Enrico Della Torre, Gianfranco Ferroni, Omar Galliani, Marco Gastini, Piero Gilardi, Giorgio Griffa, Mimmo Iacopino, Mario Schifano, Jorrit Tornquist, Walter Valentini, Renzo Vespignani, Gianfranco Zappettini.

Date: 1 giugno - 30 settembre 2019

La Galleria d’Arte 2000 & NOVECENTO di Reggio Emilia (Via Sessi, 1/F) presenta, dal 1 giugno al 30 settembre 2019, la mostra collettiva “Note contemporanee. Motivi artistici a confronto dagli anni ’60 ad oggi”, con opere di Piero Gilardi, Giorgio Griffa, Mario Schifano, Jorrit Tornquist ed altri autori selezionati.

Il lavoro degli artisti scelti per questa collettiva illustra al pubblico la contemporaneità dell’arte attraverso suggestioni cromatiche e formali, ma anche la sovrapposizione di linee e geometrie, segnando un percorso di continuità tra i maestri del secolo scorso e quelli del presente.

La mostra comprende quattordici opere selezionate riunite per offrire un panorama di firme dalle riconoscibili affinità elettive che offrono un significativo contributo alla contemporaneità espressiva ed artistica, testimonianze di segni diversi, che ripercorrono la ricerca e la storia della produzione artistica nazionale.

In esposizione due opere dell’artista torinese Piero Gilardi (1942) che profeticamente ha anticipato temi diventati centralissimi nel dibattito artistico del nostro presente – e non solo – come il rispetto nei confronti della natura ormai impoverita ed imbruttita dalla presenza dell’uomo. Quello che si evince, osservando criticamente i suoi “tappeti natura”, è un continuo dialogo tra artificiale, rappresentato dal poliuretano espanso, e naturale, rappresentato dalla finzione di un paesaggio selvaggio e incontaminato. Come i lavori in mostra ben delineano si possono vedere rappresentati “selciati incolti”, “piccole foreste” o “oceani con gabbiani”.

Di Giorgio Griffa (1936) un’opera della seconda metà degli anni ’70 riferibile al ciclo dei Segni primari, in cui l’idea o il concetto eliminano l’arbitrio, il casuale, il caotico, l’emotivo e il soggettivo, esaltando il controllo, la chiarezza e la sobrietà. Ci accorgiamo che il segno policromo bidimensionale con la sua studiata piattezza si sviluppa secondo una struttura concettuale che risulta lo zoccolo duro, obiettivo del lavoro. È qui evidente la volontà di Griffa di operare un tentativo sistematico di eliminare ogni componente empirica, per cui l’adozione di un metodo e di un ordine diventa fondamentale.

Infine Mario Schifano (1934-1998), – unanimemente considerato uno dei più importanti, trasgressivi ed originali artisti italiani e nume tutelare della Pop Art italiana – è presente con una grande tela del 1973/1978 caratterizzata dalla sua tipica pittura gestuale, carica di sentimento vitale, di tocchi veloci e di forti accensioni cromatiche, mentre il lavoro in esposizione dell’austriaco Jorrit Tornquist (1938), il cui approccio alla pittura è sempre di tipo scientifico, nasce da uno studio innovativo dei meccanismi della visione, dei fenomeni ottici e luminosi, in linea con i progressi scientifici dal dopoguerra in poi.

In esposizione anche opere di Enrico Della Torre, Gianfranco Ferroni, Omar Galliani, Marco Gastini, Mimmo Iacopino, Walter Valentini, Renzo Vespignani, Gianfranco Zappettini.

La collettiva sarà visitabile fino al 30 settembre 2019, tutti i giorni con orario 10-12,30 e 16-19,30, aperto anche domenica e festivi. Ingresso libero.

Per informazioni:

2000 & NOVECENTO Galleria d’Arte        

Via Sessi 1/F | 42121 Reggio Emilia

Tel. 0522 580143 | Fax. 0522 496582

| www.duemilanovecento.it

www.facebook.com/duemilanovecento

Ufficio Stampa:

CSArt – Comunicazione per l’Arte

Via Emilia Santo Stefano 54 | 42121 Reggio Emilia

Tel. 0522 1715142 | | www.csart.it

Officine Saffi è lieta di presentare 

A Thing of Beauty

Eterogeneità della materia
Rose Cabat, Hans Coper, Keiji Ito, Yasuhisa Kohyama, Kazuhito Nagasawa, Lucie Rie, Päivi Rintaniemi, Shingo Takeuchi, Kati Tuominen-Niittylä, Nanni Valentini, Carlo Zauli

a cura di Laura Borghi

Milano | Officine Saffi

22 maggio – 28 giugno 2019

Press preview e Inaugurazione:

martedì 21 maggio 2019, 18.30-21.00

A Thing Of Beauty, Eterogeneità della materia è una collettiva di undici artisti di diverse generazioni - Rose Cabat, Hans Coper, Keiji Ito, Yasuhisa Kohyama, Kazuhito Nagasawa, Lucie Rie, Päivi Rintaniemi, Shingo Takeuchi, Kati Tuominen-Niittylä, Nanni Valentini, Carlo Zauli - attivi dagli anni ’50 ad oggi, per mettere in evidenza l’inalterata e impressionante bellezza della ceramica.

Opere scultoree emblematiche della poetica di ogni singolo artista sono riunite in un’esposizione che abbraccia tutto il XX secolo per giungere fino ai giorni nostri. Accanto al lavoro di artisti che hanno fatto la storia della ceramica dal dopoguerra in poi, non poteva mancare la massima essenza di equilibrio nella forma e nel colore dell’arte ceramica giapponese e di artisti provenienti dal Nord Europa.

L’apparente fragilità, spesso in contrasto con la solidità del grés, delle creazioni dalla texture ruvida e dalle sfumature accese e vivaci di Lucie Rie si accompagna ai lavori di Hans Coper più sperimentali, opere astratte e dalle forme monumentali. Un’esplosione di colore emerge dalle minuscole ceramiche di Rose Cabat caratterizzate da smalti viola, rosa, verde, blu, dalla finitura simile a seta.

Accanto a questi maestri dell’arte ceramica internazionale si impongono, con un linguaggio completamente autonomo, le sculture di due figure fondamentali, protagonisti di una memorabile stagione della ceramica italiana, Nanni Valentini e Carlo Zauli le cui opere sono messe in dialogo con le sculture di quattro artisti giapponesi. Lo stile minimalista e l’inimitabile lavorazione delle sculture antropomorfe, dai richiami arcaici, di Keiji Ito, le forme piene, come scolpite dal vento di Yasuhisa Kohyama, si uniscono alle sculture ermetiche di Shingo Takeuchi fino ai misteriosi contenitori di ricordi di Kazuhito Nagasawa nei quali l'argilla si fonde con il ferro, vetro e legno. Un’alleanza tra potere e fragilità si ritrova nelle grandi e delicate sculture di Päivi Rintaniemi, che esprimono una sintesi poetica tra forme arcaiche e design minimalista. Un’ulteriore presenza finlandese, Kati Tuominen-Niittylä, che con i suoi “contenitori” ci riporta ai paesaggi delle foreste nordiche evocando al contempo le forme di secchi, setacci e cesti, tracce di una vita ancestrale.

L’allestimento della mostra è arricchito da mobili scandinavi anni ‘50 e una selezione di tappeti Beni Ouarain provenienti dai monti del Medio Atlante (Marocco), regione dove giungevano lane molto pregiate mai tinte che le tessitrici hanno trasformato in tappeti di grande luminosità, colore e morbidezza. 

Officine Saffi è un centro di ricerca specializzato nella ceramica contemporanea. Il progetto comprende la Galleria che organizza e promuove mostre personali e collettive di artisti contemporanei e maestri del passato. Il Laboratorio dove vengono organizzati corsi e workshop, oltre ad accogliere produzioni di artisti e designer e le residenze d’artista. La Casa Editrice pubblica cataloghi d’arte e la rivista trimestrale Fragile. Infine, completa il progetto, il concorso biennale Open to Art, dedicato alla ceramica d'arte e di design.    

