4 ottobre 2016 – 31 ottobre 2016

Inaugurazione: Lunedì 3 ottobre – h. 19.00

La Galleria Paola Verrengia inaugura lunedì 3 ottobre alle ore 19.00 il progetto espositivo di Matteo Fraterno, IN-DIFFERENZIATI, con un intervento di Achille Bonito Oliva.

La mostra rientra tra gli eventi organizzati in occasione della Dodicesima Giornata del Contemporaneo, promossa da AMACI.

 Il percorso espositivo ideato dall’artista per gli spazi della Galleria salernitana comprende il video IN-DIFFERENZIATI, Atene, 2012 che dà il titolo alla mostra, e una serie di piccole opere inedite, acquerello su legno, che raccontano di una Grecia in bilico tra la modernità e il ritorno al passato.

Il video propone la visione di una città, Atene, dove già nel 2012 si leggevano i segni della crisi che ha generato in parte indifferenza, ma anche rabbia, sensazione di impotenza e addirittura episodi di violenza. Attraverso i percorsi dei Cingalesi e dei Pakistani, simili e uguali a raccoglitori di rifiuti di tutte le grandi metropoli, emblema dello sviluppo ineguale, l’artista documenta segnali di cambiamento. Ecco cosi inquadrati centinaia di migranti, gli In-differenziati, che da qualche tempo come fantasmi girano in ogni strada della città con carrelli da supermercato rovistando nei rifiuti, secondo una toponomastica precisa. La scelta di Matteo Fraterno di utilizzare come sottofondo una struggente Cavalleria Rusticana - interpretata da Maria Callas – sposta l’attenzione dello spettatore sul concetto di tradimento, cioè su un’Europa sempre in bilico nella sua ambiguità nei confronti della Grecia, senza una posizione precisa sulla volontà di trattenerla o meno all’interno della Comunità Europea. Riuscendo così a creare una vera fratellanza tra la marginalità dei lavoratori come metafora della marginalità della Grecia.

Matteo Fraterno

(Torre Annunziata, 1954) vive e lavora tra Atene e Napoli.).

Selezione delle principali mostre personali e collettive: L’Albero della cuccagna. Nutrimenti dell’arte, a cura di Achille Bonito Oliva, Padula, Certosa di San Lorenzo, Salerno (2015); REWIND ARTE A NAPOLI 1980-1990, a cura di Angela Tecce. Castel Sant’Elmo, Napoli (2014-2015); FEMMINILE DE VILLEHARDOUIN, Chiostro San Domenico Maggiore, Napoli. Prodotto dal Forum Universale delle Culture di Napoli e Campania (2014); RAZZA VESUVIANA a cura di Achille Bonito Oliva - SUDLAB, Portici (2013); G. DI VILLEHARDOUIN & FIGLI, a cura di Rossana Macaluso - Museo Archivio Laboratorio per le   arti contemporanee Hermann Nitsch, Napoli (2013); THE WALK, a cura di Armin Linke e Glegg & Guttman, HfG Università di Arte di Karlsruhe, Karlsruhe (2013); TRANSIENT SPACES – THE TOURIST SYNDROME Marina Sorbello, Antje Weitzel in cooperazione con Raffaella Morra, Fondazione Morra, Napoli (2010); ΠΟΛΕΙΤΑΙ, Palazzo Delle Sperimentazioni, Fondazione Morra, Napoli (2010-2011); ODA, NON RIESCO AD ESSERE INFELICE , 7° Tirana Film Festival, Tirana (2009); “TOUPIE OR NOT TO BE”, Mosaico per Stazioni dell’Arte Linea, Metropolitana di Napoli (2007); ALL ABOUT LIES a cura di Selda Asal, Apartment Project, Istanbul (2006); NAPOLI PRESENTE cura di Lorand Hegyi, Posizioni e prospettive dell’arte contemporanea, PAN/Palazzo delle Arti Napoli (2005); PRESENTE CONTINUO a cura di Gianluca Riccio, Identità Attese Fantasmi Rotte Vicende del Mediterraneo, Castel dell’Ovo, Napoli (2004); SUBURBIA a cura di M. Paderni, Periferie nel territorio, nella mente, nella comunicazione, Reggio Emilia (2004); EGNATIA, a path of displaced memories, Progetto Stalker-O/N ( 2004-06); L'ATTESA, Fondazione Adriano Olivetti, Roma (2001); BACINONAPOLI a cura di Harald Szeemann, XLVIII Biennale di Venezia, Venezia (1999); TAPPEZZERIA FRATERNO a cura di Achille Bonito Oliva , Fondazioni Orestiadi, Gibellina (1998); PLAGIO FRATERNO, Intercapedine Palazzo Museo Dora-Pamphili, Roma (1998); TRACCE SIGNIFICANTI a cura di Achille Bonito Oliva, Katerina Koskina e Franco Fanelli. ARTE ITALIANA OGGI, Atene (1998); LA CITTÀ INVISIBILE a cura di Vincenzo Trione, Mostra d'Oltremare, Napoli (1995); LANTERNE DI LUCE a cura di Giorgio De Marchis, Galleria Il Cortile, Roma (1994); EMA – 1/12 – Contemporary Art at Nunose Shrine, Nishida, Nara (Giappone) (1992); OMAGGIO A GIULIO ROMANO a cura di Mikuz Jure, Mala Galerija, Ljubljana (Slovenia) (1990); EVACUARE NAPOLI a cura di Achille Bonito Oliva, Istituto Francese, Grenoble, Napoli (1985); TENDENCIAS, Biennale di Barcellona, Spagna (1984).

16 settembre 2016 - 9 novembre 2016

Il filo come segno tridimensionale è il medium con cui Emanuela Fiorelli esplora lo spazio costruendo architetture che mutano allo sguardo ed indicano la flessibile dinamicità di una costruzione geometricamente definita.
Si tratta di una geometria intuitiva e sensibile attraverso la quale l'artista crea spazi effettivi e relazioni concrete che permettono di vivere i luoghi in maniera inedita e personale.

Le sue opere ed installazioni, in cui predominano evoluzioni di linee e volumi trasparenti, riaprono un dialogo con l'ambiente iniziato ancora da Tatlin e dai fratelli Pevsner proseguito poi, negli anni Cinquanta e Sessanta, con le personalità artistiche attorno ad "Azimuth" e agli Spazialisti a Milano o il gruppo "Zero" di Düsseldorf.
Propia di questi anni è ancora la proclamazione di un'arte allargata che richiede nuove modalità espressive in grado di proiettare le opere nello spazio, richiamando la partecipazione attiva e la curiosità dell'osservatore.
Da queste istanze sembra prendere avvio lo studio dell'artista romana (1970) che, più volte, ha sottolineato l'affinità della sua ricerca  con la poetica di Fontana, Bonalumi e Castellani inquanto tende a rendere visibili delle strutture nascoste del reale - di per sé caotico.

E- levarsi dal caos, titolo di questa nuova mostra alla galleria Antonella Cattani, è contemporaneamente una dichiarazione degli obiettivi dell'artista.
Forte di un linguaggio che le appartiene e di una sapiente pratica artistica, elaborata in anni di ricerca, Fiorelli ha lavorato a questo progetto di mostra sul "filo" di una sottile ambiguità tra simmetria e asimmetria.
Per individuare l'ordine sotteso all'apparente disordine l'artista ha utilizzato il filo elastico o di cotone come se fosse un segno in 3 D.
La concitata stesura grafica di ciascuna delle opere in esposizione è sospesa tra tensioni implosive ed esplosive che sembrano registrare un'ansia esistenziale che si allenta solo quando il segno si e-leva dal caos.
La compresenza tra ordine e caos si risolve infine nella funzionalità di una bellezza contemplativa che stimola la mente e l'occhio in una vertigine di percorsi e trame che è anche consonanza di ritmi visivi.

Inaugurazione: 1 ottobre 2016, dalle ore 18:00

Dall'1 ottobre al 15 novembre 2016

La nuova edizione della Notte della Cultura a Brescia, in programma per il 1 ottobre 2016, ha come tema portante il movimento Dada, di cui si celebra quest’anno il centenario. La Galleria dell’Incisione partecipa con una mostra dedicata all’evoluzione del linguaggio fotografico in Europa negli anni tra la prima e la seconda guerra mondiale.

Il fotomontaggio, linguaggio base di Dada, risponde pienamente alle diverse esigenze creative e di comunicazione, offrendo all’artista infinite possibilità di esprimere le proprie tematiche. Il suo uso si afferma presto nell’intera Europa diventando comune a tutte le tendenze d’avanguardia fra le due guerre e riflette i cambiamenti avvenuti nell'ambito dei linguaggi artistici. 

Sono esposte fotografie e fotocollage di Hans Bellmer, Mieczyslaw Berman, Janusz Maria Brzeski, Cesar Domela, Lux Feininger, Florence Henri, Hannah Höch, Otto Hofmann, Georges Hugnet, Vilmos Huszàr, Edmund Kesting, Laszlo Moholy-Nagy, Bruno Munari, Man Ray, Franz Roh, Luigi Veronesi, Piet Zwart.

La mostra è organizzata in collaborazione con la Galleria Martini e Ronchetti.

ORARI:

Dalle 17 alle 20 dal martedì alla domenica.

Lunedì chiuso.

Inaugurazione: sabato 1 ottobre, ore 18.00

In occasione di In Contemporanea

1 ottobre – 13 novembre 2016

La Galleria d’Arte 2000 & NOVECENTO di Reggio Emilia (Via Sessi, 1/F) presenta, dal 1 ottobre al 13 novembre 2016, la personale di Enrico Della Torre, apprezzato a livello nazionale ed internazionale sia come pittore che come incisore. La mostra sarà inaugurata sabato 1 ottobre alle ore 18.00 alla presenza dell’artista.

Il titolo del progetto – “Figuratività dell’Invisibile” – fa riferimento ad una definizione coniata da Vittorio Sereni nella seconda metà degli anni ’70. Un’espressione che, ad oltre trent’anni di distanza, presenta carattere di grande attualità e pertinenza alle opere di recente produzione.

Nella ricerca dell’artista – scriveva Sereni (Wolfgang Hildesheimer e Vittorio Sereni, Enrico Della Torre, All’insegna del pesce d’oro, Milano, 1980) – «Il dato di base, indagato e scomposto, si riordina nelle sue nervature e molecole essenziali e già diventa altra cosa, si traspone in una diversa struttura, si articola in altra realtà». Della Torre è giunto ad «una figurazione dell’invisibile navigando tra gli opposti scogli dell’enigma formale e della gratuità dei significati» moltiplicando, per citare Roberto Tassi, gli aspetti del mondo.

In esposizione, una ventina di dipinti di piccole e medie dimensioni, oltre ad alcune grandi tele, tutte realizzate dagli anni ’70 ad oggi. Una pittura estremamente calibrata, fatta di linee e di forme geometriche, ma capace di preservare una dimensione umana, una visione interiore in cui il riferimento oggettuale viene integrato dalla memoria e dall’immaginazione, trasportando lo spettatore in un “altrove” mutevole e visionario.

La mostra, iscritta alla dodicesima “Giornata del Contemporaneo” promossa da AMACI – Associazione dei Musei d’Arte Contemporanea Italiani (15 ottobre 2016), sarà visitabile fino al 13 novembre 2016, tutti i giorni con orario 10.00-12.30 e 16.00-19.30, aperto anche domenica e festivi. Ingresso libero.

