucio Fontana a Enrico Castellani, da Paolo Scheggi a Luciano Fabro e, riflettendo sul significato della pittura nella sua relazione spazio-temporale e percettiva-ambientale, ha saputo non solo assumere la responsabilità di ripensare profondamente l'eredità delle avanguardie concrete del secondo dopoguerra, ma anche sviluppare una personalissima indagine di assoluta contemporaneità.

il percorso espositivo, studiato ad hoc per gli spazi della galleria, ruota attorno ai suoi cicli pittorici più conosciuti, come quelli dei Fustellati e delle Prevalenze, realizzati nel corso degli anni Settanta, testimoniati in mostra da capolavori come Giro completo in 8 pezzi (pezzo 8) e Grigio 1/5 prevalenze B.V.G.R., e prosegue con le opere realizzate nei decenni successivi, dagli anni Ottanta fino agli inizi del nuovo millenio, che rivelano la complessa liricità dell'artista.

L'antologica propone creazioni che appartengono alla serie delle Linee Quasi Rette, delle Distanze Reali e Distanze Rappresentate, del Peso di Frammenti di colore, o ancora alle Iniezioni, in cui l'artista inietta del colore direttamente nella tela, o alle Immersioni che vedono Scaccabarozzi intervenire sulla tela, immergendola direttamente nel colore. Il percorso prosegue con le Quantità libere, gli Essenziali, spatolate di colore addensato che emergono dalla superficie parietale, o ancora con i Polietileni, fogli di plastica trattati come se fossero strati di colore, che diventano membrane cromatiche fluttuanti nello spazio, sospese dalla parete e dal soffitto grazie a fili di nylon.

La retrospettiva dedicata a Antonio Scaccabarozzi s'inserisce in un momento di grande riscoperta della sua attività, che si concretizza con l'ingresso di una sua opera, Iniezione-Delimitazione (1980-1981), nelle Collezioni Intesa San Paolo, alle Gallerie d'Italia di Milano, con la selezione del progetto Rotazione continua orizzontale nella mostra "WunderMore" al MAXXI di Roma, con la personale al Museo d'Arte Contemporanea di Lissone, in programma a fine settembre, e con la realizzazione del catalogo ragionato dell'opera dell'artista, di prossima pubblicazione.

Galleria 10 A.M. Art

Corso San Gottardo, 5 - 20136 Milano

 - www.10amart.it

Orari della mostra: Dal Martedì al venerdì, dalle 10.30 alle 12.30 e dalle 15.00 alle 18.30

Tutti gli altri giorni, solo su appuntamento

Ufficio stampa:

CLP Relazioni Pubbliche

Rosachiara Pardini, tel. 0236755700

www.clp1968.it

a cura di Stefano Castelli

12 settembre - 20 ottobre 2018

Inaugurazione: 12 settembre - ore 18,30

Luca Tommasi è lieto di annunciare la doppia personale di Anne Blanchet e Sean ShanahanBody of light, presso la nuova sedein Via Cola Montano 40 a Milano. L'esposizione presenta lavori recenti e inediti di entrambi gli artisti.

Linea, luce, superficie, geometria, colore sono gli elementi dell'alfabeto rigoroso e suggestivo della mostra Body of light. Due artisti e due poetichein partenza diverse che si intonano all'interno della galleria,anche grazie all'interazione dei lavori con lo spazio e con la presenza fisica dello spettatore. Pur nella ricerca dell'essenzialità, entrambi gli artisti si distaccano dall'autarchia di una certa tradizione minimalista.Una scansione quasi musicale delle forme, una soggiacente tendenza "architettonica", l'utilizzo di materiali industriali come supporto sono altrettanti possibili punti di contatto tra le due poetiche.

I Light drawings di Anne Blanchet sono strutture traslucide di plexiglas che catturano la luce secondo linee di sapore architettonico. Il disegno prende corpoe tridimensionalità, accogliendo le variazioni dovute all'interazione con la luce. L'utilizzo di un materiale industriale come il plexiglas contribuisce per contrasto alla sensualità che deriva dal contatto tra luce e superficie. Per la mostra, l'artista svizzera ha prodotto tra l'altro un'installazione inedita in rapporto con la luce naturale.

