Castelfiorentino, Firenze, 1929: nasce Roberto Malquori, uno dei principali esponenti dell'arte italiana degli anni '60 che ha varcato i confini nazionali per aderire al Bauhaus Situazionista Scandinavo ed esporre in occasione di eventi come l'Alternative Documenta a Kassel nel 1972 o la mostra itinerante Drakabygget. Frihetens Verkstad. The Workshop of Freedom, svoltasi fra Svezia, Olanda e Danimarca e conclusasi a Göteborg nel 2001.

La mostra personale, dedicata al maestro toscano, che apre la stagione espositiva autunnale della galleria Colossi Arte Contemporanea, vuole omaggiarlo esponendo un'accurata selezione delle sue Iconosfere, opere rappresentative della peculiarità del suo linguaggio espressivo, ideate nel 1963 ed esposte per la prima volta nel 1964, in occasione della personale alla galleria L'Indiano di Firenze, anticipando sia il successo della Pop Art di Rauschenberg alla Biennale veneziana del 1964 che la nascita del riporto fotografico su tela emulsionata della Mec-Art.

Con singolare lungimiranza, infatti, il giovane Malquori, allievo dell'Accademia di Belle Arti di Firenze, seguiva, nei primi anni '60, le sperimentazioni interdisciplinari più all'avanguardia, seguendo l'evoluzione della Scuola Pop di Pistoia e partecipando alle manifestazioni pubbliche degli amici del Gruppo 70, Eugenio Miccini e Lamberto Pignotti, caldeggiate dall'Equipe di Quadrante con la mostra Tecnologica (1963) e il convegno Arte e Tecnologia, tenutosi al Forte del Belvedere di Firenze nel giugno del 1964.

Già nel 1963, l'artista, appropriandosi delle tendenze favorevoli all'introduzione della riproduzione meccanica, tipica del linguaggio comunicativo della società massmediatica nella ricerca artistica, parallelamente a quello che stava elaborando la tecnica della riproduzione serigrafica di Warhol negli USA, aveva ideato un suo personalissimo codice linguistico, una “via italiana” alla Pop Art: esso era in singolare equilibrio tra l'estetica di appropriazione di immagini tratte dal panorama iconografico dei mass media dei Pop artisti americani e il rovesciamento ludico, sia semantico che contestuale, del suo materiale linguistico e figurativo, tipico della metodologia creativa della Poesia Visiva degli amici del Gruppo 70.

Gli universi metamorfici di Malquori nascono da queste premesse di rimessa in questione di radicale dei mezzi di comunicazione corrente, dei meccanismi di ossessiva ripetzione dell'immagine, secondo una linea di appropriazione non analitica, come quella della Pop Art americana, ma sottilmente critica nei confronti della fascinazione verso il nuovo mondo delle immagini.

Le sue Iconosfere sono caratterizzate dall'accostamento e dalla moltiplicazione di immagini tratte dal panorama iconografico della società massmediatica, immagini sottilmente subliminali, illustrazioni pubblicitarie estratte dai giornali con speciali solventi che, tramite l'assorbimento degli inchiostri, trattengono la loro roboante sensualità, talvolta la accentuano, sottraendole dal loro contesto originario per trasformarle in effimere icone di un mondo patinato. La loro vacuità viene rivelata in semi trasparenza solamente tramite il “medium” della carta o della tela sulle quali vengono trasferite.

Il suo “décollage”, inteso nell'accezione di “decollo”, di distacco dell'anima dell'immagine da rotocalchi e manifesti, come diversificazione da ogni altra espressione artistica coeva, diventa un'operazione di ritorsione critica che si inserisce nella tradizione dell'esplorazione creativa e semantica del mondo mass-mediatico: dal collage delle avanguardie storiche al décollage di Rotella e degli affichistes francesi, per arrivare al ludico rovesciamento delle immagini in segni nelle sperimentazioni della Poesia Visiva del Gruppo 70.

Nella sua arte, il décollage opera estrapolando analiticamente dati di realtà, come avviene nella poetica “predatoria” dei Nouveaux Réalistes, ma utilizzando gli stessi strumenti tecnologici e comunicativi della civiltà dei consumi: la ripetizione ossessiva, l'accumulo si trasformano, tramite il capovolgimento e l'affastellamento dei segni, in un caleidoscopio di associazioni oniriche che ingloba forme e motivi simbolici tratti dagli ambiti culturali più eterogenei, passati e futuribili, per creare ambienti momentanei della vita, improntati al culto dell'effimero e capaci di provocare nello spettatore, ancora al giorno d'oggi, il “détournement”, lo straniamento decantato dall'Arte Situazionista; si tratta di un risveglio della percezione assuefatta dalla trasmissioni di impulsi subliminali del linguaggio pubblicitario che porta alla riscoperta di un dato di realtà fenomenica più volte filtrato, prima dalla fotografia che lo cattura, poi dalla trasposizione in immagine a fini commerciali e, in ultimo, trattenuto dai solventi utilizzati dall'artista.

I numerosi punti di contatto di Malquori con l'Arte Situazionista, dalla libertà di sperimentazione alla libera espressione delle energie creative, dalla contaminazione tra i vari ambiti artistici al risveglio della coscienza dello spettatore con impulsi emotivi e psicologici, lo porta a dare alla sua arte un respiro internazionale: nel 1965 aderisce al Bauhaus Situazionista Scandinavo fondato nel 1959 da Jörgen Nash e Asger Jorn a Drakabygget, fattoria-studio situata nel sud della Svezia, dopo la separazione dal movimento Internazionale Situazionista fondato da Guy Debord. Da Firenze la volontà di reinventare un nuovo mondo partendo da quello esistente e superando la soglia dei parametri convenzionali di percezione del dato reale ed oggettivo di Malquori giunge in Svezia.

Nel 1967, anno in cui il teorico e fondatore del Situazionismo, Guy Debord, pubblicò il suo saggio programmatico La societé du spectacle, Malquori era presente con due mostre personali in Svezia: a Halmstad e a Stoccolma. La sua volontà di reiventare l'universo del reale ha conquistato anche le fredde terre del nord, come testimoniano, non solo le mostre e i cataloghi (da Alternativ Documenta a Kassel nel 1972, a International Bauhaus Sweden a Karlskron, in Svezia, nel 1988, e Bauhaus Situationiste Drakabygget alla Konstakademie di Stoccolma, nel 1996), ma anche tutta una serie di volantini, pubblicazioni, manifesti e, soprattutto, la rivista Drakabygget, fondamentale strumento di diffusione e comunicazione delle evoluzioni nella ricerca teorica del movimento scandinavo, dove Roberto Malquori ha sempre ricoperto un ruolo rilevante, mentre le sue Iconosfere brulicanti di immagini sembrano bucare le pagine e, con i loro galleggiamenti di volti in derive oniriche, colmare lo spazio tra il sublime dell'arte e la banalità quotidiana, attraverso il campo della comunicazione, il between dei situazionisti.