“Figuratività dell’Invisibile” è parte della terza edizione della rassegna “In Contemporanea” che vede l’apertura congiunta della stagione espositiva autunnale in sette gallerie d’arte di Reggio Emilia. Realizzata in collaborazione con il Comune e i Musei Civici di Reggio Emilia, la manifestazione prevede anche l’esposizione collettiva “In Contemporanea al Museo”, dal 1 al 30 ottobre 2016 presso il Palazzo dei Musei (Via Spallanzani, 1). L’inaugurazione della mostra museale si terrà venerdì 30 settembre 2016 alle ore 18.00.

Sabato 22 ottobre, alle ore 18.00, si terrà, inoltre, in galleria la presentazione del libro scritto da Guido Mambella “Gioseffo Zarlino e la scienza della musica nel ‘500 dal numero sonoro al corpo sonoro” (Istituto Veneto di Scienze, Lettere ed Arti, 2016), in dialogo con il professor Cesarino Ruini, storico della musica, e con la professoressa Monica Boni, direttrice della Biblioteca Armando Gentilucci dell’Istituto Peri di Reggio Emilia. In copertina, un particolare dell’opera “Costruzione” (2011) di Enrico Della Torre, presente in mostra.

Enrico Della Torre nasce a Pizzighettone (Cremona) nel 1931. Compie i suoi studi artistici a Milano, diplomandosi nel 1951 al Liceo di Brera e, quattro anni più tardi, all’Accademia di Belle Arti. Si dedica alla pittura, al disegno e all’incisione e il suo lavoro viene segnalato con il conferimento di diversi premi. Presentata da Guido Ballo, allestisce nel 1956 la prima mostra personale presso la Galleria dell’Ariete di Milano, dove espone pitture e incisioni. Nel 1957 vince il secondo Premio per la Litografia alla Biennale dell’Incisione Italiana Contemporanea di Venezia e, nello stesso anno, soggiorna brevemente a Parigi. A partire dal gennaio 1958 la sua arte si rinnova facendosi più chiara e analitica. Nel 1960 riceve il primo Premio San Fedele di Pittura a Milano, dove si stabilisce definitivamente. I viaggi in Germania di quegli anni segnano l’inizio di un proficuo dialogo con la cultura tedesca. Il 1968 è l’anno in cui approda all’espressione di un proprio mondo, popolato spesso da personaggi inediti, scaturiti dalla fantasia creativa dell’artista e da un lento processo di metamorfosi. Scopre l’universo misterioso degli zoofiti e delle chimere. Nel 1971 incontra il pittore americano Mark Tobey, il quale aveva già mostrato interesse per il lavoro di Enrico Della Torre acquistando un suo dipinto esposto alla Galerie Suzanne Egloff di Basilea. Il decennio è fitto di mostre personali e collettive sia di pittura che di incisioni, in Italia e all’estero. Nel 1972 espone un gruppo di opere alla Xª Quadriennale Nazionale d’Arte di Roma e nel 1974 è presente alla mostra “La ricerca dell’identità” a Palazzo Reale di Milano. Iniziano nel 1973 i soggiorni in Valtellina dove Enrico Della Torre organizza uno studio-atelier che, sostituendosi progressivamente a quello di Pizzighettone, affianca lo studio milanese. Nel 1974 dona cinquanta lastre incise all’Istituto Nazionale per la Grafica e la Calcografia di Roma. Nel 1981 ottiene il primo Premio Internazionale Lario per il disegno a Como. Il 1983 è l’anno in cui si dedica prevalentemente al collage. Negli anni seguenti le sue opere mirano sempre di più alla costruzione e a una visione più essenziale. Nel 1987 Erich Steingräber organizza una mostra antologica di Della Torre con dipinti, pastelli e incisioni degli anni 1958-1986, allestita inizialmente presso la Neue Pinakothek di Monaco di Baviera e poi trasferita in altre città della Germania. Nell’anno seguente espone a “Di segno italiano – Italienische Zeichnungen 1908 – 1988” nei musei di Francoforte, Berlino e Zurigo. È del 1989 la mostra a Parma “Le strade, dieci pittori a Milano” (a cura di Arturo Carlo Quintavalle) e, nell’occasione, dona tutte le trentasei opere esposte al Centro Studi e Archivio della Comunicazione dell’Università della città. Nello stesso anno espone al PAC di Milano. Negli anni successivi espone a: “Il miraggio della liricità. Arte astratta in Italia” al Liljevalchs Konsthall di Stoccolma (1991), “Pittura a Milano 1945/1990” al Palazzo della Permanente, Milano (1992) e “The Artist and the Book in Twentieth – Century Italy” presso il Museum of Modern Art di New York (1993). Dal 1992 al 1995 insegna tecniche dell’incisione alla Nuova Accademia di Belle Arti di Milano. Nella sua attività d’incisore, collabora con stampatori e editori d’arte come Giorgio Upiglio, Giorgio Lucini, Franco Masoero, Federico Santini e Vanni Scheiwiller. Nel 1999 è nominato Accademico Nazionale di San Luca. L’anno successivo Sandro Parmiggiani cura una grande esposizione antologica a Palazzo Magnani di Reggio Emilia. Nel 2000 espone al Museo della Permanente di Milano partecipando alla mostra “Miracoli a Milano 1955-1965. Artisti, gallerie, tendenze” e, l’anno successivo, alla Galleria Civica d’Arte Contemporanea di Termoli ad “Intenso Essenziale. Evoluzione dell’Astrattismo in Italia”. Sempre nel 2001, a seguito della donazione da parte dell’artista di più di cento tra opere uniche e incisioni, viene costituito il Fondo Enrico Della Torre presso il Museo Villa dei Cedri di Bellinzona. Nel 2004 esegue una grande vetrata per la facciata del Palazzo Comunale di Calcio (Bergamo) ed espone alla Casa del Mantegna a Mantova “L’incanto della pittura, percorsi dell’arte italiana del secondo Novecento”. Nel 2008, presso la Biblioteca Statale di Cremona, è costituito un Fondo composto da un cospicuo numero di libri d’artista e partecipa alla mostra “Sulle tracce di Licini. Artisti italiani contemporanei” al Palazzo dei Capitani di Ascoli Piceno. Nel 2010 il Museo Villa dei Cedri di Bellinzona gli dedica una sala personale in cui espone alla mostra “Collage – Una poetica del frammento”. Nel 2011 è invitato alla 54ª Esposizione Internazionale d’Arte della Biennale di Venezia - Padiglione Italia - presentato da Ernesto Ferrero ed espone alla Galleria Morone di Milano: “Dire del silenzio la luce/dipinti 1958-1962. In Germania, per i suoi ottant’anni, tra il 2011 e il 2012, gli viene dedicata un’esposizione itinerante “Dall’interno all’esterno” realizzata con i dipinti più recenti, organizzata dalla Frankfurter Westend Galerie di Francoforte. Nel 2012 Skira pubblica il volume “Enrico Della Torre. Catalogo generale dell’opera grafica, 1952-2012”. Nel 2015 è presente a Milano con due esposizioni: alla Galleria San Fedele “Enrico Della Torre. Collage” ed al Museo della Permanente “Disegni 1953-2011”. Sono del 2016 le mostre: “Enrico Della Torre. Collage e incisioni” presso la Sala Lucio Fontana di Comabbio (Varese), “Enrico Della Torre. Pastelli 2003-2012” alla Galleria Marini di Milano ed “Enrico Della Torre. Figuratività dell’Invisibile” alla Galleria d’Arte 2000 & NOVECENTO di Reggio Emilia.

Per informazioni:

tel. 0522 580143,

www.duemilanovecento.it, www.facebook.com/duemilanovecento.

Inaugurazione giovedì 29 Settembre, ore 18

 29 Settembre | 11 Novembre 2016

Artisti: Elizabeth Aro, Nanni Balestrini, Mariella Bettineschi, Félix Curto, Inés Fontenla,

Federica Marangoni, Hidetoshi Nagasawa, Yoko Ono, Eltjon Valle.

a cura di Alberto Mattia Martini

NUOVA GALLERIA MORONE | Via Nerino 3| Milano

Nuova Galleria Morone presenta

Urpflanze, La natura dell'idea.

La mostra prende origine dai principi nodali degli studi di J. W.Goethe, espressi in prevalenza nel testo: La metamorfosi delle piante (1790) e riguardanti le riflessioni sul rapporto che l’uomo stabilisce con la natura. Goethe, infatti durante i suoi studi botanici scopre che all’interno dell’infinita varietà e molteplicità della natura è presente un elemento unitario, primigenio; egli si convince che tutte le forme delle piante si possono far derivare da una pianta sola, una pianta originaria, formata da pochi elementi infinitamente mutabili e duplicabili.

La pianta primordiale, la Urpflanze (così la chiama Goethe), ci consente di creare una sintesi tra il singolo e l’universo, tra il sensibile e l’ideale e ci premette di cogliere la legge interna al manifestarsi dei fenomeni.

L’analisi della mostra si verte quindi sul concetto del divenire forma, considerando come non solo la natura si conserva pur rinnovandosi, ma come tale pensiero può essere esteso all’arte e quindi alla creatività.

Gli artisti invitati partono da tali presupposti, riflettendo sulla visione che, secondo Goethe non esiste differenza tra realtà fenomenica - oggettiva e idea - soggettiva, ma entrambe sono parte dello stesso concetto, della stessa realtà, presupponendo quindi che non vi è alcuna distinzione, tra arte e scienza, intesa la prima come espressione della fantasia, della soggettività e del mondo interiore, mentre la seconda come manifestazione dell’oggettività e del mondo esteriore, dei fatti. Goethe vede il mondo come un’immensa totalità in cui il fisico e lo spirituale sono indistinguibili. All’interno del mondo avviene un perenne mutamento, che implica la molteplicità nell’unità; si può parlare di una sorta di metamorfosi continua del vivente, in perenne trasformazione, che tuttavia nel divenire rimane sempre se stesso. Le opere in mostra indagano l’idea di arte intesa come Rivelazione, che emerge dalle origini dell’essere e quindi come l’arte unitamente alla scienza e alla natura divengano interpreti dei misteri dell’universo.

La finalità è quindi ricercare e trovare l’Idea: perseguire attraverso l'arte, la natura e la scienza quello Spirito Universale che è insito in ogni energia creativa.

Inaugurazione: venerdì 7 ottobre 2016  ore 18

Date: 7 ottobre - 30 novembre 2016

Orario: martedì - sabato, ore 10,30-12,30; 15,30-19,30 

La Giampiero Biasutti Studio d’Arte per il ‘900 dedica questa mostra a tre geniali autori del ‘900 che condividevano stima e grande amicizia.

La mostra comprende una quindicina di opere che rappresentano un periodo ventennale del loro lavoro: 1980/2000

Valerio Adami (1935) nasce a Bologna, ma è a Milano negli anni di guerra. Le sue prime frequentazioni artistiche sono l’atelier di Felice Carena, poi l’incontro a Venezia con Oskar Kokoschka e in seguito l’Accademia di Brera con Achille Funi sono stati il suo percorso di formazione.