Sean Shanahan produce monocromi peculiari, rivisitati rispetto alla tradizione, né autarchici né "atmosferici". L'interazione tra l'olio e il supporto in MDF è il campo in cui si svolge il vero fulcro dell'opera.Un'interazione fatta di porosità, in cui il tocco manuale traspare in superfici apparentemente omogenee e l'azione della luce (interna ed esterna all'opera) ha libero sfogo. La sagomatura allontana il dipinto dalla bidimensionalità della parete, proiettandola in un gioco di rimandi geometrici con lo spazio.

Anne Blanchet, nata a Vuarrens nel 1947, vive a Ginevra. La prima parte della sua carriera, intrapresa a New York negli anni Ottanta, è segnata soprattutto da grandi installazioni ambientali, indoor e outdoor. In anni più recenti a questo filone si associa quello dei Light drawings. Le sue opere sono state protagoniste di personali e collettive in gallerie private e istituzioni pubbliche, oltre a partecipare a fiere come Art Basel e Fiac con la galleria Denise Réné. Tra i luoghi che ospitano le sue "integrazioni architettoniche", l'UniversitéPerolles 2 di Friburgo (Svizzera), il Parco Nuage in Belgio, il Parcdu Château Mercier a Sierre (Svizzera).

Sean Shanahan, nato a Dublino nel 1960, vive a Merate. La sua prima personale si tiene nel 1983 a Milano. Dopo una lunga ricerca maggiormente concentrata sulla geometria in anni recenti la sua poetica, segnata da una reinvenzione della monocromia e dalla sagomatura del supporto, si è decisamente orientata all'interazione con lo spazio. Numerose le esposizioni personali ecollettive in gallerie e istituzioni. Tra le più recenti, la personale Seven last words alla Galleria San Fedele di MIlano (2016) e la collettiva State of mind/The Panza Collection che accostava i suoi lavori a quelli di altri sette artisti della collezione Panza di Biumo.

La mostra resterà aperta con i seguenti orari:

martedì - sabato ore 15 – 19.                                      

Chiusura dall’11 al 13 ottobre in concomitanza di ARTVERONA 2018.  

LUCA TOMMASI

Via Cola Montano 40 - Milano

www.lucatommasi.it                                                  

Per Info e materiale iconografico:

. Tel. 335 242433

Frittelli arte contemporanea è lieta di invitarvi all’inaugurazione delle mostre

Nanni Balestrini - Vogliamo tutto

in collaborazione con Fondazione Mudima, Milano

Eva Sauer - A meditation on violence

Pyotr Pavlensky - 439754

in collaborazione con Galleria PACK, Milano

21 giugno – 8 settembre 2018

Inaugurazione / giovedì 21 giugno

ore 18 apertura mostre

ore 18.30 presentazione

ore 20.00 aperitivo

ore 21.00 Il pubblico della poesia reading performance a cura di Rosaria Lo Russo

con Giusi Merli, Gianna Deidda, Rosanna Gentili, Rosaria Lo Russo, Fausto Berti e Matteo Zoppi
live electronics Francesco Perissi con la collaborazione di Tempo Reale

Orari di apertura / lun-ven ore 10 - 19

sab-dom su appuntamento

Frittelli arte contemporanea inaugura la stagione estiva con tre mostre dedicate a tre artisti diversi per generazione e tipologie operative, legate idealmente dalla riflessione su tematiche politiche ed esistenziali, dall'indagine sui meccanismi del potere e sulle forme di controllo e censura insite nella comunicazione e negli spazi architettonici della società contemporanea.

Nanni Balestrini. Vogliamo tutto, in collaborazione con Fondazione Mudima (Milano), presenta la produzione visiva di Nanni Balestrini (Milano, 1935) degli anni '70 e '80, che ricostruisce – come scrive Manuela Gandini nel testo che accompagna la mostra – l’atmosfera sociale e politica degli anni di piombo e di quelli reaganiani. Dal cupo susseguirsi di parole pesanti, piene di petrolio e inquietudine, ai più colorati e apparentemente leggeri collage e gouache degli anni Ottanta. La visione di Vogliamo Tutto – titolo espropriato al libro cult di Balestrini (1971) che ispirò intere generazioni con la storia dell’operaio Alfonso – è la sintesi delle illusioni umane e dell’incontrastato potere della rappresentazione mediatica. Le frasi e le lettere sminuzzate sono apocalittiche e leggere a un tempo. Con una buona dose di veggenza, questi lavori anticipano l’avvento della virtualità e delle sue insidie. Il manifestarsi di quel tecno-mondo antropofago fatto di video e parole che si mangiano il reale.