Nel 1969, dopo lo scioglimento, nel 1968, del Gruppo 70, è tra i sostenitori del Centro Tèchne, fondato da Eugenio Miccini, volto alla promozione di eventi d'arte, incontri, teatro d'avanguardia e pubblicazioni. Negli anni '70 Malquori continua a partecipare alle attività del Bauhaus sitauzionista.

L'onda lunga dell'energia comunicativa dal sapore pop che trapela dalle opere di Malquori seguita a conquistare il pubblico anche negli anni 2000, grazie all'attenzione di gallerie, istituzioni pubbliche e musei, sia in Italia che all'estero.

Nel 2007 la galleria Colossi Arte Contemporanea di Brescia gli dedica la mostra personale Effetto Pop, corredata da un catalogo con testo critico di Walter Guadagnini.

In questi anni, Malquori ha esposto presso il Centro per l'Arte Contemporanea Luigi Pecci di Prato (2007, 2010), il Museo della Permanente (2008) e il Museo Pecci (2013) di Milano, l'Istituto Italiano di Cultura di Bratislava (2010) e la Foundation Ik di Middelburg (2012), in Olanda, il Museo di Arte Moderna di Buenos Aires (2012), il Museum of Fine Arts di Koahsioung, il National Palace Museum di Taipei in Taiwan (2013), il Museo Novecento di Firenze (2015) e il Mart di Rovereto (2015).

Nel 2016 viene invitato a partecipare all'accurata selezione di artisti che espongono in occasione della mostra Italia Pop. L'arte negli anni del boom presso la Fondazione Magnani Rocca di Mamiano di Traversetolo (Parma).

Nel 2017 le sue opere vengono esposte al Museo Nazionale del Risorgimento Italiano di Torino in occasione della mostra Dai 60's ai 60's. Un secolo dopo l'unità d'Italia, la Pop Art, a cura di Luca Beatrice e Ferruccio Martinotti, oltre che presso il Palazzo del Pegaso di Firenze, sede del Consiglio della Regione Toscana, in occasione della mostra personale Dagli anni '60 ad oggi.

Sabato 8 luglio 2017, dalle 19 alle 24

Dopo il grande successo della prima edizione 2016, Pietrasanta si prepara per la Collector’s Night n°2, nottata all’insegna dell’Arte sotto le stelle, che coinvolge l’intera città in un unico grande evento, in cui i Collezionisti saranno resi protagonisti.
Pietrasanta, una delle città più amate nel panorama dell’Arte Contemporanea, dà il via alla stagione estiva con un evento organizzato in modo sinergico tra 10 gallerie appartenenti alla Delegazione Toscana dell’ANGAMC, Associazione Nazionale Gallerie d’Arte Moderna e Contemporanea. Sabato 8 luglio, infatti, dalle 19 alle 24 le gallerie apriranno in contemporanea per un’unica grande inaugurazione che si snoderà lungo tutte le strade della città.
In questa straordinaria ed esclusiva notte i collezionisti saranno accolti e coccolati da una città in festa e potranno passeggiare per le vie del centro storico ammirando 10 diverse mostre, che spazieranno dalla fotografia alla pittura per arrivare alla scultura.
Questo evento mira a valorizzare il binomio costituito da mercato dell’arte e identità territoriale, particolarmente sentito nella città toscana.

Sedi espositive
Delle 10 sedi espositive coinvolte, molte hanno anche altre sedi in varie città italiane o estere.
Armanda Gori inaugura la serata con la doppia personale di Riccardo Gusmaroli e Alfredo Rapetti Mogol intitolata Partitura a due, a cura di Francesca Baboni e Stefano Taddei, vengono messe in mostra due tematiche affini tra loro, “il viaggio e la scrittura”.
Galleria Giovanni Bonelli dà il via alla stagione estiva a Pietrasanta con la personale di Antonio Trotta dedicata alla serie “Scontrini”. L’attenzione dell’artista è sui “luoghi alternativi della cultura” intesi come locali, caffè, bar da Trieste a Parigi o Buenos Aires. Luoghi di incontro, frequentati in diversi momenti della storia da Artisti, poeti, letterati. Personaggi dello spettacolo o errabondi. Seguendo il pensiero di Heidegger “lo scontrino in marmo rimanda a queste esperienze, dando nomi e colore, illumina tutti i luoghi della memoria del mondo (…)”.
Per la sua prima stagione estiva a Pietrasanta la Galleria Continua di San Gimignano presenta CO-ORDINATE, una nuova personale di Antony Gormley, che attraverso questa mostra reintroduce il concetto del corpo nella scultura inteso come luogo piuttosto che oggetto.
Si prosegue con Susanna Orlando con Paesaggio dentro di Aryan Ozmaei e Giuseppe Vassallo, a cura di Pietro Gaglianò, collaborazione di due artisti con formazioni ed esperienze diverse che traducono in pittura la loro relazione con gli scenari paesaggistici che li circondano.
La serata procede con l’inaugurazione di Barbara Paci Galleria d’Arte con Sacra Privata dell’artista Massimiliano Pelletti, mostra curata da Flavio Arensi, in cui vengono esposte 9 sculture che grazie all’utilizzo materiali ricercati e inusuali prendono un’essenza contemporanea, sculture inedite presentate in un percorso unico fra storia e contemporaneità.
Ph Neutro con Behind the Visible, a cura di Gigliola Foschi, in sintonia con gli esiti più significativi della staged photography propone le opere di Tania Brassesco & Lazlo Passi Norberto in cui il lungo lavoro processuale e l’accurata costruzione dell’opera finale confluisce in un’estetica cinematografica con suggestioni letterarie, performance ed installazioni.
Poggiali porta a Pietrasanta la prima personale in Italia di Christian Achenbach, artista che presenterà una nuova e apposita versione della scultura Untitled in alluminio tagliato colorato con pittura ad olio ed acrilica, oltre a tre lavori ad olio su tela dell’ultima serie.
Le inaugurazioni continuano con la Galleria Ponzetta che con Heimat, di Nicola Bertellotti, un artista toscano che riesce a dare fascino immortalando con la macchina fotografica luoghi abbandonati e dimenticati, ambienti d'insospettabile bellezza, come a volerne restituire nuova vita, portando la mente a fantasticare sui tempi d'oro, sulla vita prima dell'oblio.
Si prosegue con Paola Raffo Arte Contemporanea che vuole quest’anno celebrare Jørgen Haugen Sørensen, uno dei più importanti scultori danesi viventi, con una mostra dal titolo La Folla – Jørgen Haugen Sørensen e Pietrasanta dagli anni ’70 ad oggi, curata da Bruno Coráe Lars Kærulf Møller. L’esposizione, dedicata ai lavori più recenti dello scultore in ceramica, bronzo e marmo insieme ad una antologica, è un omaggio alla lunga relazione di Jørgen Haugen Sørensen con Pietrasanta e come ogni anno anima il cuore della città, interessando il Complesso di Sant’Agostino, Piazza del Duomo e gli spazi della Galleria Paola Raffo Arte Contemporanea.
Si conclude con Marcorossi Artecontemporanea che ci porterà in Siria, con la mostra dal titolo Palmira di Medhat Shafik, a cura di Pietro C. Marani, un omaggio a questa città spettacolare. Un nuovo ciclo di opere, realizzate su tele di juta e carte di cotone lavorate a mano appositamente per l’artista, i colori a olio e gli acrilici si mescolano alle garze e ai tessuti dai colori splendenti, ai legni antichi, agli ossidi, agli stucchi, ai pigmenti e ai fili di lana dai colori naturali. Tutti questi elementi sovrapposti diventano metafora delle stratificazioni della storia.