Partecipa negli anni Sessanta alle esperienze della pittura europea e d’oltreoceano intese a ricostruire, dopo le frantumazioni dell’arte astratta, un nuovo spazio della rappresentazione – la grande sala che Werner Haftmann dedicò ai suoi lavori a Dokumenta (Kassel) nel 1964, fu tra i primi riconoscimenti della riflessione che l’artista andava sviluppando sul problema del figurare.

I molti viaggi in Sudamerica, in India, in Grecia, nei paesi scandinavi; gli atelier a Londra, Parigi, New York diventarono le tappe di una pittura che sempre più decisamente coniugava e criticava le mitologie del moderno.

“L’incontro a Venezia con il Prometeo di Oskar Kokoschka è stato, per quel ragazzo che ero, la rivelazione di come la pittura poteva così ricongiungersi alla filosofia” ricorda l’artista in Sinopie……

I dipinti e i disegni esposti alla Giampiero  Biasutti, realizzati fra gli anni ’90 e gli anni 2000 testimoniano l’  evoluzione del suo lavoro verso un più complesso linguaggio compositivo. Ragioni poetiche e stati d’animo del colore ispirano queste nuove opere: Teatro di Città, Cane e padrone, La vela nera…

Enrico Baj è fra i più importanti artisti italiani contemporanei. 

Protagonista delle Avanguardie degli anni Cinquanta e Sessanta, accanto a Fontana, Jorn, Manzoni, Klein, Baj ha stretto rapporti con Max Ernst, Marcel Duchamp, e altri artisti del gruppo CoBra, con il Nouveau Réalisme, il Surrealismo e la Patafisica.
L’opera di Baj si articola per periodi, tutti improntati all'ironia dissacratoria e al rinnovamento dell'espressività: filoni ludici e giocosi come ne "Gli specchi, i mobili, i meccani, le dame, le modificazioni, i d’apres" si integrano con la denuncia della violenza e del degrado. Nel 1951 Baj fonda a Milano, con Dangelo e Dova, il "Movimento Nucleare". Artista intellettuale, inquieto, Baj ha costantemente intrecciato l'attività creativa con la riflessione sull'arte. 

Ha collaborato, nel corso degli anni Ottanta, con importanti giornali e riviste, come “Il sole 24 ore” e il “Corriere della sera”. Ha esposto nei maggiori musei e gallerie del mondo.

Nasce a Milano 31 ottobre 1924  muore a Vergiate (Varese) il 16 giugno 2003.

Emilio Tadini

Nasce a Milano nel 1927.
Si laurea in Lettere nel secondo dopoguerra e porta sulla scena culturale italiana una ventata di originalità e di vivacità. Sin dagli anni Cinquanta Emilio Tadini, parallelamente all'attività letteraria, si dedica con successo alla pittura. Espone per la prima volta a Venezia, alla Galleria del Cavallino, nel 1961.

Fondamentale per l'artista sono i contributi del Cubismo (nel suo rapporto con l'arte negra) e del Surrealismo.
Dagli anni Sessanta, sue personali hanno luogo con frequenza in gallerie, aree pubbliche e musei d'Italia (Bologna, Milano, Roma, Siena, Venezia), d'Europa (Anversa, Bruxelles, Londra, Parigi, Stoccolma) e d'America (Caracas, Stati Uniti); Tadini partecipa anche a numerose collettive, dalla Galleria Mathias Fels di Parigi (1967) al Museo d'Arte Moderna di Città del Messico (1971), dalla Galleria d'Arte Moderna di Torino (1978) alla Casa dell'Arte di Mosca (1988). è invitato a partecipare alle Biennali di Venezia nel 1978 e nel 1982; nel 1986 partecipa a Sogno Italiano alla Collezione Giorgio Franchetti di Roma ed espone alla Rotonda della Besana di Milano.. Espone allo Studio Marconi di Milano nel 1990 (sette grandi trittici), alla mostra Oltremare di Parigi nel 1992, replicata l'anno seguente a Milano con nuovi quadri.

Tra il 1995 e il 1996 Emilio Tadini è impegnato in una grande mostra antologica itinerante, che tocca i musei tedeschi di Stralsund, Bochum e Darmstadt. è ancora in Germania nel 1997 quando espone alla Galerie Karin Fesel di Dusseldorf; seguono le mostre alla Galerie Georges Fall di Parigi, alla Galleria Nazionale d'Arte Moderna di Bologna (collettiva dal titolo Arte Italiana. Ultimi 40 anni. Pittura Iconica) e al Museo di Castelvecchio a Verona. Fiabe e Nature Morte sono gli ultimi cicli presentati alle esposizioni.
Commentatore del "Corriere della Sera", nel 1997 Emilio Tadini ha ricevuto la nomina a presidente dell'Accademia di Belle Arti di Brera.

Ha detto di lui Umberto Eco: "uno scrittore che dipinge, un pittore che scrive".

Nel 2000  presenta una personale dal titolo Fiaba alla Giampiero Biasutti Arte Moderna e Contemporanea, Torino. Nel 2001, a Palazzo Reale di Milano una retrospettiva con opere dal 1959 al 2001.

Muore a Milano il 25 settembre 2002

GIAMPIERO BIASUTTI  Studio d’arte per il ‘900

via della Rocca 10 - Torino

Tel. e fax 011 8390690

Giovedì 22 settembre 2016 ore 18, alla Galleria Ponte Rosso (via Brera 2, Milano) inaugura la mostra personale “Le evocanti cromie di VITTORIO CARRADORE”.

Sono esposti oltre trenta dipinti dell’artista veronese; i lavori più recenti e una selezione di dipinti dagli anni ’90 ad oggi.Il suo soggetto prevalente è il paesaggio naturale, tuttavia l’artista affronta anche i temi della natura morta, della composizione nell’interno e scene di vita quotidiana che interpreta in modo molto personale.

Vittorio Carradore è nato a San Bonifacio, in provincia di Verona nel 1963. Si è avvicinato precocemente alla pittura, prima come autodidatta, poi frequentando i Corsi liberi presso l’Accademia Cignaroli della sua città dove, sotto la guida del Maestro Franco Patuzzi, ha continuato il suo percorso di ricerca dedicandosi sia allo studio del paesaggio che alla figura. Risalgono ai primi anni ’80 le esposizioni in ambito locale, seguite poi da concorsi nazionali e mostre personali e collettive in diverse città italiane, capitali europee oltre a New York e Sidney fino a tornare nella sua città, nello scorso anno, con l’importante mostra personale al Palazzo della Gran Guardia. L’artista espone alla Galleria Ponte Rosso dal 1995, anno della sua prima partecipazione al Premio di pittura Carlo Dalla Zorza, indetto dalla galleria. Nel 2012 Carradore ha vinto l’ottava edizione del Premio con il dipinto “Bottega a Collodi”.

Scrive di lui CARLO ADELIO GALIMBERTI (giugno 2016):

“È nella scia antica della pittura veneta che si sviluppa l’opera di Vittorio Carradore, quel medesimo solco da cui è germinato il più iridescente vestito della pittura italiana. Se in altre regioni il primato l’aveva il disegno perché sapeva scandire le forme dell’esistente, è in questa terra che si è trovato e visto il più affascinante vestito pittorico d’ogni forma. Ed è su questa strada che si innesta il decisivo contributo poetico dell’opera di Carradore, facendo dello strumento cromatico il persuasivo veicolo dei sentimenti che i suoi dipinti suscitano. Un colore che nelle sue tele è protagonista perché, da sempre, è il più avvincente strumento di seduzione artistica.” (…)

La mostra resterà aperta fino a domenica 16 ottobre 2016 con il seguente orario:
da martedì a sabato 10-12.30 e 15.30-19.
Domenica 16 ottobre aperto dalle 15,30 alle 19

titolo: Wunderkammern goes beyond: mostra collettiva degli artisti dell’Outdoor Festival 2016

artisti: AFK, Xabier Anunzibai, Alex Fakso, Honet, Joys, Kuril Chto, Mobstr, Sebas Velasco, Virgilio Villoresi, Vlady

inaugurazione: sabato 17 settembre, 18.30 – 21.30

durata mostra: 17 settembre – 6 ottobre 2016

sede: WK Roma, via Gabrio Serbelloni 124

Wunderkammern è lieta di presentare Wunderkammern goes beyond, una mostra collettiva organizzata in collaborazione con l’Outdoor Festival 2016.

Due settimane prima dell’apertura ufficiale di Outdoor Festival, Wunderkammern ha il piacere di ospitare una mostra collettiva che presenta i lavori di 10 degli artisti dell’edizione 2016.

AFK, Xabier Anunzibai, Alex Fakso, Honet, Joys, Kuril Chto, Mobstr, Sebas Velasco, Virgilio Villoresi e Vlady esploreranno il tema centrale del festival: il limite e il suo superamento.

Gli artisti ci invitano a riflettere sull’idea di andare oltre, di oltrepassare i limiti. Limiti spaziali o concettuali che possono influenzare sia la sfera pubblica che quella privata della nostra vita. Cosa succederebbe se li attraversassimo? Se andassimo oltre? Come un processo metaforico, gli artisti sfideranno le loro concezioni di opera d’arte e la definizione del gesto estetico attraverso il lavoro con differenti tecniche artistiche: opere su tela e carta insieme a fotografie, sculture e installazioni.

AFK (Bergen) è un artista norvegese di urban art. Famoso per i suoi stencil che spesso nascondono messaggi politici, AFK continua a nascondere la sua identità creando lavori per le strade di tutta Europa.

Xabier Anunzibai (Beasain, 1985), anche noto come Xabier XTRM, è uno street artist spagnolo che nel suo lavoro unisce differenti tecniche artistiche: murali, tele, disegni, produzioni video e installazioni a metà strada tra dipinti e sculture.

Alex Fakso (Bassano del Grappa, 1977) inizia la sua carriera nei primi anni ‘90 come fotografo di skate. Attualmente le sue fotografie combinano arte e reportage sulla cultura urbana e la scena underground. Il suo lavoro è stato pubblicato su importanti riviste e l’artista ha partecipato a numerose mostre personali e collettive.

Honet (Paris, 1972) è un artista di graffiti e un illustratore francese. Honet prende ispirazione da film cult, favole e fantascienza introducendo uno stile molto personale che unisce illustrazione gotica e romanticismo. L’artista ama dipingere in luoghi abbandonati e dimenticati e i suoi interventi possono essere ammirati in tutta Europa e oltre.

Joys (Padova, 1974) inizia la sua carriera come writer all’inizio degli anni ‘90. L’artista usa differenti tecniche artistiche, dalla pittura murale alla scultura, andando sempre oltre le due dimensioni e creando pezzi geometrici unici. I suoi lavori sono stati esposti in molte istituzioni e manifestazioni prestigiose.

Kuril Chto è una crew di writers russa. I loro lavori sono caratterizzati da graffiti in cirillico. Uno dei loro più grandi ispiratori è il famoso street artist russo Kirill Kto, dal quale riprendono la capacità di protestare con ironia attraverso le loro opere in giro per le strade delle città. I messaggi che trasmettono sono crudi, satirici e veri e rifiutano la riconoscibilità delle loro opere.

Mobstr (Newcastle) è un artista di street art famoso per i suoi interventi tipografici provocatori, giocosi, ironici e divertenti che realizza in città. Attraverso i suoi interventi pubblici l'artista affronta temi come la pubblicità, il consumismo e la società contemporanea.