In collaborazione con Altai

Inaugurazione: sabato 11 maggio 2019 | ore 18.30

Durata: 11 maggio – 13 luglio 2019

Orario: da martedì a sabato 16 – 19, altri orari su appuntamento

Seconda mostra personale alla Galleria Melesi di Lecco per Nando Crippa (classe 1974). Dopo la prima del 2012 lo scultore viene riproposto con la mostra Approcci, che affronta il tema della coppia, principalmente “lui e lei” ma anche lui e il cane, lei e l’orso...

C’è Il romanticismo di Paolo e Francesca seduti su un letto, quasi la parodia di un’urna funeraria etrusca. E c’è un valzer più rustico ballato in una serata al dopolavoro ferroviario. Ma c’è anche una più particolare e intrigante avventura ferroviaria in cinque atti, dove poco o nulla è lasciato all’immaginazione.
C’è una Eva che abita finalmente un mondo tutto per sé. E un Adamo che forse voleva da sempre liberarsene. E c’è riuscito (con tanto di cappello, verrebbe da dire...)
Che siano riservati o sfrontati, timidi o provocanti, abbracciati o distanti, i protagonisti degli Approcci di Nando Crippa hanno le loro tattiche e le loro strategie. Possono essere molto prosaici, ma a volte scrivono poesie. Non quelle d’amore, però. Perché le poesie d’amore sono difficili. Perché l’amore è difficile.

In mostra esposti 26 lavori. 19 piccole tavole dipinte ad acrilico ed un polittico, oltre a 6 sculture in terracotta (Hollywood Party, Un posto dove appendere il cappello, Eva, Paolo e Francesca, Non ci lasceremo mai, Ragazzo con cane).

Accompagna la mostra un video di Eva Castelletti (EveAir su YouTube) che ci mostra l’artista realizzare le sue sculture, dal modellato alla stesura a freddo del colore, con un breve parlato sul suo lavoro.

L’artista:

Nando Crippa (Merate 1974), ha studiato al Liceo Artistico Statale di Bergamo e alla Facoltà di Architettura del Politecnico di Milano. Vive e lavora a Casatenovo in provincia di Lecco.

Principali mostre personali:

Galleria Melesi, Lecco, 2019; Galleria Seno, Milano, 2019; Galleria Il Milione, Milano, 2018; Galleria Carifano, Fano, 2018; Galleria Credito Valtellinese/MVSA, Sondrio, 2017; Museo del Parco, Portofino, 2016; Galleria Comunale d’Arte Moderna e Contemporanea, Arezzo, 2015; Galleria Armanda Gori, Prato, 2014; Galleria Melesi, Lecco, 2012; Galleria Seno, Milano, 2011; Castello di Rivara, Torino, 2007 e 2008; Museo Casa del Console, Calice Ligure, 2006.

Su di lui hanno scritto:

Luca Beatrice, Valerio Dehò, Angela Faravelli, Luigi Fassi, Matteo Galbiati, Angela Madesani, Gian Ruggero Manzoni, Fabio Migliorati, Serena Mormino, Marco Rota, Stefano Taccone.

Informazioni e richiesta di ulteriore materiale stampa:

GALLERIA MELESI

Via Mascari, 54 - 23900 Lecco

T +39 0341 360348 M +39 348 4538002

23 maggio - 19 luglio 2019

Inaugurazione giovedì 23 maggio - ore 19
Sarà presente l'artista

RIBOT è lieta di presentare ACE OF SPACE, la seconda mostra personale dell’artista tedesco Felix Schramm (Amburgo 1970, vive e lavora a Düsseldorf).

Ormai quattro anni fa RIBOT si presentava nel panorama artistico milanese scegliendo di proporre proprio il lavoro di Schramm che per l’occasione aveva realizzato un intervento di grande impatto visivo ed emotivo: una Spatial Intersectiondove due grandi elementi in legno e cartongesso trafiggevano la parete di fondo della galleria, generando letteralmente e metaforicamente la rottura di una forma precostituita.

Oggi Schramm torna a Milano e propone una selezione di recenti Accumulation e Multilayer, opere che mostrano altri aspetti del suo lavoro in costante espansione sia nel contenuto che nella ricerca di sistemi  formali e visivi nuovi.

Da un lato le Accumulation, opere avviate ed esplorate sin dal 2012, ribadiscono la vocazione scultorea dell’artista, si tratta infatti di composizioni a tutto tondo strutturate all’interno di lastre in vetro o plexiglass che fungono sia da vetrina che da protezione del rispettivo contenuto, sia esso costituito da  materiali e configurazioni scelti con scrupolo, come modelli in miniatura di altre soluzioni scultoree adottate dall’artista, che elementi trovati, frammenti o ritagli selezionati  per prendere parte a questo gioco compositivo. 

Dall’altro i Multilayer, collage di grandi dimensioni creati attraverso la sovrapposizione di strati di cartongesso e di porzioni di fotografie, che sottolineano l’interesse e l’attenzione di Schramm anche nei confronti del colore. La struttura di queste opere sembra quasi mimetizzarsi con i muri della galleria, ma le zone in cui l’artista interviene rompendo il cartongesso, mostrano delle finestre che si aprono verso dimensioni altre, dove i frammenti fotografici colorati generano interessanti prospettive e nuovi punti di vista.

Per la loro natura eterogenea tutte le opere di Schramm chiedono di essere scoperte un po’ alla volta, non esiste una visione privilegiata. Queste forme accattivanti seducono chi le guarda e inducono lo spettatore ad avvicinarsi, a piegarsi o allungarsi per poterle comprende meglio.

Anche lo Special project pensato per la mostra riprende le tematiche sottese all’intero lavoro dell’artista. Si tratta di piccoli Multilayer realizzati mediante un gesto artistico solo apparentemente distruttivo, ma che in realtà crea uno spazio nuovo rivelatore di possibilità inedite.

Immagine: 

Felix Schramm, Multilayer 175, 2018, plasterboard, wood, aluminium, color, inkjet print, 100x130 cm

Felix Schramm (Amburgo, 1970, vive e lavora a Düsseldorf) ha studiato scultura presso l’Accademia di Belle Arti di Firenze e presso la Kunstakademie di Düsseldorf. Ha inoltre trascorso periodi di studio a Tokyo (2000) e a Villa Massimo a Roma (2008). Sue Mostre personali e collettive si sono tenute presso prestigiosi musei e gallerie internazionali, tra questi: Kienzle Art Foundation, Berlino, 2018; Fondazione Volume, Roma, 2016; Frac d’Alsace, Séleslat, 2014; Kunsthaus Baselland, Basilea, 2014; Palais de Tokyo, Parigi, 2009; Museum of Modern Art, San Francisco, 2007; Hamburger Bahnhof Museum für Gegenwart, Berlino, 2006; Palazzo delle Papesse - Centro arte Contemporanea, Siena, 2003. Le sue opere oggi sono presenti in importanti collezioni pubbliche e private come: Museum of Modern Art, San Francisco; Berkeley Art Museum, Berkeley; Frac Alsace, Seléstat, Francia; Hort Collection, New York e molte altre.