Contatti
Armanda Gori
Via Padre E. Barsanti 7, Pietrasanta (LU)

Galleria Giovanni Bonelli
Piazza del Centauro, Pietrasanta (LU)

Galleria Continua - Info Point
In collaborazione con Italian Art Factory
Via Garibaldi 22, Pietrasanta (LU)

Galleria Susanna Orlando
Via Stagio Stagi 12, Pietrasanta (LU)

Barbara Paci Galleria d’Arte
Via Garibaldi 45, Pietrasanta (LU)

Ph Neutro
Via Padre E. Barsanti 46, Pietrasanta (LU)

Galleria Poggiali
Via Garibaldi 8, Pietrasanta (LU)

Galleria Ponzetta
Via Padre E. Barsanti 41, Pietrasanta (LU)

Paola Raffo Arte Contemporanea
Via Padre E. Barsanti 11, Pietrasanta (LU)

Marcorossi Artecontemporanea
Piazza Duomo 22 / Via Garibaldi 16, Pietrasanta (LU)

Opening: 22 giugno 2017, ore 18,30

dal 22 giugno al 27 luglio 2017

Luca Tommasi è lieto di annunciare la mostra collettiva IN ABSTRACTO che si terrà dal 22 giugno al 29 luglio 2017 presso gli spazi della galleria di Via Tadino 15 a Milano. In mostra, opere inedite di artisti già presentati dalla galleria con la sola novità di Patrick Tabarelli a cui verrà dedicata, nella prossima stagione, un’esposizione personale.

Comune denominatore è la ricerca aniconica che viene interpretata dagli artisti con differenti declinazioni.  Si parte dall’astrazione pura di Joseph Marioni nelle cui opere l’artista mira a presentare essenzialmente la qualità del pigmento pittorico, in sé e per sé, in una rigorosa lettura ontologica del dipinto. L’utilizzo di telai conici e rulli per dipingere rivelano anche un atteggiamento processuale che irrompe in maniera più evidentenei lavori di Ian Davenport e Alexis Harding, nelle cui opere l’utilizzo di vernici brillanti, un controllato uso della forza di gravità e un’attenzione calibrata ai tempi di asciugatura del colore concorrono all’ottenimento del risultato finale.

Chaos e ordine agitano le opere di Peter Schuyff, Mark Francis e Patrick Tabarelli. Nel primo, vorticosi patterns realizzati da pennellate rapide e nervose oltrepassano ilimiti della grafica digitale, in continuità con l’esperienza del Neo-Geo degli anni 80.  In Mark Francis, è più marcata l’associazione con la scienza attraverso il processo e il concetto di mappatura tramite reticoli e griglie che producono interconnessioni e relazioni. In Patrick Tabarelli la canalizzazione dei processi creativi in algoritmi, eseguiti da drawing-machines, genera superfici pittoriche ottenute da oscillazioni dinamiche e minimali e, talvolta, per interferenza.

Ian Davenport, nato nel Kent nel 1966,vive e lavora Londra. Si diploma nel 1988 presso il Goldsmiths College,anno in cui partecipa alla mostra inaugurale della YBA denominata Freeze. Nel 1991 viene nominato per il Turner Prize.È in collezione dalla Tate Gallery di Londra, la Weltkunst Collection di Zurigo ed il Dallas Museum of Art in Texas. Attualmente espone alla Biennale di Venezia.

Mark Francis, nato nel 1962 a Newtownards (Irlanda del Nord), vive e lavora a Londra. Il suo lavoro ha sempre avuto un grande interesse per la scienza, investigando il micro e il macro. Ha partecipato alla celebre mostra Sensation alla Royal Academy di Londra nel 1997. Sue opere si trovano in collezioni istituzionali tra cui la Tate Modern di Londra e l’Irish Museum of Modern Art di Dublino.          

Alexis Harding è nato a Londra nel 1973, dove vive e lavora. Si è diplomato al Goldsmith College di Londra. Nel 2004 vince il John Moore Prize per la pittura. Il suo lavoro è spesso visto come un compromesso fra controllo e accidentalità, che mira a rinvigorire le potenzialità della pittura astratta. Le sue opere sono presenti in numerose collezioni, tra cui quella dell'Irish Museum of Modern art di Dublino e la UBS Collection di Londra.

Joseph Marioni nasce a Cincinnati nel 1943, vive e lavora a New York dal 1972. Tiene la sua prima personale a New York nel 1975 selezionato da Brice Marden e da allora espone in gallerie private e prestigiose sedi istituzionali internazionali quali la Fondation Beyeler di Basilea, il Whitney Museum di NY, il Centro Reina Sofia di Madrid, l’Albright Knox di Buffalo. Nel 2015/2016 il Museo d’arte di Filadelfia dedica a Marioni una retrospettiva sugli ultimi 15 anni di carriera.