Le Stanze ospitano la personale di Eva Sauer (Firenze, 1973): A meditation on violence è una ricerca sugli spazi architettonici pubblici. Alcuni mostrano come i vari detentori del potere, attraverso il tempo, hanno costruito muri, barriere ed edifici in tal modo che attraverso l’architettura possano imporre regole, controllare i cittadini ed infine fare propaganda per il “reggente”.

Altri invece raccontano delle infiltrazioni mafiose nelle ditte costruttrici – testimoni sono vari incompiuti architettonici costruiti con materiale talmente scarso che le forze dalla natura, levigando scale, insinuandosi attraverso piante le cui radici spaccano il cemento troppo sabbioso, hanno trasformato gli edifici in sculture.

A meditation on violence si interroga sulla mentalità umana, ma anche sulla natura stessa: In molte immagini del cinema distopico, la natura dilagante riconquista ciò che le è stato tolto: un processo questo, che infonde una sensazione di pace e sicurezza. Tuttavia se osserviamo più attentamente, vediamo le piante soffocarsi a vicenda nel tentativo di conquistare un posto alla luce. Il ritorno apparentemente pacifico alla natura non è altro che una lotta per la sopravvivenza e la continuità. L'umanità persegue questa lotta su un piano diverso; ma a differenza di altri animali e piante, lasciamo tracce: infinite rovine.

Le Stanze fanno da sfondo anche alla cronaca per immagini di alcune delle azioni più estreme dell’artista russo Pyotr Pavlensky (Leningrado, 1984), la cui pratica artistica è mossa dalla volontà sincera di concentrare l’attenzione su ingiustizie sociali e politiche nella Russia odierna e per esteso mettere il dito su grandi temi quali la politica, i diritti umani, la censura e la libertà di espressione e di pensiero. Il titolo della mostra realizzata in collaborazione con la Galleria PACK (Milano), 439754, rappresenta il numero assegnatogli in carcere dove attualmente si trova in attesa di giudizio in seguito alla sua ultima azione in cui ha dato fuoco alla porta della sede di Banque de France in Place de la Bastille a Parigi. Saranno presenti in mostra fotografie in grande formato e diversi scatti documentativi che raffigurano attimi di 5 azioni diverse, realizzate nell’arco di 5 anni. L’arte di Pyotr è non-commerciale: per onorare il suo pensiero, le opere non sono in vendita.

Il pubblico della poesia è una sintesi appassionata della poesia balestriniana di quel decennio cruciale per il nostro Paese che va dal 1969 al 1979: anni in cui i poeti lottavano con la collettività per riprendersi il mandato sociale del loro discorso politico, etico e estetico, con la parola che poteva agire come fiore utopico di sovversione e pratica di sovvertimento in irrisioni beffarde, stralunate e giocose, nel ritmo travolgente e totalizzante della poesia come performance, della poesia come bene pubblico oltre che per il pubblico, della poesia come musica della parola: gli anni della "cometa rossa" Demetrio Stratos, eroe epico di una trasformazione soffocata ma irreversibile. Nescit vox missa reverti: come scrisse Orazio; la poesia quando è tale segna un'epoca con suono immortale. La poesia epica di Balestrini ha attraversato il secondo Novecento con la sua voce forte e unica, cantando la nascita, la vita e il passaggio dalla prassi rivoluzionaria e della fantasia al potere agli anni del riflusso; una "leggenda giovane" è l'avanguardia di Nanni Balestrini, una leggenda che continua a riecheggiare e produrre nuovi poemi.

L'evento è realizzato in collaborazione con Teatro delle Arti (Lastra a Signa, FI) e Tempo Reale (Firenze).