RIBOT GALLERY

via Enrico Nöe 23 - 20133 Milano
T. +39 347 050 93 23
 - www.ribotgallery.com

ORARI GALLERIA:
da martedì a venerdì / dalle ore 15 alle 19.30
sabato dalle 11.30 alle 18.30
anche su appuntamento

a cura di Alessandro Romanini

Inaugurazione: sabato 18 maggio ore 18.00
Pietrasanta, Via Nazario Sauro 56
18 maggio | 30 giugno 2019

La galleria Giovanni Bonelli è lieta di ospitare nella sede di Pietrasanta la mostra personale dell’artista Gonçalo Mabunda. L’artista, che rappresenta il Mozambico alla Biennale di Venezia 2019, ha una produzione plastica che si caratterizza per l’utilizzo di materiali bellici smantellati, utilizzati nella lunga e sanguinosa guerre civile - che per 16 anni ha insanguinato il suo paese, il Mozambico - che vengono riconvertiti in una dimensione artistica. Mabunda (Maputo, 1975) si appropria degli scarti bellici -facilmente reperibili- che vengono decostruiti e poi assemblati e saldati secondo dinamiche personali, a formare maschere e troni dalle reminiscenze tribali caratteristiche della cultura sub-sahariana. L’inizio di questa sua particolare tecnica va ricercato nel programma governativo chiamato “Trasformare le pistole in speranze”, al quale Mabunda partecipò dagli esordi nel 1995. Scopo del progetto era raccogliere le armi ancora estremamente diffuse sul territorio segnato dalla guerra civile appena conclusa, e distruggerne la gran parte mentre la quantità residuale, veniva consegnata agli artisti, chiedendo loro di “trasformarle” creativamente. Nella mostra a Pietrasanta sarà presentata una selezione di maschere e troni.
Le maschere di Mabunda hanno la forza evocativa e mantengono le valenze simboliche e rituali delle antiche maschere tribali africane facenti parte della cultura e della tradizione con le quali l’artista è nato cresciuto e vengono sottoposte da Mabunda a un processo di riconversione in chiave di espressione contemporanea. Con le sue creazioni Mabunda condanna le atrocità della guerra e soprattutto ne mette in evidenza in chiave metaforica e simbolica, i meccanismi sottesi e scatenanti e gli indissolubili legami con l’esercizio del potere politico. La fisiognomica delle maschere è perturbante, e rappresenta la catarsi in forma artistica di un materiale bellico carico di significati nefasti per un paese e per l’umanità intera (soltanto in Mozambico si contano oltre un milione di morti e 4 milioni di profughi dovuti alla guerra civile). I troni, simbolo del potere conquistato con le armi di cui sono composti, diventano allo stesso tempo denunce eclatanti della vacuità di un governo ottenuto con la violenza e un cortocircuito tra la modernità tecnologica (di cui le armi sono espressione) e l’ancestralità dei riti identitari del popolo mozambichiano e della sua memoria collettiva.
Mabunda si presenta quindi come creatore, nel senso letterale di costruttore, come colui che rende visibile, attraverso il lavoro di scomposizione e ricomposizione della forma, di un senso ulteriore delle cose. Un mediatore in grado di far ascendere la dimensione personale e quella del suo popolo a una dimensione di valore universale. Il nascosto, evocato nel titolo, si riferisce alla nuova possibilità di esistenza di oggetti (le armi) all’interno di una struttura estetica che in nessun modo ne mitiga l’impatto aggressivo ma che lo incanala in una nuova possibilità di senso che diventa, per contrasto, denuncia ed epifania di una nuova forma di vita e di relazione sociale possibili.

Gonçalo Mabunda (1975, Maputo District, Mozambico. Vive e lavora a Maputo)
Nonostante l’infanzia trascorsa in un paese devastato dalla guerra civile (1975-1991) Mabunda ha potuto frequentare le scuole della capitale del Mozambico (Maputo): ha iniziato a dipingere a 17 anni e dai 22 anni ha iniziato a lavorare come artista a tempo pieno. Ha al suo attivo la partecipazione ad esposizioni in prestigiose istituzioni di livello internazionale quali ad esempio: il Centre Georges Pompidou di Parigi (2005); il Mori Museum di Tokyo (2006); il Guggenheim di Bilbao (2016); Palazzo Reale di Milano (2016); il Palais de Tokyo di Parigi (2018). La sua prima presenza alla Biennale di Venezia risale al 2015 mentre quest’anno (2019) è stato selezionato per rappresentare il Mozambico nel padiglione nazionale. A livello internazionale collabora con la Jack Bell Gallery di Londra. Numerosi riconoscimenti internazionali gli sono stati conferiti per il suo impegno di attivista contro la guerra trasmesso attraverso i suoi lavori.

GALLERIA GIOVANNI BONELLI

Pietrasanta, Via Nazario Sauro 56 

www.galleriagiovannibonelli.it

Vernissage: sabato 4 maggio 2019, ore 17.00

Dal 04 maggio 2019 al 15 giugno 2019, la Galleria Open Art di Prato ospita la mostra di Alfredo Serri, un maestro colto e discreto nella Firenze del dopoguerra.

Cinque anni dopo l’antologica dedicata ad Alfredo Serri (1898-1972) presso le prestigiose sale espositive dello Spazio Mostre dell’Ente Cassa di Risparmio di Firenze, la Galleria Open Art dedica un nuovo omaggio a questo interessante interprete dell’arte toscana del Novecento, un artista colto e sensibile, ma poco portato alle pubbliche relazioni. L’esposizione raccoglie una trentina di opere su tela realizzate tra gli anni Quaranta e Cinquanta. Prima di dedicarsi alla pittura, Serri fu musicista: era infatti un professore di chitarra, violino e pianoforte. Tra l’altro, come violinista, fece parte dell’Orchestra del Teatro della Pergola di Firenze. Tuttavia, rinunciò ad un posto sicuro e già acquisito in ambito musicale per dedicarsi interamente alla pittura. Una scelta scaturita dall’incontro con Pietro Annigoni (1910-1988), con il quale si era sviluppata una sincera amicizia, sebbene Serri avesse undici anni più di lui. Serri frequentò assiduamente lo studio di Annigoni in Piazza Santa Croce e condivise con lui le sue prime avventure artistiche, studiando la natura con una specifica inclinazione verso la pittura seicentesca italiana e fiamminga, ovviamente attento a tutte le emozioni visive che la sua città, Firenze, poteva offrirgli.

Insieme al maestro e mentore, a Gregorio Sciltian, ai fratelli Antonio e Xavier Bueno, a Giovanni Acci e a Carlo Guarienti, Serri prese parte al movimento de “I Pittori Moderni della Realtà” che, fra il 1947 e il 1949, con eventi espositivi e tramite la rivista “Arte” pubblicata a Firenze, si pose in aperto contrasto con le varie correnti astrattiste e informali sorte in quegli anni. Il gruppo sosteneva una tipo di pittura che aspirava ad un equilibrio dialettico fra l’arte figurativa consolidata nel tempo storico e le novità linguistiche affiorate nel Novecento. Successivamente, mentre gli altri amici del movimento presero strade diverse, Serri, come Annigoni, rimase sempre coerente con l’indirizzo originario. Ma, al contrario del Maestro, che non mancò spesso di prendere posizione esplicita e polemica contro i suoi detrattori e le tendenze imperanti della critica corrente, Serri proseguì la sua ricerca nel silenzio, nell’isolamento, in una sorta di purezza intellettuale e morale. Un atteggiamento, questo, che sicuramente lo penalizzò dal punto di vista della visibilità e di una più ampia e diffusa notorietà, anche se ebbe, per la qualità della sua pittura, un proprio pubblico di collezionisti, specie di ambito statunitense. Per quel che concerne i contenuti, Serri ebbe predilezione per due generi a lui congeniali quali il Trompe-l’oeil e la Natura morta, con composizioni di libri, frutti, oggetti vari e citazioni colte di opere d’arte. Nelle sue splendide nature morte non di rado emerge, in pochi millimetri di superficie pittorica, fra fiaschi e frutti, il suo autoritratto risolto con una tecnica stupefacente. Spesso, compaiono anche strumenti e spartiti musicali, chiara testimonianza della sua prima formazione e attività professionale. Serri realizzò indubbiamente opere di una perfezione assoluta, nelle quali tutto appare come una sorta d’inno elevato alla bellezza, alla poesia, agli accordi segreti e armonici che uniscono l’uomo e l’artista all’universo, e fanno di lui un messaggero di splendori mai effimeri. Sue opere sono oggi esposte in numerose raccolte italiane e straniere, pubbliche e private, tra cui la Galleria d’Arte Moderna e la Fondazione Roberto Longhi di Firenze, i Musei Civici di Milano, la Fondazione Guelpa di Ivrea e la Collezione Rockefeller di New York.

La Galleria Open Art (Viale della Repubblica 24, Prato) è aperta al pubblico da lunedì a venerdì con orario 15.00- 19.30, sabato ore 10.00-12.30 e 15.00-19.30, chiuso domenica e festivi. Ingresso libero.

Per informazioni:

Galleria Open Art

V.le della Repubblica 24, 59100 Prato

T. +39 0574 538003,

Ufficio stampa:

CSArt – Comunicazione per l’Arte

Via Emilia Santo Stefano 54, 42121 Reggio Emilia

T. +39 0522 1715142, , www.csart.it

Fino al 5 luglio 2019

Achille Perilli: l’astrattismo concreto.