Peter Schuyff nasce a Baarn, Olanda, nel 1958 per poi trasferirsi in Canada con la famiglia. Attualmente vive e lavora ad Amsterdam. Le sue opere sono incluse nelle collezioni dei musei più prestigiosi, come il Moma e il Metropolitan di New York, il Moca di Los Angeles e il Moderna Museet di Stoccolma.Ha esposto nel 1987, alla galleria Lucio Amelio di Napoli e da Leo Castelli a New York. Nel 2017 i musei d’arte contemporanea di Friburgo e Digione hanno ospitato una sua retrospettiva.

Patrick Tabarelli nasce a Verona nel 1979. Vive e lavora a Milano. La sua ricerca artistica si concentra sui meccanismi di creazione e percezione dell’immagine. Fortemente orientate al processo, le sue opere sono sempre aperte a una sorta di incertezza percettiva e indagano le relazioni tra causa ed effetto, assenza e presenza.  Fra i progetti personali più recenti: "Elsewhere, Again", Peninsula, Berlino, 2016; “500 UnreachableIslands – MachinesDream of ElectricIslands", Expo, Milano 2015"Ubiquity", curata da Ivan Quaroni, Maryling|ABC Arte, Milano 2015", “Crossing-over", Hangar Bicocca, Milano, 2015.

LUCA TOMMASI ARTE CONTEMPORANEA

via Tadino 15 - 20124 Milano

www.lucatommasi.it -

La mostra resterà aperta con i seguenti orari: martedì - sabato ore 13-19.          

Info e materiale iconografico:

– mobile +39 335242433 

Milano | Officine Saffi

22 giugno – 14 luglio 2017

Inaugurazione: martedì 21 giugno, 18.30-21.00

Per la stagione estiva 2017 Officine Saffi presenta una mostra corale promossa dal centro internazionale di ricerca ceramica danese Guldagergaard.

In mostra Stephen Bowers, Jim Cooper, Malene Hartmann Rasmussen, Sergei Isupov, Sten Lykke Madsen, Kadri Pärnaments, Mara Superior, Lileng Wong.

 "Ma io non voglio andare fra i matti", osservò Alice.

"Oh, non hai altra scelta," disse il Gatto :"Qui siamo tutti matti. Io sono matto. Tu sei matta."
"Come lo sai che sono matta?" Disse Alice.

"Per forza," disse il Gatto: "Altrimenti non saresti venuta qui."

– Lewis Carroll, Le avventure di Alice nel Paese delle Meraviglie

Quando uscì Alice era il 1865, a un dipresso il momento in cui la riflessione sull’arte e la sua pratica avevano iniziato a erodere programmaticamente i concetti di verosimiglianza e di racconto, cioè di riferimento coerente a un mondo inteso come coerente, e ciò avveniva tanto per le vie esteriori del revival medievale per cui altrimenti s’intendeva “quella specie di strana formosità deforme e deformità formosa”, quella “così grande e così strana varietà di forme eterogenee” (così Bernardo di Clairvaux), tanto per le vie interne della riflessione, ormai pronta a rivendicare al territorio dell’artistico autonomie che ne riguardavano gli stessi fondamenti spazio/temporali, facoltatività in grado di produrre senso anziché trascrivere quello apparente. Non è un caso. Il mondo di Alice è un’idea di realtà scardinata, mobile, fastosamente suggestiva, che vale ben più della sua stessa fabula.

Il gioco all’apparenza lieve e désengagé proposto dalla mostra “Alice in Wonderland”, concepita in seno al centro internazionale di ricerca ceramica danese Guldagergaard e passato alle Officine Saffi, mira a un duplice scopo. Il primo è sollecitare otto autori diversi, scalati anagraficamente tra il 1937 e il 1973 e geograficamente dalla Danimarca alla Malesia, dalla Nuova Zelanda agli Stati Uniti, a misurarsi con il testo carrolliano deducendone riflessioni diverse, da iconografiche a concettuali. Il secondo è, attraverso questa provocazione che alla prima appare epidermica, provocarli a dichiarare il grado d’intendimento del carrolliano “we’re all mad here” che è dell’arte tutta, forma preziosa di madness laddove si sottragga dalle forme stantie dell’ordinario: una riflessione e una dichiarazione dunque sul proprio essere artisti, sul proprio disciplinare sentirsi ceramisti.

Stephen Bowers (Australia, 1953) apparecchia un gioco di scacchi abitato da figure calate tutte nell’immaginario caricaturale della tradizione popolare.

Jim Cooper (Nuova Zelanda, 1956) assume la posizione più radicale: il suo è una sorta di presepe grottesco in cui iconografie basse e costeggiamenti kitsch postmoderni esibiscono con orgoglio brutale la propria spavalda evidenza.

Malene Hartmann Rasmussen (Danimarca, 1973) muova dall’appropriatezza tecnica e formale per approntare visioni all’apparenza ordinarie, confortevoli, ma in realtà nutrite d’un gioco continuo di eccezioni significative.

Più fantasticante e stylé è il lavoro di Sergei Isupov (Russia, 1963), mentre Kadri Pärnaments (Estonia, 1968) usa la chiave della pertinenza iconografica, ivi compresa la citazione diretta della tradizione illustrativa, ma in un montaggio saporoso e straniato.

Sten Lykke Madsen (Danimarca, 1937), certo nutrito a suo tempo dell’abbreviazione espressivamente brusca di CoBrA e dintorni nonché di suggestioni distillate d’art brut, mette in scena un teatrino di figure diverse, accogliendo a pieno la significazione specifica delle singole schegge narrative ed espandendola in chiave d’umore postsurreale.

Mara Superior (Stati Uniti, 1951) assume la chiave del jeu d’enfants, d’uno straniato e reinventato gusto per i bibelots, quasi in omaggio al tempo e al luogo in cui Alice storicamente nasce.

Lileng Wong (Malesia, 1967) sceglie la chiave d’un immaginario dolce e infantilmente confidente.

Si tratta dunque di posizioni divaricatissime, le quali tutte indicano che si tratta, bon gré mal gré, approcci di tipo iconografico: ma dove la vera materia problematica è non il pretesto carrolliano, bensì la centralità del poter figurare della ceramica.

OFFICINE SAFFI:

Officine Saffi è un centro specializzato nella ceramica contemporanea. Il progetto comprende la Galleria dedicata all’arte ceramica con mostre di artisti contemporanei e maestri del passato. Il Laboratorio dove sono organizzati corsi e workshop, oltre a produzioni di artisti e designer, le Residenze d’artista e la Casa Editrice che pubblica la rivista trimestrale specializzata La Ceramica in Italia e nel mondo (www.laceramicainitalia.com) e cataloghi d’arte. Infine, completa il progetto, il concorso internazionale Open to Art, dedicato alla Ceramica contemporanea d'Arte e di Design.