Virgilio Villoresi (Fiesole, 1979) è un video-maker italiano che vive e lavora a Milano. Le sue prime ispirazioni includono l’animazione polacca, il cinema sperimentale europeo e la scena d'avanguardia e quella underground americana. Crea video d’arte unici, videoclip musicali e pubblicità.

Sebas Velasco (Burgos, 1988) è un artista di street art spagnolo. Velasco lascia il suo segno nel paesaggio urbano dipingendo interventi murali in tutta Europa. Da muri di grandi dimensioni a tele, la pratica artistica attuale di Velasco comprende illustrazione, disegno e pittura.

Vlady (Catania, 1974) è un artista visivo multidisciplinare. Ama sperimentare con vari media quali performance, fotografia, video e installazioni. Negli ultimi anni la sua ricerca è diventata più concettuale; l’artista lavora con grandi installazioni en plein air spesso caratterizzate da ironia e sarcasmo.

Co – produzione con Outdoor Festival

Institutional patronage: Municipio Roma V

Cultural Partners: IED

Media Partners: Widewalls, Zero

Technical Partners: Eurograph

WUNDERKAMMERN

Via Gabrio Serbelloni 12, Roma


sito web: www.wunderkammern.net


email:

tel: +39 0645435662

ingresso libero

orario di apertura: martedì-sabato, 17-20.

Per appuntamenti chiamare: +39 3498112973

vernissage mercoledì 28 settembre, 18.30 – 21.30

location Via Ausonio 1A, Milano

a cura di Giuseppe Pizzuto

testo critico di Chiara Spenuso

date 28 settembre – 2 novembre 2016

Wunderkammern Milano è lieta di annunciare l’inizio della nuova stagione artistica 2016 / 2017 con Limbo, una mostra personale dell’artista americano Doze Green.

Doze Green (1964, New York City) è tra i pionieri del movimento dei Graffiti e dell’Urban Art. Nato e cresciuto nell’Upper West Side di Manhattan, l’artista affonda le sue radici nella cultura sviluppatasi nel Bronx degli anni ‘70: l’hip hop. Non soltanto la musica, ma soprattutto le discipline artistiche del writing e della breakdance.

Dai graffiti realizzati nell’ambiente urbano il suo lavoro si è poi evoluto verso opere di fine art e commissioni pubbliche che hanno portato l’artista ad esporre in importanti gallerie in tutto in mondo. Poliedrico e amante della sperimentazione, Doze Green utilizza diverse tecniche e materiali, tra cui acrilici, gesso ed inchiostro su tela, carta o legno. Il suo stile è unico e ben riconoscibile, e si sviluppa dalla combinazione di diverse influenze ed ispirazioni: writing, calligrafia giapponese, grafica, cubismo.

La produzione di Doze Green è legata alla concezione dell’arte come riflesso dell’umanità, della sua condizione, delle sue esperienze ed emozioni. Dalle opere dell’artista emergono personaggi complessi in evoluzione, creati con un tratto lineare e sinuoso e definiti da variazioni cromatiche. Queste “entità biologiche”, come vengono chiamate dall’artista, sono rappresentazioni infinite e variabili del passato, presente e futuro dell’umanità.

Affascinato dai concetti metafisici e dal mondo del magico e dell’irrazionale, Doze Green esplora l’anima umana integrando nei suoi lavori simboli occulti, geometria sacra, miti e divinità di antiche società. Di fronte alle sue opere, l’osservatore è indotto ad un percorso intimo, ad un viaggio immaginativo in costante oscillazione tra ricordi, suggestioni e visioni futuristiche. In particolare, le riflessioni dell’artista sui concetti di spazio e di tempo e sull’immortalità si ricollegano ai temi affrontati nella mostra personale Limbo.

Limbo indaga i concetti di attesa, indeterminatezza e transizione in rapporto alla vita dell’uomo, dalle azioni quotidiane e materiali fino alla sua essenza spirituale. La mostra personale a Wunderkammern presenterà nuove opere principalmente monocromatiche e bi-cromatiche dell’artista americano, realizzate con tecnica mista su tela e carta.

Cultural partner: IED

Media Partners: Widewalls, FACE Magazine, The ART Post Blog, Zero

Technical Partners: Casale del Giglio, Catering GRASCH, different.photography

WUNDERKAMMERN

Via Ausonio 1A, Milano (M2 e Autobus 94 fermata Sant’Ambrogio)

www.wunderkammern.net

+39 0284078959

ingresso libero

orari di apertura: dal martedì al sabato dalle 11 alle 19

Vernissage: sabato 8 ottobre, ore 17.30

Date: 8 ottobre - 10 dicembre 2016

A più di dieci anni dalla mostra "CONRAD MARCA-RELLI - TENSIONI COMPOSTE", la galleria Open Art di Prato, in collaborazione con l’Archivio Marca-Relli, presenta una retrospettiva dedicata al grande artista americano, fondatore nel 1949 dell’8th Street Club con Rothko, Kline e De Kooning e insieme agli stessi, nel medesimo anno, organizzatore dell’importante mostra “Ninth Street Show”, ritenuta la prima esposizione dell’espressionismo astratto.

Dagli anni Quaranta fino alla metà degli anni Ottanta, attraverso più di quaranta lavori, l’opera di Marca-Relli sarà indagata all’interno di questo percorso, a partire dagli esordi legati a un approccio figurativo fino ai collage, tecnica che ha rivisitato con esiti riconosciuti come profondamente originali e spesso su scala monumentale, alle ricerche legate all’astrazione come esito di una sintesi pittorica. Molto prestigiose le provenienze delle opere in mostra, la storia di molte delle quali infatti, si è incrociata con le principali gallerie che hanno contribuito direttamente alla crescita ed alla promozione dei Maestri del movimento artistico più importante del Novecento: le newyorkesi Kootz e  Marlborough Gallery, la Makler Gallery di Philadelphia.

Marca-Relli ha avuto un ruolo centrale in un sistema di rapporti e contrapposizioni che hanno attraversato l’arte del secondo Novecento tra Europa e America: questa mostra presenterà una selezione di opere che permetterà di restituire un’ampia prospettiva storica, il suo rapporto con il classicismo e la centralità del ruolo della figura nel suo lavoro.

Considerato uno dei principali esponenti dell’espressionismo astratto i suoi collages sono esposti nei musei Solomon R. Guggenheim e Withney, ma anche al MoMA e al  Metropolitan, dove una sua tela monumentale campeggia di fianco ad un lavoro del suo intimo amico Jackson Pollock, nella sala principale dedicata all’Action Painting.

In occasione della mostra sarà pubblicato un catalogo bilingue, edito da Carlo Cambi editore, con testi critici di Marco Scotti.

L’archivio Marca-Relli, attivo dal 1997 a Parma (nato per volontà dell’artista), ha lo scopo di conservare, promuovere e diffondere la conoscenza dell’opera del Maestro Conrad Marca-Relli.

Jannis Kounnellis, Theodoros Terzopoulos 

Die Hamletmaschine by Heiner Müller


Presentazione video della performance 


A cura di Annamaria Maggi e Alexandra Papadopulos



Inaugurazione Mercoledì 12 Ottobre 18-21


Dal 13 Ottobre al 20 Dicembre 2016



«I miei pensieri sono ferite nel cervello. Il mio cervello è una cicatrice.

Voglio essere una macchina. Braccia per afferrare gambe per camminare

nessun dolore nessun pensiero.»

Heiner Müller

La Galleria Fumagalli presenta il video della performance teatrale tenutasi il 28 dicembre 2016 al Piccolo Teatro d’Europa (Milano): “Jannis Kounnellis, Theodoros Terzopoulos. Die Hamletmaschine by Heiner Müller” a cura di Annamaria Maggi e Alexandra Papadopulos.

Per il ventennale della scomparsa di Heiner Müller, l’artista Jannis Kounellis e il regista Theodoros Terzopoulos, entrambi amici e collaboratori del drammaturgo e poeta tedesco, hanno lavorato insieme a un progetto teatrale per rendere omaggio alla figura e all’opera di quello che venne definito, negli anni Novanta, “il più grande scrittore di teatro vivente”. Müller è stato uno degli autori più significativi del teatro tedesco del dopoguerra e ha sempre intrattenuto con l’arte figurativa un rapporto di solida e condivisibile interazione. Presentato in anteprima lo scorso Dicembre a Il Piccolo Teatro d’Europa il progetto di Kounellis e Terzopoulos si compone di un’installazione (scena e platea) realizzata da Kounellis e di una performance tratta dal Die Hamletmaschine scritto nel 1977 da Heiner Müller, diretta dal regista Terzopoulos.

Die Hamletmaschine (La macchina di Amleto), è un dramma postmoderno liberamente ispirato all’Amleto di William Shakespeare. Caratteristica dell’opera è la frizione della parola poetica con la storia, strutturata in cinque sequenze di monologhi durante i quali il protagonista abbandona il suo ruolo teatrale per riflettere sul suo essere attore. L’interprete di Amleto si ritrova morbosamente avvinghiato al suo personaggio, alle prese con le proprie passioni e i propri fantasmi. Il suo è un farneticante soliloquio in cui sono messi a nudo, da una parte, l’accantonamento di ogni slancio utopico e, dall’altra, i paradossi della situazione dell’intellettuale moderno, dibattuto tra l’impossibilità di modificare lo stato delle cose e la volontà di trasformarsi in macchina al servizio di chi amministra l’esistente. Il risultato è un racconto frastagliato, senza armonia, come se il mondo interiore dell’interprete di Amleto volesse esplodere nell’irruzione accidentale di brandelli di frasi, di suoni appena udibili.

Il rapporto di Jannis Kounellis col teatro inizia già nel 1968 con la scena dei sacchi di carbone per il teatro di Quartucci, alla quale seguono i "cani che abbaiano" per il Mauser di Heiner Müller a Berlino nel 1991, il sipario di coltelli e la croce rovesciata per Il Cimarron con la musica di Hanz Werner Heinze a Montepulciano nel 2000, i tre grandi treni dentro un enorme capannone ideati per l'Opera Beuys a Duesseldorf nel 1998, il sipario di pietre legate alle corde per il teatro greco di Elefsina nel 2010 e il monumentale sipario "gotico" di lamiere con scranni su tre livelli per il Loengrin di Wagner ad Amsterdam nel 2014. Così l'artista per ogni opera lavora a un “sipario", a una "visione frontale" e senza prospettiva, "esattamente come in tutta la pittura moderna". E per farlo, di volta in volta, mette in scena un linguaggio che non è fatto di pennellate, ma di cose vere: i sacchi di carbone, il fuoco, la terra, la lana, i sacchi di juta, le piante, gli animali, rivendicando alla materia artistica una sua verità e un potere di svelamento non privo di rimandi poetici, letterari e simbolici. Una vera e propria drammaturgia da intendersi in termini di scrittura scenica, capace di trasformare lo spazio in una “cavità teatrale e umanistica”, come afferma l’artista, perché ”è l'uomo il vero punto di vista del teatro, la sua centralità, che a differenza della pittura ha uno svolgimento e una grande immediatezza.”