Di artisti come Achille Perilli, il mondo dell’arte moderna e cotemporanea, ne ha sempre un gran bisogno, soprattutto nel momento attuale. Infatti Perilli fa parte di quella grande schiera di artisti del dopoguerra che ha lasciato il segno, ha rivoluzionato il linguaggio dell’arte, e, in maniera del tutto naturale e spontanea, ha portato avanti il suo modo di fare arte studiando, approfondendo e mettendosi a confronto con i mostri sacri del passato; insomma, senza giri di parole, prendendo la sua strada e distaccandosi da tutti con il suo stile unico, che lo ha reso irripetibile e dal tratto inconfondibile (aspetto più importante per ogni artista) e che lo ha innalzato tra i grandi artisti italiani del secolo scorso.
L’importanza della ricerca artistica di Perilli è riconosciuta a livello internazionale da premi di ogni tipo, mostre nei musei più prestigiosi del mondo (è finita da poco più di un mese una retrospettiva al Museo Hermitage di San Pietroburgo) e da ben quattro presenze alla Biennale di Venezia. Infatti, l’arte di Perilli parte da lontano, sin dai tempi universitari e, subito dopo,
dalla fondazione del Gruppo Forma 1 insieme ad altri pittori della realtà romana, come Accardi, Dorazio, Turcato e altri sul finire degli anni ’40. Questa necessità di cambiamento nell’arte, Perilli l’avverte sin dall’inizio della propria produzione artistica, studia i movimenti e gli artisti del primo novecento, facendo sue le teorie dello spazio e della forma analizzate da Kandiskij e Mondrian, portandole però allo step successivo, rielaborandole in chiave contemporanea, come si evince da un suo scritto del 1951: “Per rendere chiaro quel mio concetto dei due spazi, mi voglio rifare alle origini; a Kandiskij e a Modrian, alla scoperta della forma pura e dello spazio duro. Per il primo dietro la forma esiste il vuoto indefinibile, per il secondo lo spazio non ha possibilità di movimento né di essere determinato e distinto con una forma, in lui, vivente. L’importante fu proprio scoprire quei valori assoluti, ma dobbiamo noi continuare ad usarli con la stessa mentalità con cui furono intuiti da Kandiskij o da Modrian? Magnelli e Vantogerloo hanno condotto molto avanti quei valori assoluti, fino a quasi farli incontrare e fondersi, quasi. Il nostro problema è di far confluire
questi due filoni in una grande composizione che assommi tutte le esperienze e ne faccia una sola, la sintesi concreta. Il concetto spaziale parte da questa contestazione, e dal riconoscimento tra lo spazio reale, per intenderci quello che ci circonda e lo spazio pittorico non vi è nulla in comune se non l’essere determinati in due modi opposti nello stesso tempo. Lo spazio pittorico o plastico è da noi percepito a frammenti tanto più grandi quanto lo può la nostra personalità. In questo consiste la grande scoperta dell’arte concreta.”
Questa sua ricerca di astratto coniugato al concreto lo porta quindi a unirsi anche al “MAC - Movimento Arte Concreta”, dove incontra artisti come Munari, Soldati e Licini. La sua arte è in continua evoluzione (ricorda un po’ il percorso di Mondrian), sempre attenta al confronto e al dialogo con tutti, denotandone un’intelligenza artistica non comune, una profondità e una sensibilità insite solo nei grandissimi artisti.
Il suo lavoro è quindi il risultato finale di una ricerca meticolosa, dove niente è lasciato al caso, dove l’artista ha già ben chiara la propria arte, dove la tecnica è ben definita e anche i colori degli sfondi sono scelti con accuratezza, per fare da base alle figure geometriche che si generano all’interno.
Astratto e concreto quindi si fondono meravigliosamente, senza scontrarsi mai, creando invece un’armonia tra nozioni di significato opposto: un ossimoro nell’arte!!

Leonardo Marchi

Guarda al futuro la mostra di Antonella Zazzera e si propone come un concerto di opere a più voci, quale esito di una ricerca solida in costante evoluzione e di una pratica singolare del fare scultura.

La sua attività, iniziata negli ultimi anni Novanta, guadagna da subito l'attenzione di curatori ed artisti come Enrico Castellani che, nel 2009, in occasione della sua prima personale alla galleria Antonella Cattani, le dedica uno scritto nel catalogo edito per la mostra. Al 1° Premio per la giovane Scultura Italiana, assegnatole già nel 2005 dall' Accademia Nazionale di San Luca di Roma, segue nel 2016 il Premio Arnaldo Pomodoro per la scultura, da cui la personale alla Fondazione di Milano.

Il percorso dell'artista (Todi, 1976) è delineato dall' avvicendarsi delle mostre personali in Italia ed all'estero e dalle partecipazioni ad esposizioni significative, tra le quali citiamo le più recenti: Tissage Tressage Fondation  Villa Datris pour la sculpture contemporaine (F), Kairos Castle The Art of the Moment Kasteel Van Gaasbeek, Gaasbeek (B).

All'origine della modalità operativa e stilistica di Antonella Zazzera è la scelta di un liguaggio definito dall'impiego di un materiale che, per l'intrinseca natura, risponde alle sempre diverse sollecitazioni della luce, trasformando la sua superficie in un evento mai eguale: il rame.

"Lavoro con un filo di rame che mai si intreccia ma che si sovrappone e si sedimenta seguendo i parametri determinati dal disegno progettuale, eseguito per ogni scultura" - spiega l'artista. Il procedimento del "passare il filo" si traduce quindi in una infinità di segni, punti e linee che definiscono gli andamenti morbidi e flessuosi di un lavoro dalle forme primarie, naturali.

Il tempo del fare è componente essenziale del procedimento e misura del suo compiersi. Un titolo unico, seguito da una numerazione romana distingue i lavori e l'appartenenza del lavoro stesso ad un codice espressivo al quale si riferiscono anche le opere più recenti, ora in esposizione. 

L'insieme dei codici fino ad oggi elaborati dall'artista è l'opera omnia a cui si riferisce il titolo della personale che inaugura venerdì 3 maggio alla Galleria Antonella Cattani contemporary art.

L'allestimento della mostra pone in dialogo le diciotto opere (2016-2019), dalla diversa tipologia, nel rispetto di quei valori armonici che intendono esprimere fino al riflettersi  nello spazio che occupano.

ll primo incontro è con l'Armonico CCCXXXVIII che, come una "via luminescente", taglia con i suoi 270 cm di altezza la parete principale estendendosi fino a toccare il suolo; la sua natura, propia della scultura ma anche dell' installazione, può ricordarci i feltri di Robert Morris  ma senza quella fascinosa svogliatezza, sostituita invece da un carattere assertivo. A seguire le Carte/Scultura, disegni tridimensionali dalla struttura in filo di rame e cellulosa, che si evidenziano per la vivace gestualità segnica, organizzata come la scrittura di una partitura musicale. Non a caso l'Accademia della Filarmonica di Roma ha richiesto ed inserito le immagini di questi lavori nel propio progamma.

Nelle opere denominate Quadri, l'artista riduce la forma ad un piano, rinunciando ad evoluzioni e curvature, trattando la superficie come una campitura pittorica. Un numero infinito di fili di rame , dai toni diversi, dal chiaro allo scuro, determinano dei campi di forze che si uniscono in un pattern irripetibile.

I Naturalia, sculture in filo di alluminio dal carattere più scomposto, sembrano invece connettersi con lo spazio circostante attraverso quei filamenti liberati da una forma che si fà nido. A chiudere il percorso, accanto all'opera Trame che presenta un codice inedito, è la Ri-Trattica. Si tratta di un seducente " ritratto contemporaneo" che, attraverso la sua forma ovale, evoca, nel nostro vissuto, gli antichi ritratti fotografici.

Elementi semplici, da sempre alla base della grande arte del passato, tornano ad essere protagonisti indiscussi del suo procedere armonico e del metodo di Antonella Zazzera, che prevede un’evidente centralità della luce, finalizzata alla definizione dello spazio e della forma, proprio là dove ritmo e segno determinano andamenti morbidi, riconducibili a forme naturali, a misura d’uomo.