GULDAGERGAARD:

Guldagergaard è un centro internazionale di residenze d’artista il cui scopo primario è quello di promuovere la ceramica come forma d’arte. Il centro è un'istituzione senza scopo di lucro finanziata dal Ministero della Cultura danese e la municipalità di Slagelse. Guldagergaard ['Gool-aya-goh'] significa Fattoria dell’acro; era una fattoria di frutta di proprietà della stessa famiglia per quasi 100 anni. Nel 1997 è nato il Centro Internazionale di Ricerca Ceramica Guldagergaard il cui obiettivo è tuttora quello di offrire agli artisti internazionali laboratori ben attrezzati e personale tecnico pronto ad aiutare e a trasformare le loro visioni in argilla.

Officine Saffi

Via A. Saffi 7 – Milano

+39 02 36685695

 - www.officinesaffi.com

Orari di apertura:

lunedì - venerdì, 10-13 / 14-18.30

sabato, 11-18

domenica su appuntamento 

10 giugno | 16 settembre 2017

opening: sabato 10 giugno ore 18.30

a cura di leonardo conti

musiche di paola samoggia

La PoliArt Contemporary annuncia Windows la nuova mostra dedicata a Sandi Renko. Il progetto site-specific, realizzato in più di un anno di lavoro, crea un affascinante straniamento rispetto a un allestimento abituale. Le circa venticinque opere, infatti, lasciando libere le pareti, s’aggregano in patchwork per coprire le grandi finestre e nicchie della galleria milanese, come nelle vetrate di una cattedrale gotica.

Sono proprio le caratteristiche della ricerca di Renko ad avere reso possibile un simile progetto, in grado di modificare invertendola la percezione dello spazio espositivo.

Nella ricerca recente dell’artista italo-sloveno una forza quasi auto-generativa interna alle opere - caratterizzata dalle cangianze cinetiche delle forme e dei colori – aveva prodotto vere e proprie trasformazioni percettive, in grado di rompere l’ortogonalità, nella creazione di oggetti poligonali. In una sorta di attività antigravitazionale, le singole opere di Renko acquisivano un’inedita leggerezza sulle pareti, richiamandosi come in uno stormo in volo.

Partendo dalla constatazione di questo legame tra le opere, il cui tramite è lo spazio-luce, la ricerca di Renko si è orientata verso la deframmentazione, per identificare il luogo esatto del luogo espositivo in cui singolarità e molteplicità potessero raccogliersi insieme allo spazio e alla luce. Windows è la straordinaria proposta di Renko, nella quale c’è qualcosa in più di un’idea d’arte contemporanea e qualcosa in più di un luogo allestito, perché l’artista riesce a evocare persino la sacralità di colore, luce e spazio mutevoli, tipici delle grandi vetrate nell’interno delle grandi cattedrali gotiche.

Il ritmo espositivo accade per grandi blocchi cromatici e pause silenziose. I dettagli restano la difficilissima semplicità della tecnica di Sandi Renko, fatta di contrappunti di linee tra i micro rilievi del canneté (un leggero cartone da imballaggio).

In occasione della mostra sarà realizzato un catalogo in 120 esemplari numerati, ognuno contenente un’opera unica realizzata da Sandi Renko.

La ricerca di Sandi Renko, dagli anni Settanta a oggi ha cercato una sintesi tra un riduzionismo rigoroso, l’arte minimalista e le esperienze cinetiche, con una grande attenzione allo spazio in cui le opere interagiscono. In quest’ottica, è connaturata alla ricerca dell’artista una propensione alle installazioni ambientali e ai progetti site-specific. È proprio il sincretismo a fare della ricerca di Renko un originalissimo capitolo dell’arte contemporanea aperto sul futuro. Con un’incredibile povertà di mezzi, cartone ondulato e pennarelli acrilici (e tiralinee), l’artista riesce a creare complesse e raffinatissime visioni mutevoli, spesso incentrate sulla figura del cubo e in grado di modificare dall’interno anche i bordi delle opere. 

V.le Gran Sasso 35, Milano

Tel. 02.7063.6109

 - www.galleriapoliart.com

mer e gio 16.30 -19.30,

ven e sab 10.30-13.00 / 16.30-19.30

a cura di Alessandra Redaelli

Vernissage: GIOVEDÌ 15 GIUGNO 2017, ore 18 - 21
Periodo: 16 Giugno – 5 Agosto 2017
Catalogo: Vanilla Edizioni, con testo di ALESSANDRA REDAELLI
 

Vincitore del “Premio Speciale Punto sull’Arte” al concorso Arteam Cup 2016, GIORGIO TENTOLINI è il protagonista di una mostra personale presso una delle sale della Galleria PUNTO SULL’ARTE a Varese – VERNISSAGE GIOVEDÌ 15 GIUGNO h 18-21.
Infaticabile sperimentatore, l’artista si muove in bilico tra l’impostazione classica del soggetto (figure, nudi, visi, elementi floreali) e un concettuale sottilissimo giocato sulla scelta di materiali inediti. Come la rete metallica, che intaglia a mano e stratifica ottenendo sbalorditivi effetti di chiaroscuro di suggestione fotografica. La sensazione visiva risulta spiazzante perché l’immagine si percepisce chiaramente a una certa distanza, ma avvicinandosi tende a perdere i contorni, a confondersi, dando prevalenza alla fisicità del materiale. Incantevoli i lavori su carta stratificata, delicati soggetti floreali realizzati sempre con la tecnica della sovrapposizione e giocati su sottilissime sfumature di luce. 

GIORGIO TENTOLINI: Nasce a Casalmaggiore (Cremona) nel 1978. Dopo essersi formato in Arti Grafiche presso l’Istituto d’Arte Toschi di Parma, si diploma in design e comunicazione presso l’Università del Progetto di Reggio Emilia. Frequenta gli studi di alcuni artisti, tra cui quello di Marco Nereo Rotelli, e inizia una personalissima ricerca artistica realizzando installazioni su base fotografica, per le quali ottiene subito riconoscimenti significativi. Ogni sua opera nasce da una precisa indagine sul tempo come memoria e identità, in un’attenta e lenta ricostruzione che avviene con lo studio della luce e l’incisione di strati di materiali diversi come tessuti, carte e PVC. Sono il tulle, la rete metallica e il nastro adesivo l’attuale medium della sua ricerca per la levità meditativa che i suoi strati restituiscono all’immagine, metafora di luoghi e ricordi, di sogni e visioni. Un lavoro pittorico dunque che vive la realtà della scultura. Vive e lavora tra Casalmaggiore, Reggio Emilia e Milano.