In occasione della seconda mostra dopo l’apertura degli spazi milanesi, la Galleria Fumagalli ripropone parte dell’installazione ideata da Jannis Kounellis per il Piccolo Teatro di’Europa accogliendo al suo interno la proiezione inedita del video della performance. Kounellis ha pensato a un Amleto “con la schiena rivolta verso le rovine dell'Europa” per un’installazione allo stesso tempo personale e sociale, contro la corruzione e il potere. Per quest’inedita performance Terzopoulos ha scelto alcuni brani di Die Hamletmaschine che prendono forma attraverso la voce femminile dell’attrice Sofia Hill, la musica elettronica live di Panagiotis Velianitis e la voce maschile elaborata dal regista.

BIOGRAFIE 

JJannis Kounellis nasce a Pireo (Grecia), nel 1936. Arriva in Italia a nel 1956 e si stabilisce a Roma. Dagli anni Sessanta la pittura, la scultura, le ambientazioni, le installazioni e le performance di Kounellis con la loro materialità poverista, testimoni di un preciso impegno culturale ed etico, hanno modificato il modello arcaico della rappresentazione sulla tela fornendo all’opera d’arte un’ampiezza infinita e iniziando un nuovo processo di fruizione di quest’”opera aperta” in grado di coinvolgere totalmente lo spettatore. Tale lavoro si è imposto rompendo i confini ancorati alle molteplici identità storiche e ridefinendo una nuova esigenza compositiva. Si è proposto come interazione spaziale fra immagini e oggetti, al fine di ricondurre lo spettatore a una sola e inequivocabile visione, immagine in quanto visione. Oltre alle numerose partecipazioni a rassegne nazionali e internazionali con il gruppo dell’Arte Povera, tra le sue più importanti esposizioni personali si ricordano la partecipazione, nel 1972, alla XXV Biennale di Venezia, nel 1974 al Sonnabend di New York, nel 1975 allo Studio d’Arte Contemporanea di Roma, nel 1980 e poi nel 1983 al Sonnabend di New York e l’antologica allestita al Museum of Contemporary Art di Chicago nel 1986. Nel 1996, a Napoli, appende dei mobili alla volta del porticato di Piazza Plebiscito. Nel 2002 alla Galleria Nazionale d’Arte Moderna di Roma allestisce un’imponente labirinto di lamiera. Nel 2003 sotto il patronato del United Nations Department of Public Information e della città di Venezia presenta all’interno del progetto Art of the word una serie di opere concepite per il Monastero Armeno sull’isola San Lazzaro a Venezia. Nel 2004 propone nove grandi installazioni nella Biblioteca Nazionale di Sarajevo ed espone il suo ultimo lavoro negli spazi del museo Nazionale di Arte Contemporanea di Atene. Nel 2007 lavora alla realizzazione del 383° festino di Santa Rosalia a Palermo disegnando il carro trionfale della Santa, inaugura a Roma la Porta dell’Orto Monastico della Basilica di Santa Croce in Gerusalemme, ed espone alla Neue Nationalgalerie di Berlino. Nel 2011 è al National Centre for Contemporary Art di Mosca e al Today Art Museum di Pechino; nel 2012 al MIMA, Middlesbrough Institute of Modern art, al Parasol Unit, Foundation for Contemporary Art di Londra e al Museum of Cycladic Art di Atene. Nel 2014, al Musée d’Art Moderne di Saint-Etienne e nel 2016 alla Monnaie de Paris.

Theodoros Terzopoulos, nasce a Makrygialos (Grecia), ed è tra i maggiori esponenti della regia teatrale greca e europea. Ha studiato presso la Scuola di Teatro K. Michailidis (1965-1967) e lavorato come aiuto regista al Berliner Ensemble (Berlino, 1972-1976). Nel 1985 ha fondato il Teatro Attis in Delphi, col quale ha presentato 2000 spettacoli in tutto il mondo da allora, dirigendo tragedie di Eschilo, Sofocle, Euripide e, commedie contemporanee di scrittori contemporanei europei, come Brecht, Lorca, Müller, Beckett. Ha diretto molti teatri internazionali, tra i quali il Teatro Olimpico di Vicenza e il Teatro Taganka di Mosca. Ha partecipato a numerosi festival internazionali e collaborato con attori di spicco provenienti da tutto il mondo. Tra le sue produzioni più importanti si ricordano Baccanti (1986, 2001), Medea Material (1988, 1995, 1996, 2002), Quartet (1989, 1993), Persiani (1990, 2003, 2006), La liberazione di Prometeo (1991), Fedra (1991), Antigone (1994), Prometeo Incatenato (1995, 2008, 2010), Ercole (1997), Filottete (2003), Aiace (2004), Edipo Re (2006), Cassandra (2007), La signorina Julie (2008), Mauser (2009), Alarm (2010), Antigone (2011). Il metodo di Theodoros Terzopoulos e l'approccio all’antica tragedia greca è insegnato nelle Accademie di Teatro, negli Istituti e Dipartimenti di Studi Classici di tutto il mondo. Tiene regolarmente workshop e conferenze, ha ricevuto molti premi teatrali in Grecia e all'estero. Sono stati pubblicati e tradotti in greco, inglese, tedesco, turco, russo, cinese e polacco, numerosi testi sul suo lavoro. In qualità di direttore artistico degli International Meetings of Ancient Drama in Delphi (1985-1988), ha invitato prestigiosi personalità teatrali internazionali e artisti, tra le quali Heiner Müller, Tadashi Suzuki, Min Tanaka, Anatoly Vassiliev, Robert Wilson, Andrzej Wajda. È presidente dell’International Committee Theatre Olympics in Delfi (1995), Shizuoka, Giappone (1999), Mosca (2001), Istanbul (2006), Seoul (2010), Pechino (2014), e Wroclaw, Polonia (2016).

Galleria Fumagalli


Via Bonaventura Cavalieri 6, 20121 Milano 



+39 02 36799285

 - www.galleriafumagalli.com


Dal 13 ottobre al 5 novembre 2016

La Galleria Biasutti & Biasutti ha il piacere di presentare una mostra di Piero Vincenzo Livio.

Dopo l'esposizione al Museo Ettore Fico di Torino (8 settembre - 2 ottobre 2016), la galleria accoglie nelle proprie sale, una selezione di oggetti, realizzati dagli anni Settanta ad oggi, parte di una produzione organizzata e catalogata. Racchiusi in ampolle e teche reali, gli oggetti sono costruiti con contributi occasionali, assemblati con fragili legature organiche di mollica, cera d'api  e sottili fili di rame. Assemblaggi con una nuova identità, nati da scarti, rifiuti destinati all'oblio.

Livio dice " Molte volte mi sono chiesto, mi hanno chiesto perché? La risposta sicuramente nasce dalla mia infanzia, al centro del mediterraneo, in un accaldato pomeriggio d'estate, nell'ombra, la gibigiana del sole crea, in una fessura delle persiane, una lama di luce, milioni di intangibili ogetti emergono dal nulla, un polveroso universo, una ricchezza celata di differenti nature, colori, misure, tensioni, attrazioni, pulsioni; un pacato caotico vortice, un parabolico andare in cerca di pace dove pace non c'è. Un rumore inudito, il ribollir silenzioso del fiato terreno presente, impalpabile, assente, trasporta la vita, la fortuna, il destino, un granello piccino, l'intero universo che porta con sè.

Dustmuseum.org - raccolta, selezione, diffusione rifiuti - è il titolo sotto il quale dal 1970 ho raccolto gli oggetti che andavo realizzando con scarti e frammenti trovati per caso e destinati all'oblio. Gli oltre centotrenta oggetti riprodotti in questo volume sono la parte emergente di una ben più vasta collezione organizzata, curata, conservata e sistematicamente catalogata. Costruiti con contributi occasionali, assemblati con fragili legature di fili, resine, colle, cera d'api e mollica; protetti da campane, vasi, teche, ampolle sono fotografati, stabilizzati in immagini perlopiù proposte con un metaforico parallasse, di recto-verso, positivo-negativo, back-to-back".

Venere dea di perfezione e bellezza, nata dalle spume del mare fecondate dalla castrazione di un dio, con il suo sguardo seducente rammenta che nel procedere è un breve scarto di parallasse a dar misura e senso alla via (vita).

Do Undo redo - Fare, disfare, rifare; primo istante, ultimo istante; accettazione e rifiuto, scrittura e riscrittura; cucitura, scucitura, ricucitura; costruzione, demolizione, ricostruzione; non moda ma continua ricapitolazione, nell'onnipresente idea dell'"aria libera del mare".

La fotografia intesa come un'istantanea quasi una radiografia, stabilizza, conserva, traghetta l'oggetto in una nuova dimensione, in una ideale "campana trasparente". Le opere composte da una ripresa frontale ed una da dietro, da un positivo e da un negativo inducono ad una osservazione mobile in un gioco di metaforico parallasse.

Vernissage: sabato 10 settembre, ore 16.30

La multiforme varietà dei caratteri umani, l'essenza della vita stessa e della natura dell'uomo sono delineate nelle molteplici sfumature delle passioni umane evocate da Shakespeare: le più grette, primordiali e sanguinarie pulsioni per arrivare alle più illustri e sublimi declinazioni del sentire dell'animo sono incarnate nei personaggi del suo teatro. In questa mostra, un'accurata selezione di artisti contemporanei viene chiamata ad incarnarle in una forma visibile, interpretandole secondo i più svariati linguaggi espressivi che li contraddistinguono.

Aidan, Guido Airoldi, Andrea Anselmini, Giorgio Bevignani, Dorothy Bhawl, Max Bi, Massimo Caccia, Severino Del Bono, Andy Fluon, Enzo Forese, Michael Gambino, Mimmo Iacopino, M'horó, Elena Monzo, Luca Moscariello, Daniele Papuli, Marco Sudati, Giorgio Tentolini vi accompagneranno in un affascinante percorso attraverso le tematiche i personaggi che hanno reso famoso il drammaturgo inglese nel mondo.

Nel teatro elisabettiano, il ruolo del drammaturgo era creare nella mente dello spettatore una dimensione altra, dove dare forma alle figure dell'immaginazione descritte nelle pagine delle sue opere.

E dalla sovrapposizione di centinaia di strati di carta dalla grammatura e dal colore accuratamente selezionati, sagomati e tagliati a mano, nasce l'occhio del poeta o Occhiopinto di Daniele Papuli caratterizzato dal degradare l'uno nell'altro dei colori caldi ocra e marrone della terra e delle tonalità fredde dell'azzurro e del blu, a simboleggiare che l'ispirazione vaga tra cielo e terra senza confini geografici, né culturali, sia nella poesia e nell'arte drammatica che in quella contemporanea, che ci restituisce, ammantati e stratificati di nuovi significati e riletture attraverso i secoli, i messaggi che Shakespeare voleva veicolare.