Antonella Cattani contemporary art

3 maggio 2019 - 30 giugno 2019 

La Galleria Deodato Arte presenta la prima mostra personale in Italia di Mr.Brainwash, uno degli street artist più rinomati e quotati del panorama artistico  mondiale.

“Milan is beautiful” ricostruisce l’intera carriera artistica di Mr.Brainwash attraverso una selezione di più di 100 opere che raccontano l’affascinante percorso del controverso artista di fama mondiale. In mostra tele, sculture, installazioni monumentali, bombolette spray e specchi luminosi, invadono letteralmente ogni spazio, per far vivere al visitatore un’esperienza indimenticabile.

Milan is Beautiful

Il titolo dell’esposizione si ispira all’inconfondibile fil rouge della poetica di Mr.Brainwash “Life is beautiful”, un invito a vivere pienamente ogni momento della propria vita con positività e coraggio. 

Dopo aver esposto nelle più importanti città del mondo, la Galleria Deodato Arte, che  rappresenta l’artista in Italia, porta Mr.Brainwash per la prima volta in assoluto nel Bel Paese, con una strabiliante mostra-evento itinerante, dedicata al suo intero percorso artistico.

Nelle opere di Mr.Brainwash lo stile pop e quello street si incontrano fondendosi perfettamente. Se l’ispirazione più evidente è l’arte del celebre collega Banksy, non mancano i riferimenti agli immortali Andy Warhol e Keith Haring, ai supereroi dei fumetti e ai classici della Disney. Le più importanti opere di Mr.Brainwash hanno come protagonisti celebri icone dell’immaginario pubblico, come Albert Einstein, che regge un cartello con la scritta “Love is the Answer”,  simbolo della genialità pragmatica in perfetta armonia con il messaggio di amore universale, o Mickey e Minnie, immortale coppia disneyana simbolo di amore e rispetto reciproco.

Il percorso espositivo

Il percorso espositivo è itinerante attraverso le tre sedi centrali della Galleria Deodato Arte nel cuore del centro storico di Milano: via Santa Marta 6, Via San Maurilio 18, via Nerino 2, distanti 200 metri l’una dall’altra, nel circuito delle 5Vie.

Particolarmente significativa la serie dei “Wall”, enormi pezzi unici realizzati su  pannelli di vetroresina, legno e cartelli stradali, che ricreano l’illusione di ammirare un vero muro di mattoni interamente graffittato. Tra le opere spicca “Peek a Boo”, soggetto inedito mai esposto, che vede un bimbo e il suo cagnolino che ammirano la scritta “Imagine”.

Ad illuminare gli ambienti la serie dei “Neon”, opere realizzate su supporti dipinti come tele o pannelli, che presentano parti illuminate con neon sagomati enfatizzando  soggetti e messaggi. L’opera luminosa “You Make Me Feel Extraordinary”, si distingue per essere realizzata su uno specchio incorniciato con annessa la stessa dicitura del titolo realizzata con neon fucsia tipico dell’artista.

Per la prima volta in Italia anche un’opera della celebre serie “Broken Vinyl Records”, dove l’artista ha ricreato l’inconfondibile profilo di Billie Holiday, utilizzando esclusivamente su di una tela alta 90cm, parti di vinili d’epoca spezzati.

Il design invece incontra l’arte nelle sculture “Life is beautiful”, sia nella tradizionale versione “Hard Candy”, caratterizzata da colori metallizzati, che nella speciale limited edition “Splash Edition” presentata dalla Galleria Deodato Arte in esclusiva per l’Europa. Inoltre, in occasione della Design Week milanese, in mostra saranno esposte anche sculture Life is beautiful monumentali, alte più di un metro e mezzo. 

Opere inedite

Mr.Brainwash ha creato una selezione di opere inedite, pensate appositamente per omaggiare l’Italia e le sue splendide città.

Vera protagonista dell’intera esposizione è un originale VESPA Piaggio del 1959, ancora perfettamente funzionante, che l’artista ha trasformato in un’opera d’arte unica e senza precedenti, personalizzandola completamente con stencil, vernice spray e collage.

Due soggetti italiani, saranno i protagonisti delle Limited Edition su carta realizzate ad hoc per l’occasione: una dedicata alla Vespa customizzata dall’artista e una dedicata allo storico simbolo milanese per eccellenza, il tram.

Imperdibili infine le sue iconiche bombolette spray, dipinte come la Campbell’s Soup di Warhol e per l’occasione customizzate con il nome delle principali città italiane, in tiratura limitata mondiale.

Cenni biografici

Thierry Guetta, in arte Mr.Brainwash, nasce in Francia nel 1966. Trasferitosi a Los Angeles, si trova a contatto con la realtà artistica americana improntata sulla street-art. All’inizio degli anni 2000 inizia a sfogare la sua ossessione per le riprese video seguendo gli spostamenti dei personaggi di spicco della street-art come il cugino stesso, Invader o il celebre Shepard Fairey, in arte meglio conosciuto come Obey. Il suo obiettivo è raggiungere il misterioso Banksy, che riesce finalmente a conoscere durante uno dei viaggi dello street artist britannico negli Satti Uniti. Tra i due si instaura uno stretto rapporto prima lavorativo e poi di amicizia, dalla quale nasce “Exit Through the Giftshop”, celebre film diretto da Banksy di successo mondiale. Nel 2010 il film viene candidato agli Oscar e Mr.Brainwash, che già aveva riscosso enormi consensi nel 2008 con la sua prima personale a Los Angeles e nel 2009 con la copertina dell’album “Celebration” di Madonna, diventa a tutti gli effetti un’icona mondiale. Durante la sua carriera collabora con numerosi brand e personaggi come i Red Hot Chili Peppers, Coca Cola, Hublot, Mercedes-Benz, Dj Kahled e cura un progetto di beneficenza con Michelle Obama. 

Richiesto da tutti i più importanti collezionisti, gallerie e personaggi della musica e dello spettacolo, Mr.Brainwash è oggi uno degli artisti più affermati e quotati della scena contemporanea.

Tra le esposizioni più importanti si ricordano “Life is beautiful”- Los Angeles (2008), “ICONS” - New York (2010), “Under Construction” - Art Basel Miami (2010), “Mr.Brainwash: LA Show” - Los Angeles (2011-2012), “Life is beautiful” - Londra (2012), “Life is beautiful” - Seul (2016).

Coordinate mostra:

Titolo Mr.Brainwash: Milan is beautiful

Sede Deodato Arte

via Santa Marta 6, via Nerino 2, via san Maurilio 18 - Milano

Date  5 aprile 2019 – 4 giugno 2019 | 

Orari martedì - sabato, ore 10.30-14.00 e 15.00-19.00

Contact: www.milanisbeautiful.show  | Tel. + 39 02 80886294 |

Ingresso libero

 a cura di Alessandra Redaelli

Vernissage: SABATO 4 MAGGIO 2019, dalle ore 18 alle 21

Periodo: 5 Maggio – 8 Giugno 2019

Luogo: PUNTO SULL’ARTE, Viale Sant’Antonio 59/61, Varese

0332 320990 |  

Orari: Martedì - Sabato: h 10-13 e 15-19.

Domenica 5 Maggio: h 15-19.

Catalogo: con testo critico di Alessandra Redaelli

Artista dalla pittura seduttiva, profondamente legato alla tradizione, NICOLA NANNINI presenta in questa nuova personale alla galleria PUNTO SULL’ARTE una serie di 14 dipinti inediti nei quali si può leggere tutta l’evoluzione della sua ricerca fino a oggi. VERNISSAGE SABATO 4 MAGGIO H 18-21.