Courtesy Colossi Arte Contemporanea, Brescia.

 
PUNTO SULL’ARTE
Viale Sant’Antonio 59/61, Varese
0332 320990 I
Martedì - Sabato: h 10-13 e 15-19

Fino al 30 luglio 2017

Sono passati ormai 30 anni dalla scomparsa di Andy Warhol (Pittsburg, 1928 – New York, 1987), icona assoluta della Pop Art, il più famoso e popolare artista del secolo scorso. La galleria Colossi Arte Contemporanea lo omaggia in questa ricorrenza esponendo le dieci serigrafie appartenenti al porfolio intitolato Ladies and Gentlemen, che raffigurano drag queens, travestiti, realizzato in 125 esemplari, stampati da Alexander Heinrici a New York ed editi da Luciano Anselmino, Milano, nel 1975, il periodo in cui Warhol, dopo avere messo a punto il procedimento della riproduzione serigrafica negli anni '60, si dedicò ai ritratti degli affascinanti divi del jet-set americano, anche su commissione, diventando il “pittore di corte” dello show business del quale era attivo partecipante, così come delle categorie sociali più emarginate dell'underground newyorkese. La cartella, eccezionalmente corredata dal colophon originale, è completa di tutti e dieci gli esemplari che riportano ognuno la numerazione della stessa: 96/125. Le serigrafie sono tutte pubblicate su Andy Warhol Prints. A Catalogue Raisonne, a cura di Jörg Schellmann.

Warhol è stato capace di tradurre il linguaggio comunicativo della società massmediatica in un procedimento estetico che sfrutta i mezzi di riproduzione meccanica della realtà, la fotografia scattatata con la sua inseparabile Polaroid in formato quadrato o le illustrazioni patinate dei rotocalchi, così come la stampa serigrafica, per restituircela sotto forma di proiezione immateriale, spersonalizzata su un supporto: i miti hollywoodiani dello star system come Marilyn Monroe o Elvis Presley del 1962, oppure icone della pubblicità come la bottoglia della Coca Cola, le Campbell's Soup Can o le scatole Brillo del 1964 vengono riprodotte con la serialità della produzione industriale; un procedimento che si riflette nell'organizzazione fordiana della sua Factory newyorkese o nella gestione della Andy Warhol Enterprises, e prende le distanze sia dall'astrazione gestuale, intesa come espressione della propria interiorità, dell'action painting di Pollock, che dall'immaginario Dada dell'object-trouvé (che in Warhol perde tutta la sua aurea di fascino e unicità per amalgamarsi nell'omologazione del consumismo) per riunire estetica dell'arte ed estetica della produzione industriale. Qui, la potenza evocativa dell'immagine passa attraverso la sua inflazione, assunta come metodo operativo ad imitazione della produzione di massa. Il nuovo ready-made adottato dall'artista è la roboante impaginazione testuale dei quotidiani nei suoi headlines works degli anni '50-'60, deprivandoli delle didascalie per palesare la loro ambigua corrispondenza con la realtà.

Allo stesso modo, il processo di riproduzione serigrafica di un'icona massmediatica, messo a punto negli anni '60, non riproduce le fattezze reali di una persona ma una trasfigurazione fantasmatica di un cliché, la sua proiezione impalpabile, disincarnata, uno stereotipo consunto che si protrae all'infinito nella riproduzione serigrafica delle stampe, metafora del proliferare e della moltiplicazione spregiudicata delle immagini persuasivamente occulte nell'immmaginario onirico suggerito dal sistema produttivo che, tramite messaggi subliminali, invita all'omologazione e alla cancellazione dell'individualità.

L'unico modo per salvarsi da questa spersonalizzazione, in un mondo di comportamenti standarizzati, sembra essere, secondo Andy Warhol, lo sdoppimento della personalità, l'omosessualità, l'esibizionismo, il travestimento e il mimetismo che ostentano i travestiti raffgurati nelle serigrafie dei Ladies and Gentlemen (1975) esposte in mostra. Il loro atteggiamento diventa metafora dello splendente superficialismo imposto dagli imperativi visivi di spettacolarità del sistema sociale ed economico. Questi scatti, realizzati negli anni '70, con la sua inseparabile Polaroid Big Shot, sono ritratti di emarginati, di eccentrici sconosciuti dell'underground newyorkese, minoranze intrappolate in un cliché che le spinge ai margini della vita comunitaria, così come gli indiani delle riserve, sopravvissuti al mito della frontiera, o i cowboy delle saghe hollywoodiane.

In una società tendente all'omologazione, dove qualunque immagine può essere estrapolata dal flusso inesauribile della comunicazione massmediatica per essere restituita come immagine onirica labile e già consumata, l'artista ritrae i divi del jet-set internazionale esattamente come i suoi Ladies and Gentlemen.

Nel loro seriale manifestarsi in molteplici varianti di colore, l'ingrandimento e la manipolazione di dettagli anatomici come il collo, il naso o le labbra, del trasferimento serigrafico, le immagini delle drag queens nere del night club The Gilden Grape della serie, scovate da Bob Colacello, editor della rivista “Interview”, fondata da Warhol nel 1969, simulano il meccanismo di sovraesposizione dei prodotti reclamizzati e delle notizie di cronaca e ripetono la logica commerciale dell'esposizione della merce proposte in tutte le loro varianti cromatiche. Sui loro volti, impressi nella diapositiva in acetato derivata dallo scatto, Warhol interviene con pesanti segni grafici, larghe campiture pure di colore acrilico, non materiche, dalla disposizione mai casuale, ma proveniente da un'ispirazione calcolata e automatica, derivata dalla sua esperienza di illustratore per riviste glam e patinate come Glamour, Vogue e Harper's Bazaar negli anni '50; l'accostamento e la sovrapposizione di queste chiazze di colore è simile ad un assemblage di ritagli incollati e accostati, che si esprimono nella vitalità di un'esplosione di colori che la stampa fonde in un'unica superficie, dove la fatua vitalità comunicativa dell'immagine si stempera. Le forme del ritaglio incollato giocano con quelle realistiche della fotografia, squilibrando i tratti anatomici delle figure, spesso in corrispondenza della bocca, degli occhi e dei capelli. Gli atteggiamenti dei personaggi tradiscono la loro volontà velleitaria di omologarsi al prototipo seduttivo della star ritratta in pose cinematografiche, stereotipate, ma aggressivamente impotenti, nonostante lo sforzo dei transessuali, e in forte contrasto con la disposizione formale delle macchie che l'artista si diverte a far esplodere in una vitalità cromatica; un dualismo ontologico tra forma e psicologia che si propone di risvegliare le nostre coscienze assueffatte dalla proliferazione delle immagini massmediatiche dei divi patinati dello star system.