Le tenere fattezze del personaggio femminile Ofelia, abbandonata da Amleto, vengono fatte riaffiorare da Giorgio Tentolini attraverso la stratificazione delle profondità dei livelli di chiaroscuro incisi in un materiale dalla consistenza impalpabile come il tulle blu, per rievocare la tragica fine per annegamento della giovane donna; Andy Fluon la ritrae circondata da motivi decorativi floreali in stile liberty, ma accesi dalle cromie acide e squaillanti della sua pittura liquida in stile New Pop. Allo stesso modo, Enzo Forese omaggia la semplicità di un'eroina tragica modesta e innocente come Giulietta in un ritratto dai tratti stilizzati circondato dal gioco puerile delle lettere del suo nome che la circondano, mentre Severino Del Bono, con la sua Giulietta “bendata”, vuole rievocare l'inconsapevole spensieratezza dell'amore data dall'inesperienza della gioventù, presto spezzata dagli eventi tragici che attendono i due amanti nella tragedia Romeo e Giulietta. Il loro amore vive di un'estasi profonda, vissuta come un gioco goliardico di attori dilettanti che in modo altrettanto puerile e amtoriale inscenano, di fronte alla celebre balconata veronese, una tentata fuga su un cavallino a dondolo nell'opera di Marco Sudati, caratterizzata dal tratto semplice e lineare del disego infantile. L'amore espande il suo etere nello spazio infinito, come le farfalle si espandono partendo dai libri incastonati al centro delle tavole di Michael Gambino in un pattern effimero e tridimensionale, ricordandoci come si possa viaggiare sulle “ali” dell'immaginazione attraverso la lettura, in un'atmosfera magica da incantamento che richiama quella del bosco di Sogno di una notte di mezza estate dove le vicende degli amanti si intrecciano a quelle di fate e spiritelli, grazie anche ai bagliori luminescenti che, al buio, accendono il fondo delle opere. Ma la farfalla, antico simbolo di metamorfosi e rinascita ha vita una breve ed effimera come un battito d'ali, come l'uomo, anche se posto al centro dell'universo dal pensiero umanistico rinascimentale: questo ci ricorda la “vanitas” barocca di Guido Airoldi dove il teschio viene raffigurato con un collage di un materiale logoro, giunto alla fine del suo ciclo vitale, come i manifesti circensi strappati dal muro o carte rovinate dall'usura del tempo, rivisitando in modo inedito la tecnica degli affichisti degli anni '60.

In effetti, nelle opere di Shakespeare, ogni passione si converte nel suo rovescio speculare, dal lirismo più delicato si passa alle passioni sfrenate e sanguinarie, in un perenne dualismo tra bene e male, amore e odio, vita e morte, come sembra dirci, l'animazione in realtà aumentata che si cela dietro l'opera di Aidan, dove i risvolti lirici e sentimentali si Romeo e Giulietta si rovesciano nel loro risvolto drammatico e passionale, come l'immagine del teschio di Yorick nell'Amleto, andando oltre la dimensione della rappresentazione artistica del palcoscenico del teatro all'interno della tela. Anche la specularità dell'immagine fotografica proposta da Dorothy Bhawl riflette su questo perenne dualismo: dove un demone in rosso, metafora del lato passionale che si cela dentro ognuno di noi, interroga, in una sorta di rituale divinatorio, la morte, rappresentata in senso amletico, profondamente shakespeariano, in nero, perfettamente simmetrica e nella stessa posizione del demone, mentre regge il teschio, estruso dal suo corpo. La domanda è sempre la medesima: è il quesito esistenziale dell'Amleto, anch'esso basato sulla contraddizione di due opposti: “Essere o non essere?”. Nella filosofia del neoparmenidismo di Emanuele Severino, uno dei massimi filosofi contemporanei, al quale si ispira Giorgio Bevignani, l'essere è eterno, in contrapposizione assoluta con il “non essere” e il divenire temporale viene rappresentato dall'apparire successivo dei vari stati dell'essere, come fotogrammi in una pellicola, come avviene nella deflagrazione atomistica della scultura dell'artista; qui il significato dell'essere dell'uomo nel mondo e la verità sono dati dal valore metamorfico e cangiante creato dalla reazione dei pigmenti con la luce, dalla solidità che essa da alla materia pulsante di vita, intrappolata negli strati di silicone emulsionato semitrasparenti che esistono solo in una consistenza data dalla cortina di luce che ci avvolge e li attraversa.

È impossibile cogliere la sostanza dell'esistenza umana se non distogliendoci dai parametri razionali con i quali percepiamo la realtà, come ha fatto Amleto. Un castello di speculazioni filosofiche, metaforicamente rappresentato dall'ingabbiatura dietro alla quale Max Bi rinchiude uno sconsolato Shakespeare, con il teschio di Yorick in mano, blocca Amleto nella sua inazione. Lo scetticismo per cui ogni visione della realtà è relativa perché percepita da un signolo individuo. La complessità del pensiero di Amleto è ben rappresentata dall'opera di Mimmo Iacopino dove le frasi estrapolate dall'opera e impresse su strisce di tela si intersecano in trame geometriche tridimensionali dallo sviluppo enigmatico. La verità sta nella “terra di mezzo”, nella chiave esoterica che il demone porge alla morte nell'opera di Dorothy Bhawl, posta esattamente al centro della scena, racchiusa in una sfera che simboleggia quanto sia difficile raggiungere la completezza nella vita. Ce lo dimostra l'opera di Luca Moscariello dove l'assemblamento di molteplici simbologie, tratte dal Mercante di Venezia, ci fanno capire come ogni personaggio sia legato ad un vincolo che si interpone tra lui e il raggiungimento della felicità. Ogni oggetto che si affastella sulla scena è simbolo di uno degli aspetti che nella vita lottano per affermarsi, come avviene sul proscenio teatrale delle sue tavole: il bene e il male, la giustizia e il sentimento. Il male esiste dagli albori dell'umanità, così come il tradimento, esso è insitio nella natura dell'uomo, fin dal biblico fratricidio di Caino e Abele. Ce lo ricorda Massimo Caccia che traduce, nell'ironica scenetta della volpe e dell'agnello che si trovano vis à vis in una situazione surreale, una delle metafore dell'esistenza umana tratte dall'Enrico VI: “La volpe non latra quando vuol rubare l'agnello”. Nel dramma storico, i cospiratori di corte che tramano per spodestare il re cercano di offuscare il suo giudizio, facendogli notare che, sotto un aspetto apparentemente benevolente, si celano intenti malvagi, ma solo per far ricadere la colpa sul loro rivale, il potente Duca di Gloucester. Anche sotto la coltre scillante del patchwork di materiali eterogenei dalla provenienza cosmpolita di cui Elena Monzo ricopre le sue donne, si cela un lato oscuro, una vacuità che si intuisce dagli occhi vuoti e dai tratti sfrangiati. Anche dietro le vesti sontuose e regali delle regine e delle duchesse, le “dark ladies” shakespeariane si cela un animo maligno, come in Lady Macbeth, oppure la Duchessa di Gloucester, Eleanor, dell'Enrico VI, così come la regina Gertrude e Re Lear.

Alla fine della rappresentazione teatrale, la dimensione magica creata dal drammturgo si disperde, come sembra ricordarci lo scenografo Andrea Anselmini. Nella sua opera ripropone la mano del drammaturgo, realizzata con listelli di legno di quercia, lo stesso materiale del quale era composto il Globe, teatro elisabettiano burciato nel 1613, dove è andata in scena l'ultima opera drammaturgica di Shakespeare, La Tempesta, suo testamento artistico. Con la metafora della mano del drammaturgo, dove è il pollice ad essere bruciato, Anselmini allude al gesto simbolico della rinunica al palcoscenico di Shakespeare, uno dei più grandi drammaturghi di tutti i tempi, che getta la penna del poeta, così come Prospero, il mago, alla fine della Tempesta, getta la sua bacchetta magica, rinunciando all'universo di magie e illusioni che aveva creato. M'horó, invece, rievoca la pianta circolare dello storico teatro elisabettiano plasmando in una sucperficie radiante in alluminio la caratteristica apertura centrale, che permetteva alla luce naturale di penetrare sulla scena. L'artista lascia intravedere la struttura interna a graticcio, simile a quella di travi di legno di quercia del Globe, costruito, nel 1599, dalla compagnia teatrale alla quale Shakespeare apparteneva, The Lord Chamberlain's Men, sulle rive del Tamigi.

Ma se il fuoco da una parte consuma il legno, dall'altra viene utilizzato come tecnica per conservarlo. E così si ritorna alle contraddizioni che si animano nello spirito dell'uomo, le sue passioni che si agitano nella sua mente, sempre dilagnata tra il bene e il male, l'essere e il non essere, la vita e la morte. I messaggi che, tramite le parole di Shakespeare, sono giunti fino a noi, a 400 anni di distanza dalla sua morte, stratificati della complessità dei significati conferitegli dalle varie riletture, per essere riletti dalla sensibilità degli artisti contemporanei.

Inaugurazione: sabato 10 settembre 2016, ore 18.30
Durata: 10 settembre – 08 ottobre 2016
Orario: da martedì a sabato 16 – 19, altri orari su appuntamento

L’artista Lucia Di Pierro lo scorso anno ha partecipato alla 3^ edizione del concorso biennale Coffeebreak.museum ed è stata selezionata con menzione speciale da Sabina Melesi della Galleria Melesi di Lecco.
Il progetto Coffeebreak.museum, nato dal presupposto di creare un nuovo dialogo tra la collezione di ceramiche del XVIII secolo del Museo Gianetti di Saronno (VA) e l’arte contemporanea, anche per la 3^ edizione, ha riscosso un buon successo, con grande partecipazione da parte di artisti provenienti da tutta Italia. L’idea s’ispira alle così dette “pause caffè” che si prendono per staccare dal lavoro quotidiano: una breve sosta in cui si azzera tutto per poi ricominciare. L’idea del Coffeebreak in museo non si limita al solo rituale del caffè, ma è un appuntamento con la cultura, una breve pausa circondati dalla bellezza dell’antico e del contemporaneo, un momento di riflessione e di curiosità.
La terza edizione del progetto ha coinvolto diversi enti sul territorio nazionale dando la possibilità ai partecipanti di attivare collaborazioni con i professionisti; la collaborazione con la Galleria Melesi ha dato l’opportunità a Lucia Di Pierro di presentare le sue opere in una mostra personale in galleria.

“La ricerca di Lucia è di tipo eterogeneo, ma la costante è data dall’infinita contaminazione tra il mondo naturale e il mondo artefatto, rilevando una sinergia ambientale tra natura ed artificio”.

Naturalis Historia è il titolo della mostra, ma anche una raccolta di progetti proposti dalla Di Pierro che vertono sul mondo della natura con la pretesa di instillare meraviglia, di guardare con occhi nuovi ciò che ci circonda. Lo stesso Plinio il Vecchio, nell’omonimo lavoro enciclopedico, esprime stupore nel vedere così tanta perfezione e forza in esseri così piccoli come gli insetti e non riesce a capacitarsi di come questi possano possedere così tanti sensi insieme in un involucro così piccolo. Un particolare spazio del progetto è occupato dallo studio comportamentale degli insetti e delle differenze che si riscontrano prima e dopo l’intervento artistico dell’artista. Ad esempio i bruchi venivano invitati a passare prima su colore naturale e poi su tela di lino, il loro passaggio ha lasciato tracce colorate, divenendo così i bruchi stessi pennelli viventi. Lo scopo di questo progetto artistico non è soltanto lo studio comportamentale di questi esseri e l’interazione che si è venuta a creare, ma soprattutto quello di attribuire ad un’azione quasi impercettibile come il passaggio di un bruco, un segno tangibile, una traccia, una testimonianza della sua esistenza.
Un altro progetto proposto in mostra è Orecchiette/Helmets: si tratta di lavori nati dalla collaborazione spontanea della madre dell’artista, venuta poco a poco disabile a causa di malattia. In questo progetto il materiale utilizzato è l’argilla; la sua manipolazione è diventata uno svago piacevole, una sorta di gioco terapeutico che rimanda il ricordo della lavorazione della pasta fresca tradizionale della sua terra, le orecchiette della Basilicata.
Quest’opera parla di una donna che nonostante tutte le sue sventure si da forza e come un guerriero si protegge con il suo elmo simbolico, ovvero il coraggio di andare
avanti. Orecchiette/Helmets è realizzato da elementi rossi e marroni di terracotta non smaltati per elevare e rendere visibile la bellezza della semplicità.