Per informazioni:

www.frittelliarte.it

www.teatropopolaredarte.it

www.temporeale.it

in collaborazione con

Archivio Aldo Tagliaferro, Parma

22 GIUGNO – 6 OTTOBRE 2018 

LA MOSTRA È STATA PROROGATA FINO AL 27 OTTOBRE

Vernissage: giovedì 21 giugno 2018 ore 18.30

Osart Gallery è lieta di annunciare la retrospettiva dedicata all’artista Aldo Tagliaferro (Legnano, 1936 – Parma, 2009). 

La personale, a cura di Alberto Zanchetta, in programma dal 21 Giugno al 6 Ottobre 2018, presso la sede di Osart Gallery, in Corso Plebisciti 12 a Milano, si propone di valorizzare il lavoro dell'artista attraverso la selezione di opere uniche appartenenti a uno storico e specifico ciclo di ricerca, MEMORIA-IDENTIFICAZIONE - in una variabilità temporale,che si colloca in un periodo importante durante il quale Tagliaferro entra a pieno titolo in quella che viene considerata la sua definitiva fase concettuale, mettendo a punto un nuovo metodo di lavoro – per progetti – a cui resterà fedele per tutta la sua carriera.

Alla base del grande lavoro di Aldo Tagliaferro c'è l'analisi costante dell'essere umano,del suo eterno confronto con il proprio Io e con l'ambiente che lo circonda.

La sua ricerca, oltre ad esaminare criticamente eventi del contesto sociale, dagli anni Settanta in poi si orienta verso una direzione più specifica del comportamento umano, sviluppando altresì un’indagine sulla memoria e sull’identificazione che pone in relazione la realtà con un momento intimistico.

Nell'analisi di MEMORIA-IDENTIFICAZIONE - in una variabilità temporale, Tagliaferro utilizza due componenti (la memoria e l’identificazione, che ritiene parallele al punto da sovrapporsi) la cui somma, come afferma l'artista, «dà, attraverso le esperienze consumate, una conoscenza del proprio io.Questo può diventare condizionante in un tempo presente, perché il nostro comportamento è dato dalla somma tra le nostre esperienze assimilate e la sollecitazione di nuovi stimoli, che tendono continuamente a modificarlo, in rapporto al tempo reale che è il presente».

La mostra si apre nella sala principale con due importanti opere su tele emulsionate: il dittico Particolare “IDENTIFICAZIONE MNEMONICA” (1972) e lamonumentale installazione di nove metri dal titolo IDENTIFICAZIONE IN UNA VARIABILITÀ OGGETTIVA TEMPORALE(1973). Le opere si caratterizzano sia per l'utilizzo di un insieme di elementi teso a creare diverse possibilità di interazione, sia per le sue ripetizioni variate in una scala di colori dal bianco al nero e per la possibilità demandata al fruitore di scegliere un “fotogramma di identificazione” a sua scelta. Nello spazio espositivo della Osart Gallery le fotografie di grandi dimensioni vengono inoltre allestite in modo da invogliare i presenti a sentirsi partecipi dell'ambiente evocato.

Nella seconda sala, la mostra prosegue con un piccolo nucleo dedicato ai progetti realizzati nel 1972: Studio per: MEMORIA-IDENTIFICAZIONE - in una variabilità temporale, MEMORIA-IDENTIFICAZIONE(variante blu) eProgetto per MEMORIA-IDENTIFICAZIONE - in una variabilità temporale.Qui è possibile visionare la genesi della riflessione incentrata sulla memoria; la stessa immagine fotografica, che caratterizza le tele emulsionate, viene infatti ripetuta su fogli di cartoncino, quasi a volerla rendere temporalmente verificabile.

La teatralità della grande installazione e l'unicità delle opere selezionate diventano, per chi guarda, una sorta di materializzazione fisica della scena, la quale permette di comprendere in modo filologico la progettualità e la processualità di uno dei grandi protagonisti dell'arte concettuale all’interno del panorama internazionale.

Nota biografica (1936-2009)

Aldo Tagliaferro nasce a Legnano nel 1936. Agli inizi degli anni Sessanta si dedica pienamente alla professione artistica e nel 1963 tiene la sua prima personale a Legnano.