Come dice Pier Paolo Pasolini in Andy Warhol. Ladies and Gentlemen, 1975:

“A una serie di macchie (ritagli colorati) la cui struttura è decisa aprioristicamente anche quando è parzialmente lasciata al caso, si oppone una serie di ritratti fotografici il cui significato è aprioristico e predeterminato.

Il messaggio di Warho per un intellettuale europeo è una unità schlerotica dell'universo, in cui l'unica libertà è quella dell'artista che, sostanzialmente disprezzandolo, gioca con esso.

La rappresentazione del mondo esclude ogni possibile dialettica. È, al tempo stesso, violentemente aggressiva e disperatamente impotente.

C'è, dunque, nella sua perversità di “gioco” crudele, astuto e insolente, una sostanziale, e incredibile, innocenza”

Il gioco della contraddizione tra apparenza e sostanza, il gioco dello sdoppiamento del sé...

Le serigrafie sono state esposte e pubblicate in:

Andy Warhol Prints. A Catalogue Raisonne 1962-1987, a cura di Frayda Feldman e Jörg Schellmann e Claudia Defendi, con testi critici di Henry Geldzahler e Roberta Bernstein, Abbeville Press, New Yotk, 1989. tav. 128-137;

CHIARI&geniali. 8 percorsi nell'arte contemporanea, 10 marzo – 22 aprile 2007, catalogo della mostra presso Villa Mazzotti, Chiari (Bs), progetto e organizzazione a cura di Antonella e Daniele Colossi, ColorArt Edizioni, Brescia, pp. 77-81;

Made in Warhol, 14 luglio – 25 novembre 2007, catalogo della mostra, a cura di Mirella Panepinto e Carlo Occhipinti, presso Villa Ponti, Arona (No), Areadigitale srl, Borgomanero (No), 2007, pp. 60-74;

Andy Warhol. The Great American Dream. Opere grafiche 1956-1983, catalogo della mostra presso la Galerie Alm Tunnel e la BCEE. Banque et Caisse d'Epargne de l'Etat (Lussemburgo, 2 luglio – 25 agosto 1996) e l'Ulmer Museum di Ulm, Germania (1° settembre – 13 ottobre 1996), Mazzotta Editore, Milano, 1996, pp. 76-85.

4° EDIZIONE

Vernissage: GIOVEDÌ 15 GIUGNO 2017, ore 18 - 21
Periodo: 16 Giugno – 5 Agosto 2017

La Quarta Edizione della rassegna <20 15x15 / 20x20 | Collezione PUNTO SULL’ARTE vede riuniti quest’anno 13 Artisti, pittori e scultori italiani e stranieri, con diverse esperienze nazionali e internazionali.
Il vernissage della mostra si terrà GIOVEDÌ 15 GIUGNO dalle ore 18 alle 21 presso la Galleria PUNTO SULL’ARTE a Varese – Casbeno.
Come nelle passate edizioni, ogni Artista ha realizzato opere partendo dalle misure standard di 15x15 cm e 20x20 cm. Ognuno si è espresso liberamente, senza un tema predefinito e senza vincoli di tecnica. Varie sono anche le tecniche e i supporti utilizzati: dai colori ad olio e ad acrilico, alla resina, dalle biro colorate alla foglia oro, dalla tela al bronzo, fino alle lastre di rame.
Il risultato finale è rappresentato dalla mostra collettiva con cui la Galleria PUNTO SULL’ARTE conclude la stagione espositiva prima dell’estate: una mostra costituita da pezzi unici realizzati da ogni artista appositamente, opere personali, inedite e in edizione limitata.

Artisti in mostra: Angelo ACCARDI, ANNALÙ, Valentina CECI, Manuel FELISI, Max GASPARINI, Claudia GIRAUDO, Federico INFANTE, Andrea MARICONTI, Lara MARTINATO, Kyoji NAGATANI, Alex PINNA, Davide PUMA, Giorgio TENTOLINI.

Durante il Vernissage saranno presenti gli Artisti.

PUNTO SULL’ARTE
Viale Sant’Antonio 59/61, Varese
0332 320990 I
Martedì - Sabato: h 10-13 e 15-19

Inaugurazione mercoledì 3 maggio dalle 18.30 alle 21.00

4 maggio / 22 luglio, 2017

La Galleria Fumagalli ha il piacere di presentare la mostra di Maurizio Nannucci “What to see what not to see”, nel suo spazio milanese di Via Bonaventura Cavalieri 6, inaugurato a maggio 2016. La collaborazione tra la Galleria e Maurizio Nannucci inizia nel 2004 a Bergamo con la partecipazione alla mostra “AA.VV. 30”, seguita nel 2005 dalla  personale “Neon Words”. “What to see what not to see” è la prima personale dell'artista in Italia dopo la grande antologica tenuta al Maxxi a Roma nel 2015.

La mostra consta di una sequenza di cinque nuove opere di Maurizio Nannucci, realizzate in neon di grandi dimensioni e di colori diversi che, attraverso immagini, parole e significati, interagiscono con gli spazi della galleria. In particolare, questo progetto verte sulla reiterazione di frasi affermative e negative che contengono al loro interno alcune modifiche concernenti il segno e inerenti al significato. Attraverso questa serrata dialettica tra due poli oppositivi, la ricerca dell’artista tende a mettere in evidenza come il fulcro delle proprie realizzazioni sia da ricercare non tanto nell’effettualità di un atto in sé concluso, in una perentoria affermazione, quanto nella continua sospensione delle componenti semiologiche e semantiche della realtà in uno spazio in bilico, ma generativo, tra affermazione e negazione, tra impossibilità della risposta e performatività della domanda, in una continua dilatazione delle possibilità latenti a essa sottese. What to see what not to see, what to say… what to hear… what to feel… what to love: le opere si presentano come una serie di interrogativi in continua tensione che fanno riflettere sulla condizione dell’uomo nella società in un duplice rapporto, con gli altri e con sé stesso. L’urgenza che si presenta quotidianamente è quella di fare una scelta: cosa vedere, cosa dire, cosa pensare, cosa percepire, cosa amare… come orientare le nostre decisioni. Il senso, il significato, è sempre sfuggente, irrisolto, ma lo scopo di Nannucci non è offrire soluzioni in sé concluse, ma indicare e alludere riflessivamente alle differenti possibilità di lettura e interpretazione dei segni che ci circondano, in una continua apertura e declinazione delle componenti semantiche intrinseche alle proprie realizzazioni.