Protagonista è la notte, quella della città – rintracciata negli scorci mitteleuropei ma anche nella stessa Varese – e quella innevata della campagna, più vicina per temperamento ai paesaggi della “bassa” ferrarese con cui l’artista si è fatto conoscere. Il suo vagare nello spazio alla ricerca dell’anima dei luoghi (dalla Germania alla Repubblica Ceca e alla Slovenia, dalle campagne del Sud dell’Inghilterra fino alle strade desolate degli Stati Uniti del sud) è anche un viaggiare nel tempo, con suggestioni che spaziano dal Vermeer della Veduta di Delftfino alla luce incantata di Edward Hopper. Nei dipinti Vicolo di Carontee Notte in giallolo stesso luogo è inquadrato da due punti di vista differenti, e già questo evidenzia come non sia tanto il soggetto a interessare l’artista quanto la possibilità di incantare lo spettatore con la prospettiva precipitante, con i punti di luce artificialmente accesi a creare presenze fantasmatiche, o con il gioco della pennellata, apparentemente così definita da raccontarci un mattone alla volta, ma in realtà potentemente impressionista fino ad arrivare – in primissimo piano – all’espressionismo del non finito.

La notte invernale, poi, immersa nella neve, ha dato a Nicola Nannini la possibilità di scivolare dalle luci calde della notte cittadina alle tonalità fredde che si rapprendono intorno ai bianchi, ai grigi, ai verdi, ai gialli gelidi di neon. Il punto di vista si restringe qui a un soggetto preciso che l’artista pone al centro del dipinto, personalizzandolo come un’icona. La strada che si perde nella campagna, la bassa costruzione con i silos accanto, l’edificio sperduto con quelle due finestre accese, la villa rossa sotto l’incombente cielo plumbeo, ci fissano negli occhi, ci guardano dentro, ci parlano e ci raccontano storie. 

La mostra è accompagnata da un catalogo bilingue contenente il testo critico di Alessandra Redaelli e la riproduzione di tutte le opere esposte. L’artista sarà presente al vernissage.

NICOLA NANNINI: Nasce a Bologna nel 1972. Dopo gli studi classici si diploma all’Accademia di Belle Arti di Bologna con il massimo dei voti. Dal 1994 al 2018 è docente di disegno e figura presso la Scuola di Artigiano Artistico di Cento e dai primi anni 2000 è docente di pittura presso l’Accademia Cignaroli di Verona. Terminati gli studi istituzionali, ha condotto autonomamente la propria formazione a contatto con le opere di grandi maestri dell’arte italiana ed europea, dalle quali ha assimilato le tecniche della pittura, del disegno e della grafica. Tali istanze si fondono nelle sue opere, dove il dialogo costante con la propria formazione culturale è parte integrante della poetica. Nannini affronta cicli tematici che vanno dalla catalogazione di tipologie umane e urbane a paesaggi di più ampio e lirico respiro, all’insegna di un’ambivalenza quasi contraddittoria, ma consapevole tra esigenze simboliste (o romantiche) da un lato e aspirazioni razionalistiche dall’altro; nella volontà di catalogare lucidamente l’ambiente circostante e le sue peculiarità. Protagonista di numerose rassegne personali e collettive in Italia e all’estero, ha esposto in gallerie private, musei pubblici e fondazioni. Molte sono le pubblicazioni che lo riguardano. Vive a lavora tra Bologna e Vicenza.

Quante storie sulla luna... a cinquant'anni dall'allunaggio è il titolo della mostra che inaugureremo sabato 13 aprile, dalle 16.30, nei nostri spazi espositivi. 

Suggestioni ed emozioni, suscitate dallo sbarco sulla luna, sono state interpretate da oltre 50 artisti che hanno realizzato appositamente sculture, installazioni e opere pittoriche sull'argomento.

20 luglio 1969, alle ore 20:17:40 UTC: una data memorabile per la storia dell’uomo. A breve saranno cinquant’anni da quando l’uomo ha compiuto i primi passi sulla superficie lunare. 

Neil Armstrong, comandante della missione spaziale Apollo 11, si affaccia da uno sportello laterale del modulo lunare distaccatosi dalla navicella spaziale e discende una scaletta che lo porta sul suolo della luna; seguito, dopo qualche ora, da Buzz Aldrin, mentre l'italiano Michael Collins, nato a Roma, orbitava attorno alla luna, in attesa del rendez-vous. 

350 mila persone hanno progettato, fabbricato e collaudato i complicati sistemi e i mezzi all’avanguardia della tecnologia per lanciare l’equipaggio, oltre ad avere ideato le fasi delle varie manovre di aggancio e ancoraggio dei moduli che componevano l’astronave. Grazie alla loro genialità e al loro impegno, l’umanità ha finalmente “colonizzato” quel misterioso satellite che descrive una traiettoria ellittica intorno alla terra.

Dai primordi della storia, l’uomo lo ha osservato a distanza, volgendo il suo sguardo, denso di interrogativi, alla volta celeste: prima lo ha venerato come una divinità, poi ha cominciato a considerarla compagna della terra e, alla fine, l’ha raggiunta, l’ha toccata con mano, solcando lo spazio siderale che la separa dal nostro pianeta. 

I tre coraggiosi esploratori hanno percorso 384 mila chilometri, temendo in ogni istante per la loro vita, nell'intento di cambiare radicalmente la percezione dell’universo. 

900 milioni di persone quella notte erano davanti alla televisione. Purtroppo il segnale era pessimo e quello che riuscimmo a vedere erano soltanto ombre sfocate e voci confuse. La luna, fino a quel momento, era stata un fenomeno letterario e all'improvviso divenne un fatto reale. Seguire in tv le fasi della conquista, potendo allo stesso tempo vedere la luna dalla finestra di casa propria fu, come disse, il sociologo Domenico De Masi, “avere il teatro di Vienna in giardino e osservare il palco dal piccolo schermo”. In compenso, la luna, di cui vennero diffuse mappe e dati tecnici, perse un po' del proprio mistero e anche l'interesse mediatico, da quel momento, ebbe un forte declino. 

Come sentendo di essere di fronte allo svolgimento di un evento storico, l'umanità rimase attonita, quasi per rispetto: quella dell'allunaggio fu la prima notte senza furti ne rapine da 10 anni a quella parte: a Milano il centralino della polizia squillò solo 2 volte (per una lite e per un falso allarme); a Bologna e a Roma il copione non fu diverso. L'allunaggio ruppe le nostre certezze, annullò ogni differenza tra categorie e classi sociali: ognuno di noi si sentiva un uomo qualunque tra miliardi di uomini qualunque, troppo piccoli di fronte alla grandezza della vicenda.

L'applauso per il primo passo di Neil Armstrong fu un gesto che accomunò l'Italia e il mondo. Tutti si immedesimarono in quei tre astronauti che non erano supereroi, ma persone normali con i limiti, le debolezze e le insicurezze di ogni uomo. 

Opere di: 

Aidan, Guido Airoldi, Daniele Alonge, Andrea Anselmini, Bruno Bani, Ilde Barone, Dorothy Bhawl, Max Bi, Corrado Bonomi, Fabrizio Braghieri (Bixio), Angelo Brescianini, Dario Brevi, Massimo Caccia, Marco Casentini, Gianni Cella, Amanda Chiarucci, Angelica Consoli, Fabrizio Corbo, Luigi D'Alimonte, Sandro Del Pistoia, Ivan De Menis, Marica Fasoli, Manuel Felisi, Claudio Filippini, Andy Fluon, Daniela Forcella, Enzo Forese, Andrea Francolino, Theo Gallino, Michael Gambino, Giorgio Gost, Riccardo Gusmaroli, Omar Hassan, Mimmo Iacopino, Ugo La Pietra, Giorgio Laveri, Adolfo Lugli, Roberto Malquori, Pep Marchegiani, Demis Martinelli, Angelo Raffaele Marturano, M’horó, Daniele Miglietta, Gian Marco Montesano, Elena Monzo, Luca Moscariello, Barbara Nati, Patrizia Novello, Renzo Nucara, Daniele Papuli, Lia Pascaniuc, Lele Picà, Ario Pizzarelli, Pino Polisca, Rudy Pulcinelli, Sandi Renko, Edoardo Romagnoli, Alessandra Rovelli, Lapo Simeoni, Marco Sudati, Giorgio Tentolini, Vincenzo Todaro, Nicolò Tomaini, Giovanni Viola, Andrea Viviani, Carla Volpati.