L’artista LUCIA DI PIERRO è nata a Castel San Giovanni PC nel 1976 dove vive e lavora.
Ha una formazione artistica con diverse specializzazioni e Master. Dal 2007 insegna Arte e Immagine, Storia dell’Arte e Discipline Plastiche.

GALLERIA MELESI

Via Mascari, 54 - 23900 Lecco

tel/fax +39 0341 360348

a cura di

Andrea Alibrandi e Alessio Marolda

16 settembre - 4 novembre 2016

inaugurazione

venerdì 16 settembre, h 18:30

Catalogo della mostra

quindici opere di Marco Gastini

1969 -1978 un decennio

testo di Alessio Marolda - Edizione Gli Ori, Pistoia

La Galleria Il Ponte, per l'inizio della nuova stagione espositiva 2016/2017, presenta un importante nucleo di opere di Marco Gastini, realizzate fra il 1969 e il 1978. Un decennio fondamentale all’interno della lunga carriera dell’artista che, in un suo personale percorso, trova consonanze con la pittura di ricerca degli anni Settanta, la Pittura analitica, definita anche “pittura-pittura”, di cui è sicuramente una punta di diamante.

Le sue “figure” si riducono a punto e linea, proposte quali costanti di una pittura dove «l'attenzione stacca il gesto, l'azione distanzia lo sguardo indifferenziato, lo spazio oppone un altro spazio, a sua volta discontinuo...». I suoi segni, scarni, sensibili, sembrano inseguire le sedimentazioni di un gesto, le tracce di un pensiero pensato, ma non espresso. «Tracciare quei punti per me significa pensare a uno spazio, “vedere” uno spazio»...

Fra le opere esposte vi sono alcuni plexiglas, un supporto peculiare di Gastini per la sua trasparenza, presentato distanziato dalla parete, in cui prima le macchie (1969) e i graffi (1972) paiono “galleggiare” e il durcot crea una nuova superficie tattile su cui si definiscono i segni di Gastini (1973-74); una delle grandi tele bianche del 1973, resa vibratile dai punti di un nuovo spazio; alcune carte japan del 1974 di grandi dimensioni, dove ampie campiture bianche sono luogo di incisioni e segni, fino alle due grandi opere su carta del 1977/78, in cui il segno e la composizione assume struttura e vigore, anticipando l’uso della materia negli anni Ottanta.

Marco Gastini nasce nel 1938 a Torino. Frequenta il Liceo Artistico e poi la Scuola di Pittura dell’Accademia Albertina di Torino, con una precedente esperienza formativa tecnico-professionale nel laboratorio del padre marmista. I suoi esordi pittorici avvengono in un clima tardo informale con la realizzazione di quadri astratti densi cromaticamente, per passare ad una pittura meno materica espressa in nudi femminili o paesaggi presentati da Paolo Fossati e Enrico Crispolti nelle prime personali del 1967 e 1968 nelle Gallerie della Steccata di Parma, Il Girasole Arte Contemporanea di Roma e Pozzi Arte Contemporanea di Novara. Alla fine degli anni Sessanta, l'indagine sul segno, la presenza spaziale, l’azzeramento cromatico, lo portano ad una personale ricerca sulla pittura con sperimentazioni dalle tele dipinte a spray (Paesaggio, Galleria Il Punto di Torino, 1968) agli smalti e ai floccaggi su plexiglas, legno o vedril (Linea d’aria, Salone Annunciata di Milano, 1969). La pittura si addensa su vetri, neon o cassette di plexiglas in macchie di colore di piombo e antimonio. Nei primi anni Settanta, fra i pionieri della “pittura analitica”, si inseriscono lavori su parete, rigorose quadrettature e tracciati elementari in polvere di cemento, carboncino o conté (18 x 18 / 3 rossi + 1), preceduti da lastre progettuali in durcot su plexiglas (Progetto per parete); l’artista non perde di vista la tela, intervenendo con esili segni che constatano lo spazio, lo misurano attraverso semplici geometrie (Acrilico n. 5, 10/1, AYZ), mentre ancora sui plexiglas graffiati il gesto “vive” e si rivela sul supporto invisibile. La sperimentazione procede con l’utilizzo del pigmento “pearl white”, madreperla, dal 1977 applicato su tele, carte o sul muro, rappresentando l’uscita dal “non colore”. In questo anno l'artista tiene la prima personale alla John Weber Gallery di New York - con la quale collabora per molti anni a seguire - che ne sigla l'inizio di una serie in terra straniera dagli anni '70 agli anni '80, da Argès e Baronian di Bruxelles, a Annemarie Verna di Zurigo, D + C Mueller-Roth di Stoccarda, a Walter Storms di Monaco di Baviera. Personali e collettive si alternano costantemente in Italia e all'estero per i decenni successivi. Si citano quelle allo Studio Grossetti di Milano (la cui collaborazione é cospicua nel tempo), alle gallerie Primo Piano e Sperone di Roma, a Il Banco di Brescia, alla Christian Stein di Torino. Del 1976 é la prima monografia di Paolo Fossati, edita proprio da Christian Stein, cui seguirà quella del 1988 per le Edizioni Essegi di Ravenna. Ancora nel '76, Gastini partecipa con una sala personale alla XXXVII Biennale di Venezia. Filiberto Menna recensisce la personale alla Galleria E Tre di Roma (1977) e Pier Giovanni Castagnoli quella allo Studio G7 di Bologna (1979). Alla fine del decennio la pittura ormai sconfina dalla superficie della tela, della carta o degli altri supporti, e conquista la parete; al contempo, l'utilizzo di deiversi materiali quali la pergamena, il vetro, i metalli quali ferro, rame e stagno, gli elementi organici come il carbone, i vegetali simili a carrube, ed in seguito la pietra, siglano la sua cifra stilistica (il suo linguaggio artistico). Talvolta accumulati in un'unica opera per le loro tipicità formali a favore di suggestioni emotive. All'inizio degli anni Ottanta viene recuperato il colore, l'impasto pittorico più complesso, materico e cromaticamente acceso, con pigmenti e leganti. In questo decennio, e a seguire, tante le personali e collettive in Italia e all'estero che ne confermano la fama artistica: nel 1982 partecipa nuovamente alla XL Biennale di Venezia ed esce la monografia di Tommaso Trini. Ancora, la Städtische Galerie im Lenbachhaus di Monaco di Baviera ospita la sua prima grande retrospettiva, a cura di Helmut Friedel; seguono la personale alla Galleria Civica di Modena (1983), accompagnata da un catalogo con  testo critico di Flaminio Gualdoni, e al PAC di Milano (1984). In questo periodo Gastini realizza anche le grandi dimensioni: del 1987, a Castel Burio, é La nave vichinga solca i filari, installazione site-specific all’aperto e in stretto dialogo con l’ambiente, e del 1988, a San Gimignano, in Piazza Pecori il grande lavoro che si ispira al gioco dei bambini per le strade (Il sogno respira nell’aìre). Ancora lavori in grande scala negli anni Novanta, anni nei quali si affianca una produzione caratterizzata dall'uso del ferro. Un susseguirsi di esposizioni in Nord Europa, Italia e oltreoceano denota la costante attività espositiva dell'artista: Galerie Branstetter & Wyss, Zurigo, John Weber Gallery, New York (1990); Studio La Città, Verona (1991); Galleria Civica d'Arte Moderna, Bologna (1992, con testo critico di Pier Giovanni Castagnoli); Galleria Civica di Arte Contemporanea, Trento (a cura di Danilo Eccher), Kunstverein, Francoforte e Sangallo (1993, a cura di Peter Weiermair, Petra Kirchberg, Roland Waspe); Studio G7, Bologna (1996); Galleria Il Cenacolo, Trento (1999). Il nuovo secolo conta, tra le varie, la retrospettiva alla GAM di Torino (Palazzina della Società Promotrice delle Belle Arti) e la Städtische Galerie im Lenbachhaus di Monaco (2001), a cura di Pier Giovanni Castagnoli e Helmut Friedel; quella al CAMeC di La Spezia e alla Kunsthalle di Göppingen presentata da Bruno Corà e Werner Meyer (2005). Per le gallerie private, si citano le personali alla Galleria dell’Oca di Roma (2005), alla Otto Gallery di Bologna (2006), alla Galleria 2000 & Novecento di Reggio Emilia (2007), alla Galleria Giorgio Persano di Torino (2008), alla Galleria dello Scudo di Verona (2008-09), alla Galleria Progettoarte-elm di Milano (2012), alla Galleria Antonella Cattani Contemporary Art di Bolzano (2014), alla Galleria Il Ponte di Firenze (2016). Gastini realizza ancora installazioni, come nella chiesa di San Giacomo a Treville (2005) e nel bosco di Bossolasco (2008); a Torino, per Luci d’Artista, dal 2009 -permanente- un tappeto di segni blu a neon modellato si irradia verso il soffitto della Galleria Subalpina. Dal 2005, l’artista ritorna al dialogo con lo spazio della tela singola, grande: una serie di lavori si caratterizza per un fregio composito nella parte alta (con la presenza anche della terracotta), mentre nella parte bassa si stende una velatura pittorica sui toni del bianco, attraversata da tratti finissimi, a ricordo dei lavori degli anni Settanta (Stoicheion, Arché, I tempi delle attese). Le tele, come già in passato, vivono di pieni e vuoti, di estremamente leggero contro estremamente pesante, e sembrano sostenersi da sé nel vuoto. Cromaticamente predomina il blu, un pigmento blu oltremare utilizzato con la spugna, abbinato al nero: insieme, si staccano dall’impasto di bianchi spalmato con le mani e si protendono idealmente verso gli elementi tridimensionali. Frequente l’impiego dell’alluminio, fuso in calchi, dell’ardesia e del vetro, materiali che nei lavori ultimi sono conficcati di taglio nella tela. La pittura inonda lo spazio, ma si fissa nella percezione di un istante sul quadro, immobilizzata da lame di pietra; si addensa in zone di colore e ombre di materia. 

Ufficio stampa Susanna Fabiani ()

dettagli e materiale fotografico su richiesta.

Il Giappone a Faenza

Museo Carlo Zauli I via Della Croce, 6 I Faenza I Inaugurazione 1 settembre, 19.30

2 Settembre – 2 Ottobre 2016

In occasione di Argillà Italia, Officine Saffi presenta dal 2 Settembre al 2 Ottobre 2016 la personale Around the Nature, Shozo Michikawa at Museo Zauli realizzata in collaborazione con il Museo Carlo Zauli di Faenza.