Il lavoro di Nannucci restituisce una valenza simbolica alle singole parole, lui stesso dice: "credo che l'immagine trascenda i limiti della rappresentazione, diventando un'immagine mentale, virtuale, un'immagine che nasce da un sogno o da un sogno ad occhi aperti, un’immagine visualizzata e relativa, che può essere evocata da una sola parola, un suono o un profumo...”. Riducendo i mezzi visivi al linguaggio e alla scrittura, Nannucci persegue una pratica artistica che evoca la percezione sensoriale, che trasmette nuove esperienze spaziali e che attiva uno scambio tra l'opera e il fruitore, motivandolo, in un gioco libero del pensiero, ad una più approfondita e rinnovata relazione fra il proprio io, sensoriale e concettuale, e il circostante.

Maurizio Nannucci (Firenze 1939) è uno dei protagonisti dell’arte italiana degli ultimi decenni e tra i più conosciuti a livello internazionale. Sin dalla metà degli anni Sessanta esplora il rapporto tra arte, linguaggio e immagine, tra luce-colore e spazio, creando inedite proposte concettuali, caratterizzate dall’utilizzo di media diversi: neon, fotografia, video, suono, edizioni e libri d’artista. Sono del 1967 le prime opere in neon che apportano al suo lavoro una dimensione più varia di significati e una nuova percezione dello spazio. Da allora la ricerca di Nannucci si è sempre interessata a un dialogo interdisciplinare tra opera, architettura e paesaggio urbano, come dimostrano le collaborazioni con Renzo Piano, Massimilano Fuksas, Mario Botta, Nicolas Grimshaw, Stephan Braunfels. Ha partecipato più volte alla Biennale d’arte e di architettura di Venezia, a Documenta di Kassel, alle Biennali di San Paolo, Sydney, Istanbul e Valencia ed ha esposto nei più importanti musei e gallerie di tutto il mondo. Tra le sue installazioni al neon in luoghi e istituzioni pubbliche si ricordano: Carpenter Center, Harvard University, Cambridge; Auditorium Parco della Musica, Roma; Bibliothek des Deutschen Bundestages e Altes Museum, Berlino; Kunsthalle, Vienna; Lenbachhaus München; Villa Arson, Nizza; Fondazione Peggy Guggenheim, Venezia; Mamco, Ginevra; Galleria d’arte moderna, Torino; Hubbrücke, Magdeburgo; Galleria degli Uffizi, Firenze; Museum of Fine Arts, Boston; Maxxi, Roma. Numerose sono state recentemente le installazioni di Nannucci in spazi pubblici a Milano: dalla grande “And what about the truth” in Triennale (2006) a “No more excuses”, realizzato per l’Expo 2015 sulla facciata del Refettorio Ambrosiano di Piazzale Greco. Tra le mostre da segnalare la sua partecipazione a: “Anni Settanta”, alla Triennale di Milano (2007); “Fuori! Arte e Spazio Urbano 1968/1976”, al Museo del Novecento (2011); “Ennesima”, alla Triennale (2016); “L’Inarchiviabile” al FM Centro per l’Arte Contemporanea (2016).

In collaborazione con l’Archivio Vincenzo Agnetti

PROROGATA FINO AL 21 LUGLIO 2017

Sarà prorogata fino a venerdì 21 luglio 2017, la personale di Vincenzo Agnetti, Oltre il Linguaggio, allestita nei nuovi spazi della Osart Gallery di Milano di corso Plebisciti 12.

La mostra, organizzata in collaborazione con l’Archivio Vincenzo Agnetti di Milano, si focalizza sulla produzione fotografica di Vincenzo Agnetti (1926-1981), uno dei più importanti e interessanti autori italiani del Novecento, con una selezione di 17 lavori realizzati tra il 1973 e il 1976 che rappresentano al meglio la sua ricerca concettuale.

L’esposizione si collega idealmente con la grande antologica, dal titolo A cent’anni da adesso, curata da Marco Meneguzzo insieme all’Archivio Agnetti, che Palazzo Reale di Milano ospiterà dal 4 luglio al 24 settembre.

Oltre il linguaggio si sofferma sulla portata delle operAzioni concettuali che Agnetti mette in atto nel corso della sua breve ma incisiva poetica espressiva, come in Progetto per un Amleto Politico (1973) o come in Discorso n°2 (1974). Insieme a Frammento di Tavola di Dario (1973) questi lavori sono tutti riconducibili al meccanismo di traduzione, azzeramento e riduzione.

Il linguaggio torna al centro delle attenzioni di Agnetti nella versione su carta della celebre Autotelefonata (1974) dove “minifototessere” lo ritraggono nell’atto di telefonare a se stesso.

Alla pratica di traduzione e riduzione, riscontrabile anche nell’opera-performance In allegato vi trasmetto un audiotape della durata di 30 minuti (1973) si aggiunge l’operazione che l’artista definisce di ‘teatro statico’, che ha in Elisabetta d’Inghilterra (1976) il suo vertice espressivo più rappresentativo.

La spettacolare installazione Progetto Panteistico (1973) va a toccare un altro tema tanto caro ad Agnetti, quello della natura. In Tutta la Storia dell’arte, (1973) Agnetti sintetizza in maniera provocatoria la sua visione dell’arte attraverso l’utilizzo di tre immagini, due canoniche che fanno riferimento al periodo arcaico e classico e una spiazzante che rappresenta la contemporaneità.

Un’analisi delle opere fotografiche di Vincenzo Agnetti non può che concludersi con una riflessione sul rapporto tra mezzo e messaggio. In Free – hand photograph (1974) l’artista utilizza la strategia del procedimento interrotto e realizza una fotografia paradossale che prescinde dal mezzo-macchina fotografica e dall’oggetto esterno da fotografare. Tramite tale operazione “sovversiva” nasce la Fotografia eseguita a mano libera.

Accompagna la mostra un catalogo bilingue (italiano, inglese) Digital Project, con testi critici di Daniela Palazzoli e Bruno Corà.

VINCENZO AGNETTI. Oltre il linguaggio

Milano, Osart Gallery (corso Plebisciti 12)

Prorogata fino al 21 luglio 2017

Orari: da martedì a sabato, 10.00 - 13.00; 14.30 - 19.00

Sono esclusi Venerdi 2 e Sabato 2 giugno, 2017

Ingresso libero

Informazioni: T. 02.5513826; ; www.osartgallery.com

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CLP Relazioni Pubbliche

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