Dopo un periodo di riconsiderazione del suo lavoro, inizia una documentazione e un'analisi del contesto socio-politico e del comportamento dell'uomo. Per essere più vicino alla realtà utilizza delle immagini fotografiche recuperate dalla cronaca. 

Nel 1969 aderisce alla Mec-Art e dal 1971 in poi prosegue la ricerca fotografica in modo autonomo. Tra le sue esposizioni ricordiamo la XXXV Biennale di Venezia (1970), Combattimento per un'immagine(1973), Fotomedia(1974-1975).

ALDO TAGLIAFERRO. MEMORIA–IDENTIFICAZIONE 

Sede: Osart Gallery | Corso Plebisciti 12, 20129 Milano

Orari: martedì - sabato, ore 10.00 - 13.00 / 14.30 - 19.00

Ingresso: libero

Catalogo: bilingue italiano/inglese

con testi di Alberto Zanchetta

Contatti: T 02 5513826 Mail 

a cura di Michele Beraldo e Leonardo Conti

musica di Paola Samoggia e

danza di Gabriele Vaccargiu

21 giugno | 6 ottobre 2018

opening giovedì 21 giugno alle ore 19.00

La PoliArt Contemporary di Milano presenta la pittura contraddice se stessa, personale di Ennio Finzi che, in una scelta di opere dal 1957 al 2018, mostra una poetica in cui carattere fondamentale è una libertà creativa, fondata su una sorta di cartesiano dubbio programmatico rispetto ai mezzi della propria ricerca.

Nelle circa venti opere, realizzate con molteplici tecniche pittoriche (dall’aerografo, al pennello, alle spatole, al dripping, all’applicazione di materie e pietre), il maestro veneziano non cessa di ricreare i ritmi e le vibrazioni in cui si generano spazio, luce e colore.

Come scrive Michele Beraldo (già curatore del Catalogo Generale di Ennio Finzi di prossima pubblicazione), «…A partire dalla mostra personale alla Galleria Apollinaire di Milano (1958) il suo lavoro si sarebbe presto configurato secondo ambivalenze e contraddizioni, ed è proprio nell’irrelato dei modi espressivi (colore e cementi) che sarebbe emerso quel modus operandi fatto di incoerenze, antinomie e continue opposizioni che ancora oggi sono, per Ennio Finzi, il segno di un continuo rigenerarsi creativo. L’artista disciplina la sua pittura quale configurazione esatta del pensiero, ma d’altra parte è richiamato verso il basso, quasi volesse assecondare gli istinti irrefrenabili di una volontà creativa primigenia, all’interno della quale potersi muovere in assoluta assenza di regole, così da non rispondere – secondo le sue stesse parole - “a nessun principio di logica o di senso comune”. E’ soltanto attraverso questa continua negazione di se stesso, del proprio modo di operare e di dipingere che Finzi può giungere a sperimentare gli aspetti più differenziati dell’espressione artistica, dalle chiare iniziali partiture geometriche, alle rilevanti deflagrazioni cromatiche di segno timbrico, fino alle concrezioni della materia. Ed è per queste sue continue ambivalenze, per questo suo procedere per incoerenze interne, che la pittura di Finzi contraddice appunto se stessa».

È sorprendente costatare come in questa fondamentale e programmatica contraddizione, l’artista non cessi di ritrovare una visibile musicalità, in cui i diversi parametri continuano a funzionare secondo inediti ritmi e vibrazioni di colore, luce e spazio. Dagli anni Cinquanta - quando già era tra i maestri dello Spazialismo veneziano (in mostra dal prossimo luglio 2018 alla Fondazione Bevilacqua la Masa) -, sino alla ricerca più recente, Finzi ha costituito una sua inconfondibile cifra di musicalità visibile, in cui la libertà creativa e gli stessi “suggerimenti dei materiali” (come avrebbe detto Luciano Berio), concorrono a una sempre rinnovata messa in discussione dei criteri compositivi della pittura. Forse allora quella contraddizione interna, sostanziale, della pittura di Ennio Finzi, non è altro che il rispecchiamento della più generale contraddizione della realtà e del tempo, che l’artista registra, eguaglia, riscatta, nell’innesco di una sempre rinnovata vibrazione creativa, in cui l’arte trova nuovi sguardi per riscoprire il mondo.