Artisti in mostra:

Sue Arrowsmith, Davide Benati, Ian Davenport, Alberto Di Fabio, Letizia Galli, Alexis Harding, Joseph Marioni, Carmengloria Morales, Matteo Montani, Maria Teresa Ortoleva, Sean Shanahan, Peter Schuyff, Daniel Sturgis, Patrick Tabarelli , Peter Zimmermann.

testo di Stefano Castelli

07 maggio -12 luglio 2019

Inaugurazione: 07 maggio 2019 - ore 18,30

Luca Tommasi è lieto di annunciare A misura d'uomo, mostra collettiva che prende spunto dal cinquecentenario della morte di Leonardo da Vinci collegandone idealmente l'opera e il pensiero alle ricerche contemporanee.

Coinvolgendo molti degli artisti della galleria, l'esposizione propone una trattazione non letterale né iconografica dell'eredità leonardesca. Spunti formali e di contenuto, in molti casi elaborati dagli artisti per l'occasione con opere inedite, offrono uno sguardo alternativo su alcune delle idee, delle scoperte e delle rivoluzioni del maestro rinascimentale.

Uno degli spunti principali è l'idea di umanesimo, oggi certamente da reinterpretare ma ancora fortemente necessaria: il titolo, A misura d'uomo, gioca proprio con tale concetto. Pur astraendosi dal dato concreto del reale e orientandosi a diverse forme di concettualismo, la ricerca della galleria – che nel 2019 festeggia dieci anni di esposizioni – si incentra principalmente sulla pittura.   E dunque non rinuncia a un rapporto diretto, “personale” tra l'artista e l'opera, che si trasmette poi allo spettatore. Ciò accade anche nel caso di altre ricerche, dalla scultura all’installazione ambientale che coinvolge “fisicamente” il visitatore, agli esperimenti che ibridano il lavoro dell'autore con quello di macchine da lui stesso approntate.  

Tra gli altri spunti contemplati e reinterpretati dalle opere in mostra, la forma del tondo, densa di sottintesi formali e filosofici, che caratterizza l'Uomo vitruviano; la partizione geometrica dello spazio, riflesso dell'individuo e del suo rapporto con il contesto; la costante mescolanza tra l'idea di opera e quella di progetto, tra scrittura e disegno, tra segno e simbolo. Più che una trattazione analitica del tema, la mostra propone una mescolanza di voci e spunti riferibili a Leonardo, lasciando spazio anche all'interpretazione del visitatore che affianca la sua visione a quella elaborata dagli artisti nella concezione delle opere.

Immagine: Alberto Di Fabio - Codice atlantico, 2019, acrilico su tela, cm 60x60

La mostra resterà aperta con i seguenti orari:

maggio: martedì-sabato, ore 15-19

giugno e luglio: martedì-venerdì, ore 15-19

e sabato su appuntamento 

Per Info e materiale iconografico:

tel. 335 242433                                                      

Fino al 30 settembre 2019

Gli artisti Andrew Gilbert, Umar Rashid (Frohawk Two Feathers) e Jarmila Mitríková & Dávid Demjanovič – che lavorano in coppia – esporranno per la prima volta insieme per “The Fate of Empires”, iconica mostra nelle due gallerie Studio d’Arte Raffaelli e Cellar Contemporary, che affronta con libera interpretazione i temi del colonialismo, del costume militare e del folklore.

Nasce da un’idea di Andrew Gilbert, raccolta e sviluppata da Camilla Nacci, l’accostamento inedito dei tre giovani artisti, il cui percorso è accomunato da una ricerca iconografica che attinge a piene mani da episodi storici più o meno esplicitamente caratterizzati. Si tratta però, in tutti i casi, di una reinvenzione visionaria, capace di dare soluzioni alternative alla grande storia con esiti estetici di grande eleganza, in cui i prestiti dall’antico sono riscritti in chiave contemporanea in un linguaggio a tratti graffiante, a tratti poetico. L’amalgama visivo delle opere in mostra – carte, pirografie su legno, sculture in ceramica e installazioni site-specific si presta all’allestimento pensato in esclusiva nelle due sedi Studio d’Arte Raffaelli e Cellar Contemporary, tra cui si creerà un nuovo dialogo espositivo che comincerà con l’opening e proseguirà per tutta la mostra.

3 Aprile – 25 Maggio 2019

Dellupi Arte è felice di presentare il progetto Estetica. Omaggio a Michel Tapié, ospitato dal 3 Aprile al 25 Maggio 2019 negli spazi della galleria situata a CityLife all’interno del complesso progettato da Daniel Libeskind.

Nato dalla passione per la pittura astratta e per l’Arte Informale, la mostra Estetica. Omaggio a Michel Tapiéè il primo di una serie di appuntamenti e approfondimenti sviluppati intorno alla figura di Michel Tapié (1909 –1987), promossi da Dellupi Arte per la prossima stagione espositiva.  

Concepito come omaggio a una delle personalità più interessanti del panorama storico-artistico della seconda metà del XX secolo, Esteticaè una parola che ricorre con grande frequenza negli scritti di Tapié, come dimostra una sua dichiarazione riportata sulla lastra autografa esposta per la prima volta in questa occasione. 

La mostra riunisce importanti opere di artisti internazionali, profondamente legati al famoso critico e curatore francese, padre dell’arte informale e teorico dell’art autre, termine da lui coniato nel 1952 per descrivere un nuovo tipo di arte che, in rottura totale con il passato, si stava diffondendo nel dopoguerra in Europa come in America e in Giappone. 

L’art autre accomuna artisti di Giappone, America, Francia e Italia, riuniti ora nella mostra in galleria come era stato nelle numerose collettive curate dallo stesso Tapié. La selezione è frutto di un’accurata ricerca, volta a legare ogni opera esposta – vuoi per la provenienza vuoi per la sua storia – al pensiero di Tapié e alla sua visione cosmopolita dell’arte. 

Opere di Toshimitsu Imaïdialogano con le ampie colature di colore di Paul Jenkins, tra i più importanti artisti astratti americani; una bellissima tela di Georges Mathieudedicata a Michel Tapié è accostata ai dipinti di Iaroslav Serpan,entrambi pionieri dell’Astrazione Lirica; accanto allo stile inconfondibile di Luigi Boillesono esposte le sculture astratte di Franco Garellie Angelo Bozzola, quest’ultimo caro amico di Tapié. 

Completa la mostra, lo stand della galleria a miart 2019, dove viene presentata per la prima volta al pubblico una tela monumentale di Iaroslav Serpan. Opera museale per dimensione (208 x 730 cm) e rilevanza storica, Senza titolo, 1954, è tra le massime espressioni creative delle nuove forme d’arte astratta promosse in quegli anni da  Michel Tapié.

Dellupi Arte

Via A. Spinola 8, 20149 Milano

T: +39 02 469 5211 – +39 366 5242547

E: 

EMILIO PRINI

Dal 28 Marzo 2019 al 25 Maggio 2019 | Osart Gallery, Milano

Opening: Mercoledì, 27 Marzo 2019 alle ore 18,30

Osart Gallery è lieta di presentare una personale dedicata ad uno degli esponenti più enigmatici dell'Arte Povera: EmilioPrini (Stresa, 1943 – Roma, 2016). L'esposizione pone l'accento su un periodo storico ben preciso mostrando alcune opere significative prodotte tra il 1967 e il 1996. L'obiettivo della mostra è quello di proporre alcune delle tematiche chiave legate alla poetica di Prini. L'artista dichiara: «Non ho programmi, vado a tentoni, non vedo traccia di nascita dell’Arte (né della tragedia) perché la C. S. non è il frutto del puro lavoro umano (perché non ho fatto io la sedia il tavolo il foglio la penna con la quale scrivo) non creo, se è possibile».Le opere selezionate e distribuite in due sale fanno parte di alcuni dei cicli più importanti della sua produzione: Formula per tipi standard non standard realizzata per la prima volta nel 1967, Senza titolo realizzata tra il 1968 e il 1971, due opere tratte dal ciclo Governo (non standard) – Due linee che si uniscono in basso del 1986, un'opera relativa a X Edizioni (1986) e due lavori da Fogli da un taccuino di legno del 1997. Arricchiscono, inoltre, la mostra due Autoritratti realizzati nel 1976 ca. e una serie di opere su carta.