In occasione del Vernissage, la compositrice Paola Samoggia ha composto un brano musicale ispirato e dedicato alla mostra, sulle sue note il danzatore Gabriele Vaccargiu eseguirà una danza tra le opere esposte.

Galleria PoliArt Contemporary

Viale Gran Sasso 35 - Milano

02.70636109 – 388.6016501

Orari: dal mercoledì al venerdì 11-13 e 15-18,

sabato 11-13, gli altri giorni su appuntamento.

Ufficio stampa: Spaini & Partners

Stimmungsvoll. GIANNI DESSI' \ GIUSEPPE SPAGNULO

Immaginate la mostra come un autentico "ricercare a due voci", una specie di itinerario sulle tracce di qualcosa che sfugge, di qualcosa che bisogna innanzitutto individuare prima ancora che cercare.

Stimmungsvoll, titolo della mostra, è anche il termine che meglio definisce questa ricerca. La parola, in lingua tedesca, si riferisce in genere alla voce degli strumenti, alla loro temperatura / accordatura  ma anche ad una  temperatura psicologica e mentale. In mancanza di un termine italiano corrispondente, esprime l'unità dei sentimenti, avvertiti da un uomo dinanzi a ciò che lo circonda.

Ad unire i due noti artisti, Gianni Dessì e Giuseppe Spagnulo, nella mostra che si inaugura venerdì 21 settembre, alla Galleria Antonella Cattani contemporary art,  non sono infatti tanto gli aspetti programmatici, quanto un determinato atteggiamento. Tramite un approccio non dogmatico, le opere di Dessì e di Spagnulo riescono ad esercitare una suggestione che supera la pura materialità e sviluppa energie metaforiche ed immaginative.

Il confrontarsi e interrogarsi sul problema del rapporto artistico con il materiale e con i suoi effetti emozionali, tanto nella pittura quanto nella scultura appartiene al modo di procedere di Gianni Dessì ed è stata una costante nel lavoro di Giuseppe Spagnulo.

Le opere in esposizione presentano le tracce evidenti del processo e delle azioni attraverso cui sono state create. Nei dipinti di Dessì si ravvisano i gesti che hanno steso il colore sulla superficie e gli interventi che sono serviti per incollare, piegare, formare i supporti applicati sulla tela.

Tutto appare funzionale alla creazione di una immagine, che accoglie stratificazioni di codici e di significati e ci restituisce con la sua sola presenza la complessità propia del rapporto che instauriamo con la realtà che ci circonda.

E' il caso del dipinto "Gemma" 2010, al centro del quale appare la sagoma sfaccettata di un diamante che custodisce in sè l'essenza dell'indifinitezza, inquanto minerale che esiste in molteplici forme diverse.

La scultura di Dessi è rappresentata nell'esposizione da significative ceramiche raku. Alle figure arcaiche, plasmate nell'argilla e poste sulla sommità di un cubo a custodire il segreto celato all'interno di questo stesso, si alternano le ceramiche caratterizzate dall'impiego del colore giallo - il colore più impertinente che esista dal punto di vista ottico perchè appare sempre in movimento - (Dessì).

Sempre a questa pratica appartengono alcune delle opere in mostra di Giuseppe Spagnulo; è il caso di Sole Rosso, 2011, opera questa, in cui pittura e scultura condividono lo stesso piano. Il grande disco in terracotta, che si impone nella parte superiore dell'opera, partecipa alla perfezione suggerita dal cerchio con una valenza di imperfezione, poichè si riferisce al mondo del divenire, al mito solare. 

Spagnulo (1936, Grottaglie, Taranto - 2016, Milano), riconosciuto tra i maggiori interpreti che hanno saputo coniugare l'arcaica radice del fenomeno culturale con le novità dei mezzi meccanico-tecnologici per giungere a forme di radicale semplicità,  ha sempre privilegiato l'aspetto dialettico del suo lavoro con la realtà.