Partendo da Formula per tipi standard non standard, nella quale Prini elabora per iscritto il modello base del suo procedimento attraverso una scrittura quasi illeggibile ma al contempo ricca di formule matematiche combinate, ci si imbatte nell'opera Senza titolo che si compone di quattro pannelli con un collage di cinque fogli A4. La dicitura di Prini è la seguente “standard.asta.alluminio profilato. 6,50. m. in ambiente. 1967-1971”. Lo'Standard', un concetto visto da Prini come modello di riferimento per indagare lo spazio, fa la sua comparsa nel 1967 con Asta di comportamento(verde) che l'artista realizza e assembla presso la Galleria La Bertesca. Mai esposta ma solo fotografata, essendo Prini interessato più all'immagine che all'oggetto, l'opera si compone appunto di un'asta lunga sei metri, di alluminio profilato verde, che a seconda dello spazio in cui viene collocata si curva o distende. È lo spazio dato, quindi “Non Standard”, a decidere la forma dell'opera. 

Proseguendo troviamo due opere realizzate in occasione della mostra “X Edizioni” del 1986 presso la Galleria Franco Toselli, dal titolo Governo (non standard) – Due linee che si uniscono in basso. Si tratta di pannelli in legno MDF con due tagli che si uniscono in basso e l'applicazione di un foglio di plastica trasparente dal taglio corrispondente. Dalla stessa mostra provengono le omonime X Edizioni (tirate a 4 esemplari), ovvero cartoline “ricordo” tratte da piccoli disegni e appunti dell'artista.

Sempre nella sala principale troviamo due opere che provengono dalla mostra Fogli da un taccuino di legno del 1997 che furono esposti nella Galleria Pio Monti. Su pannelli di compensato Prini amplifica alcuni disegni tratti da una delle sue agendine, agendo con diversi metodi: matita, gesso bianco, vernice. I segni si intuiscono, si svelano, scompaiono in modo parziale o totale.L'impoverimento e la riduzione ai minimi termini dei segni tipico dell'Arte Povera, in Prini trovano un'estremizzazione attraverso un processo di sottrazione e di negazione della realtà che in alcuni casi si risolve in rapide apparizioni, in altri con l'assenza fisica dell'oggetto, fino alla sparizione dell'artista stesso dalla scena dell'arte.

Il modo di operare e di essere di Prini ha spesso sorpreso il pubblico nelle sue diradate occasioni espositive, attraverso inattesi “elementi per una esposizione” senza rinunciare mai alla sua natura eversiva e alla sua lucida e spietata intelligenza. Le sue opere appaiono come messaggi in codice da decifrare avvolti da un fascino enigmatico e da un profondo sarcasmo. «Prini è un bene prezioso che sfugge.»leggiamo in un articolo di Luca Lo Pinto a lui dedicato, «Un artista immenso che non si è mai adeguato ai codici del sistema dell’arte, facendo che essi si adeguassero a lui con una coerenza che non ha eguali». Verità che troviamo anche nelle bellissime parole di Lisa Ponti che lo racconta e descrive così: «Il punto è che lui ci deve essere e non essere allo stesso tempo. Un altro avrebbe detto “voglio essere in un punto visibile”; lui invece vuole essere in un punto quasi invisibile, però esserci».

Si ringrazia l'Archivio Emilio Prini per le informazioni relative alle note biografiche.

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EMILIO PRINI

Luogo: Osart Gallery | Corso Plebisciti 12, 20129 Milano

Inaugurazione: mercoledì 27 Marzo, 2019 alle 18.30

Date: 28 Marzo 2019 – 25 Maggio 2019

Orari di apertura: dal martedì al sabato, 10 – 13/ 14.30 – 19 (entrata libera)

Follow us: www.facebook.com/osartgallery | www.instagram.com/osart_gallery

a cura di Paolo Bolpagni

Vernissage: Giovedì 9 Maggio, ore 17.00

Dal 9 Maggio al 22 Giugno 2019

Dal 9 maggio al 22 giugno 2019 la Galleria 10 A.M. ART di Milano, nella sua sede di Corso San Gottardo 5, organizza, a cura di Paolo Bolpagni, una mostra retrospettiva dedicata a Luigi Veronesi (1908-1998), uno dei protagonisti dell'astrattismo italiano e internazionale del Novecento.

Saranno ripercorse tutte le fasi e le sfaccettate "esplorazioni" di questo straordinario artista, che spaziò dalla pittura alla scenografia, dal cinema alla "visualizzazione della musica" tramite un sistema di forme e colori da lui elaborato, dall'incisione alla grafica, dalla fotografia alle arti applicate.

Dopo gli studi tecnici, la vera svolta nel percorso formativo di Veronesi risale al 1930, quando visitò per la prima volta la Biennale di Venezia, avendo così l'occasione di vedere le opere di Kandinskij, Klee, Feininger e Schlemmer. Il suo apprendistato, fuori dal comune nell'Italia dell'epoca, proseguì nel 1932 con il viaggio a Parigi (il primo di una lunga serie), durante il quale conobbe Legér, Vantongerloo e gli esponenti dei primi gruppi concretisti, che avevano dato vita ad "Abstraction-Création", cui Veronesi aderì nel 1934. Un anno per lui molto importante, questo, dato che nel mese di dicembre ebbe luogo, alla Galleria Il Milione di Milano, la sua prima esposizione pubblica di incisioni non figurative, accostate in mostra a quelle di Josef Albers, esponente di spicco del Bauhaus allora appena chiuso dalle autorità naziste. Sarebbe presto diventato per lui un fondamentale punto di riferimento anche Làszlò Moholy-Nagy, con cui Veronesi iniziò una lunga e amichevole relazione epistolare scaturita da un incontro in Svizzera nel 1935.

I contatti con gli esponenti delle tendenze più avanzate dell'arte europea, intanto, si moltiplicavano e infittivano: nel 1936 iniziò il suo rapporto con diversi protagonisti del concretismo svizzero, tra cui Max Bill e Jean Tschichold, direttore della scuola grafica di Basilea, che gli consentì di visitare la collezione Muller, ove Veronesi ebbe la possibilità di ammirare per la prima volta opere di El Lissitskij, Rodcenko e Malevic.

Approdato a un personale astrattismo geometrico-costruttivista, spesso incentrato sul concetto musicale di "variazione", nel tentativo di raggiungere un dinamismo ritmico e armonico Veronesi cominciò a dedicarsi anche al cinema: tra il 1940 e il 1942 realizzò, colorando a mano le pellicole, sei film "astratti", attraverso i quali intendeva organizzare una "pittura in movimento". Nella mostra della Galleria 10 A.M. ART saranno proiettati alcuni di questi film, concessi dalla Fondazione Cineteca Italiana di Milano. Sarà inoltre rimarcata l'importanza del lavoro scenografico di Veronesi, il quale iniziò a occuparsi di teatro nel 1933, quando realizzò i bozzetti per le rossignol di Igor Stravinskij: nella retrospettiva saranno presentate alcune delle marionette originali per la Histoire du soldat, uno spettacolo progettato nel 1939 insieme con Luigi Rognoni, previsto per essere recitato da attori in carne e ossa, ma che trovò infine la via delle scene soltanto nel 1981, in un allestimento per marionette alla Piccola Scala di Milano.

Molti i capolavori esposti nella mostra curata da Bolpagni: da due incisioni astrattiste degli anni Trenta allo Studio cinetico del 1940, dalla Composizione n. 18 del 1941 a Composizione del 1950, dal dipinto del 1954 Incontro alla Composizione A71 del 1971 e all'olio su tela del 1991 KF 2; e inoltre esempi della "visualizzazione cromatiche della musica" sperimentate da Veronesi a partire dal 1970. Dunque una panoramica che va dagli anni Trenta ai Novanta, e che testimonia la programmatica apertura d'interessi e l'atteggiamento "intermediale" di questo artista italiano ed europeo, in cui la precisione geometrica si sposò sempre con un lirismo trattenuto e con un calibratissimo ritmo formale e cromatico.

Galleria 10 A.M. Art

Corso San Gottardo, 5 - Milano

 - www.10amart.it

Orari della mostra: dal martedì al venerdì,

dalle 10.30 alle 12.30 e dalle 15.00 alle 18.30

Tutti gli altri giorni, solo su appuntamento