Le sculture in acciaio forgiato, come l'opera in esposizione Sole Nero, 2011,  mostrano i segni impressi dal fuoco, da quelli più profondi e netti ai segni dai contorni sfumati. L'esposizione prosegue con le opere che appartengono al ciclo Panorama scheletrico del mondo, 2008-2014; si tratta di opere tattlili, eseguite sulla carta impiegando materiali come la sabbia di vulcano, composta da cristalli che riflettono la luce, carbone e ossido di ferro. 

antonella  cattani contemporary art

             via rosengarten  str. 1/a

             I - bolzano 39100 bozen

             T. F.     + 39 0471 981884

             e -mail   

            www.antonellacattaniart.com

21.09.2018 - 22.10.2018       

ORARIO  DI  APERTURA

 Lu - Ve       10.00 - 12.30    15.30 - 19.30  

 Sab            10.00 - 12.30

Inaugurazione: sabato 9 giugno 2018, ore 18.30

Durata: 9 giugno – 22 settembre 2018

Orario: da martedì a sabato 16 – 19

(mese di agosto e altri orari su appuntamento)

La Galleria Melesi di Lecco presenta per la prima volta nel suo spazio una mostra personale di Corrado Bonomi. Pittore e scultore, Bonomi espone opere da cinque diversi cicli della sua poliedrica attività artistica: Mare, Supporti, Armi della Fede, Culture e Cardio.

Dice l’artista: “Nella vita non si può fare tutto; se poi si hanno tante passioni… Ho fatto l’artista perché è un mestiere che concede delle scappatoie; nella pratica artistica le parole essere e interpretare sono sinonimi. Così l’essere artista mi ha consentito, di volta in volta, di interpretare vari ruoli: pescatore, giardiniere, ferroviere, sagrestano, cardiologo e pizzaiolo…”

L’opera Mare iniziata nel 1987 e tutt’oggi in corso, presenta sorprendenti doti di elasticità. Esattamente come i pesci nel mare si allontanano o si raggruppano in banchi, anche le scatolette di latta possono essere raggruppate o sparse. L’opera tanto colorata e gioiosa, rappresenta pesci in scatola cioè… pesci morti. Si potrebbe definire una “natura morta con echi di vita passata”. Rappresenta un aspetto significativo della contemporaneità: lo sfruttamento intensivo delle risorse ittiche.

Anche Supporti ha questa concezione. Le opere sono realizzate su superfici diverse da quella più classica della tela pittorica, Bonomi infatti sceglie di rappresentare il soggetto sul supporto che meglio può rappresentarne l’essenza. Vediamo così piante di caffè dipinte su sacchi da torrefazione, treni in movimento su fogli orari delle ferrovie, incidenti automobilistici su copri cerchioni o ancora bachi da seta su fantasiose stoffe di seta.

Le Armi della Fede riflettono un problema che è presente in tutte le religioni. La fede, intesa come fiducia assoluta e senza prove in qualcosa, porta il credente alla certezza di essere nel giusto. Sulla base di questa convinzione, nei secoli passati ma anche ai nostri giorni, in nome della fede si sono usate come armi, forme di prevaricazione eticamente ingiuste e illecite.

La serie Culture inizia nel 2003, qui il nostro Bonomi “giardiniere” entra in rapporto con la natura realizzando piante grasse e roseti con materiali plastici da giardinaggio, rivisitati nel loro ruolo ed utilizzati per diventare steli, foglie e boccioli variopinti.

I lavori contenenti la parola Cardio vogliono rappresentare il cuore uscendo però dalla logica scontata della classica forma stilizzata a cui siamo abituati. L’artista lavora così sul resto dell’apparato circolatorio sviluppando la rappresentazione di vene (blu) e arterie (rosse). Al centro, collocato al posto del muscolo cardiaco un oggetto che abbia assonanza di nome (ad esempio il libro Cuore di E. De Amicis), di suono (es. una sveglia ticchettante) o ancora che rappresenti una passione di vita, un qualcosa che “sta a cuore”.

Una videointervista a Corrado Bonomi, prodotta da Memecult, completa e documenta la mostra.

L’artista:

Io, CORRADO BONOMI nasco a Novara il 20 marzo 1956 dove tutt’oggi vivo e lavoro. Dal 1982, anno della mia prima esposizione, capisco di voler "fare" l'artista. Da allora partecipo a molte mostre e tento di elaborare un mio linguaggio, fondato soprattutto sul meccanismo della Tautologia. Dal 1990 inizio a esporre in Germania. È del 1995 la mia partecipazione al gruppo "Concettualismo Ironico Italiano" formatosi intorno alla Galleria Falzone di Mannheim. Dello stesso anno è la mostra "Quasi per gioco" alla Neue Galerie di Graz e al Kunstverein AR/GE Kunst di Bolzano. L'ironia, così diviene, non un meccanismo, quanto la cifra della mia esistenza. Il modo a me più congeniale di disinnescare la vita. Dal 1997 collaboro attivamente con il Museo "A come Ambiente" di Torino con il quale ho pubblicato un manuale catalogo "Animali e Fiori nascono da..." un percorso didattico creativo al riutilizzo alternativo dei materiali di scarto. Nel 1998 eseguo un'opera per il Museo di Scultura Contemporanea "Su logu de s'iscultura" di Tortolì. Parallelamente all'attività artistica dagli anni '90 ha inizio la mia esperienza d’insegnamento, dal 1995 collaboro come operatore culturale con il Dipartimento Educazione del Museo d'Arte Contemporanea del Castello di Rivoli, per il quale ho realizzato diversi progetti. Nei primi anni del 2000 mi interfaccio con la necessità di grandi installazioni e performance. Sono questi gli anni delle Figurine dell'Arte e della Pizzeria Belle Arti. Nel 2003 partecipo alla Mostra-Concorso della Fondazione VAF presso il Palazzo delle Esposizioni della Mathildenhòle di Darmstadt. Del 2005 e 2006 sono le mie personali "Arti e Mestieri" a Mantova presso Bonelli Arte Contemporanea e "Nel mezzo del cammino..." presso il complesso di Santa Caterina a Finalborgo. Nel 2009 mi adopero nella mastodontica personale “Casa Bonomi” e sono nuovamente invitato presso il Museo Ritter a Waldenbuch per la collettiva "Homage to the square". Nel 2010 torno in Germania, ad Aschaffenburg, presso il Neuer Kunstverein, per una mostra personale e, subito dopo, sono alla Fondazione Pomodoro di Milano per l'esposizione sulle tendenze plastiche del XXI secolo. Nel 2011 realizzo la mia seconda mostra personale con Luigi Cerutti in collaborazione con Labirinto e quasi contemporaneamente partecipo ad una collettiva della Collezione VAF presso il MART di Rovereto. Nel 2012, in collaborazione con il comune di Novara sono invitato da esporre una raccolta delle mie opere più note e suggestive nella cornice del salone d'onore della prefettura a Palazzo Natta, questa esposizione è la prima personale nella mia città; nello stesso anno espongo alla Triennale di Milano nella mostra sul Kitsch a cura di Gillo Dorfles. Nel 2014, Biasutti&Biasutti ospita una mia personale a Torino; dove porto tre categorie di mie opere "Castelli in aria, Se Son Rose, Fatine Fatate Fatali". Nel 2015, Omaggio a Lucio Fontana in collaborazione con Galerie Falzone di Mannheim. Nel 2017, espongo nella nuova sede di Bonelli arte a Pietrasanta, dove porto una personale monotematica incentrata sulle Fatine Fatate Fatali.

Informazioni e richiesta di ulteriore materiale stampa:

GALLERIA MELESI

T +39 0341 360348 M +39 348 4538002

Fedele alla propria linea di ricerca e valorizzazione di nuovi talenti, Giudecca 795 propone in permanenza i lavori di alcuni artisti di età media 25 anni, oltre agli artisti con cui collabora. 

Il calendario mostre di Giudecca 795 Art Gallery, Venezia, prosegue con:

Jan Mizo, fotografo e illustratore

Marcelle Ottier, multimedia

Gabriella Sciorlo, designer 

Tra le collaborazioni della galleria con alcuni festival e concorsi da citare la partnership con il concorso fotografico One Day In Venezia, alla sua terza edizione. Grand Winner per l'edizione dello scorso anno è Tatiana Lazareva (Russia), la cui mostra personale è in programma a breve.