Inaugura giovedì 1 settembre alle ore 19.30 la mostra Around the Nature, Shozo Michikawa at Museo Zauli. Un gemellaggio culturale, quello tra Zauli ed il Giappone che ha radici molto lontane - è stato molto intenso lo scambio tra l’artista ed il paese nipponico, con diversi cicli espositivi ospitati dalle istituzioni nipponiche tra il 1974 e il 1981 - e che grazie alle Officine Saffi si rinnova presentando una selezione di opere di Shozo Michikawa della collezione Officine Saffi e alcuni lavori inediti realizzati appositamente per la mostra in un’installazione suggestiva nella stanza dei vecchi forni e nella cantina delle argille, ovvero in quello che era lo studio d’artista di Carlo Zauli e che oggi è diventato sede del Museo e centro culturale. “Luoghi nei quali il secolare lavoro della ceramica ha lasciato un'impronta profonda nei colori e nell'atmosfera stessa dello spazio e nei quali la misteriosa e naturale armonia tra muri, pareti, oggetti, opere di Zauli e del Maestro giapponese pare perfettamente compiuta, rendendo quasi tangibile uno spirito che dall'argilla passa alla forma.”

L’artista giapponese proveniente da Seto, uno dei Nihon Rokkoyo, ovvero i sei più antichi centri ceramici del Giappone, è oggi uno dei più importanti esponenti della grande tradizione artistica giapponese. Le sue sono opere d’arte essenziali e dense che traggono ispirazione dalla natura. "L’energia della natura è davvero immensa” afferma Shozo …”Non importa quanto la nostra scienza o la nostra civilizzazione possano evolvere, il potere dell’essere umano è insignificante a confronto con i minacciosi eventi della natura come i tifoni, i terremoti, gli tsunami o i vulcani in eruzione.… Le mie attività creative personali sono state ispirate da vari fenomeni del mondo naturale, anche quelli a cui si può assistere nella vita di tutti giorni.”*

Un impulso originario che accomuna Carlo Zauli e Shozo Michikawa pur lavorando in tempi lontani e con pratiche diverse e di cui scrive Matteo Zauli, direttore del Museo: “E' il modo di sentire e di rivivere la Natura nelle forme a costituire il terreno culturale comune all'universo zauliano e alla scultura ceramica giapponese contemporanea e, in particolare, all'opera di Shozo Michikawa. Riferimento costante dell'opera del Maestro giapponese che per sua stessa ammissione non si discosta mai dal riferimento oggettuale, la forma vaso è altresì origine di tutta la ricerca ceramica di Carlo Zauli, diventandone dal 1976 anche cardine scultoreo attraverso la stagione degli sconvolti”.

Lavori che partono quindi dalla forma utilitaria dei vasi o delle ciotole e che vengono elevati ad opere d’arte plastiche. Masse di terra plasmate dalla sacralità del gesto dell’artista, che presentano molteplici tagli e sfaccettature realizzate senza che Shozo tocchi mai con le mani l’opera fino al momento della cottura. “Armonie ed equilibri tra materia e archetipo antropologico che nel lavoro dei due artisti trovano un perfetto punto di equilibrio, quasi a rappresentare nella forma un rapporto ideale tra uomo e natura”.

Durante Argillà e in occasione della mostra, Shozo Michikawa terrà un workshop presso il Museo Zauli dove dimostrerà i procedimenti unici di creazione delle sue opere.

*Shozo Michikawa, saggio dal catalogo della mostra Forbidden City.

Shozo Michikawa

Shozo Michikawa nasce a Hokkaido nel 1953. Studia presso la Aoyama Gakuin University dove si laurea nel 1975. Dopo un primo inizio nel campo economico, segue lezioni serali di arte decidendo pochi anni dopo di dedicarsi completamente alla ceramica. Attualmente vive e lavora a Seto, nella prefettura di Aichi. Ha esposto soprattutto in Giappone e anche nelle Filippine, Mongolia, Francia, New York e Londra. Nel 2005 è stato il primo artista giapponese ad avere l’onore di una mostra personale nella la Città Proibita a Pechino.

Museo Carlo Zauli

Il Museo Carlo Zauli è un contenitore che dal 2002, attraverso le sue collezioni, e le diverse attività, esplora e diffonde l’arte contemporanea in tutti i suoi linguaggi, con un’attenzione particolare alla ceramica, materiale della tradizione locale. Si trova infatti a Faenza, in pieno centro, all’interno dei locali che furono dal 1949 di Carlo Zauli, uno dei più rappresentativi scultori del 900, di cui promuove il lavoro e la storia, attraverso la gestione dell’Archivio, mostre itineranti, pubblicazioni, conferenze. 
Il museo nasce dalla trasformazione dell’atelier dello scultore Carlo Zauli in un contenitore dedicato ai linguaggi contemporanei basato su due parole chiave che ne hanno caratterizzato l’esistenza fin dagli esordi: incontro e sperimentazione. Con l'apertura del museo si è riprogettato lo spazio in modo che raccontasse con strumenti attuali la vitalità e l’incontro tra artisti che ne avevano caratterizzato l’atmosfera sin dal 1949.

Officine Saffi, Milano

E’ una realtà milanese che rappresenta un hub sperimentale dedicato alla ceramica contemporanea, rivolto ad artisti, designer, architetti, appassionati o semplici curiosi. Il progetto comprende la Galleria d'arte dove vengono allestite mostre con opere di artisti internazionali, il Laboratorio dove si tengono corsi e workshop nonché spazio dedicato alle residenze d'artista e alle produzioni di artisti e designer, e la Casa Editrice che pubblica cataloghi d'arte ed il trimestrale di settore La Ceramica in Italia e nel mondo (www.laceramicainitalia.com). Parte della mission è il Concorso Internazionale Open to Art, dedicato alla Ceramica d'Arte e di Design. Attraverso la sua attività, Officine Saffi intende porsi come punto di riferimento della ceramica internazionale ed ampliarne la definizione in campo artistico, nel design e nell'architettura. 

Faenza, Museo Carlo Zauli (Via Della Croce, 6)

AROUND THE NATURE, SHOZO MICHIKAWA AT MUSEO ZAULI - mostra personale

2 settembre – 2 ottobre 2016

Inaugurazione: 1 settembre, 19.30

Orari di apertura: dal martedì al sabato dalle 10.00 alle 13.00 e dalle 15.00 alle 18. 00

Ingresso gratuito

Informazioni stampa:

Francesca Salvatore

Tel.: +39 02 36 68 56 96

e-mail:

www.officinesaffi.com

In collaborazione:

Museo Carlo Zauli

PARÀDEIGMA

SABATO 22 OTTOBRE 2016 H 18.00
Catalogo con testo critico di Alessandra Redaelli 

Sabato 22 ottobre alle ore 18 presso la Galleria PUNTO SULL’ARTE a Varese (Casbeno), nel contesto della mostra DAIMON (in corso fino al 5 novembre, protagonisti Claudia Giraudo e Matthias Verginer), si svolgerà la perfomance PARÀDEIGMA di GIOVANNA LACEDRA.

L’infanzia, il passato, gli incubi, ma anche i traumi irrisolti, la violenza di genere, i disturbi alimentari; Giovanna Lacedra non ha paura di toccare con il suo lavoro di pittrice e di performer i temi più difficili di quella che si potrebbe definire la femminile quotidianità. E di fare del proprio corpo un prezioso strumento al servizio dell’arte.

Una delle prime performance con cui si è fatta conoscere, Io sottraggo, affrontava senza sconti il dramma durissimo dell’anoressia. Esile fino alla trasparenza, fino all’annullamento, lei incantava il pubblico costringendolo a fissare lo sguardo su un male dell’anima che non è circoscritto e lontano, ma al contrario subdolamente radicato nella società contemporanea. La poesia struggente di Sylvia Plath è al centro di potenti lavori installativi e di una performance sull’amore malato, L’aspirante, dove l’artista, sposa dal volto tumefatto, lavando coltelli insanguinati ascolta le parole dell’uomo, dure come schiaffi. E ancora Non sono mai stata una bambina, ricostruzione incantata e tragica di un’infanzia rubata.

Temi insidiosi, sempre gestiti da Giovanna Lacedra con impeccabile grazia. Come accade nella nuova performance PARÀDEIGMA, dove due voliere – simbolo delle gabbie in cui sigilliamo le nostre vocazioni più autentiche – si spalancano davanti agli occhi dello spettatore, e dove lui è invitato a cercare tra le foglie la parola emblematica del proprio destino, la chiave della propria realizzazione, mentre l’artista, sacerdotessa e fata, muovendosi leggera sulle note del violino ci aiuta a riaccendere dentro di noi quella fiamma che non dovrebbe spegnersi mai. 

GIOVANNA LACEDRA: Venosa (PZ), 1977. Ha conseguito il diploma di laurea in pittura presso l’Accademia di Belle Arti di Firenze (2000) e l’abilitazione all’insegnamento di Storia dell’Arte e Disegno presso l’Università di Pisa (2004). È artista visiva, performer, autrice e docente di storia dell’arte e disegno presso un Liceo Scientifico Statale. Scrive per Wall Street International Magazine, sezione Arte e cura un proprio Blog, titolato Ellepourart e dedicato esclusivamente all'arte e alla poesia fatte dalle donne. Vive e lavora a Milano.

PUNTO SULL’ARTE
www.puntosullarte.it
Viale Sant’Antonio 59/61, Varese
0332 320990 I
Martedì - Sabato: h 10-13 e 15-19

8 settembre - 8 ottobre 2016

La galleria Alessandro Casciaro è lieta di presentare per la prima volta gli artisti Bianca Kennedy e The Swan Collective in un progetto site-specific realizzato appositamente per la galleria.

Con la mostra Hydra Islands Bianca Kennedy e The Swan Collective aprono prospettive sull’interazione tra acqua, uomo, flora e fauna. Il motivo conduttore attraverso i disegni, film, modelli scultorei e le fotografie di Bianca Kennedy sono isole. Nell’esistenza insulare l’artista trova dei rebus mistici per la ‘nascita della tragedia’. Nel film ‘ Sonar Songs’ e in 200 disegni di Bianca Kennedy il luogo in cui si svolge la tragedia è la vasca da bagno. Con Kennedy il bagno in vasca diventa un’isola invertita: un’isola d’acqua in mezzo alla terra ferma. Un luogo di pace. Un’oasi dove l’anima può sprofondare nella molteplicità dell’intimità umana: passione, abbraccio, vulnerabilità, nudità, amore, morte. Alla ‘rivoluzione decadente’ del bagno Bianca Kennedy aggiunge modelli scultorei di piscine e la loro evoluzione in fotografie. L’opera del gruppo di artisti The Swan Collective è pervasa dall’architettura del serbatoio d’acqua. I cinque membri si ispirano a vicenda con le loro tecniche individuali e rompono con le rigide forme della pittura attraverso l’animazione ed effetti speciali. In questo modo si apre una realtà virtuale. Il gruppo allarga la temporalità della pittura acrilica di centrali idroelettriche e bacini idrici, attingendo alla vastità della sua forza collettiva e proiettando dinamici giochi di luci e ombre sui luoghi acquatici dipinti. Attraverso occhiali 3D l’osservatore può immergersi in un mondo virtuale mosso e sentire in modo realistico la forza dell’acqua vitalizzante e nel contempo minacciosa. I stampi su carta esposti mostrano forme di vita che hanno sviluppato tutte quante un metodo organico dell’immagazzinamento dell’acqua: cactacee, piovre e animali primordiali. I lavori degli artisti, basati sulle scienze naturali, comprendono disegni, video, pittura, animazioni 3D, stampi su carta, modelli scultorei e fotografie. Nella mostra Hydra Islands Bianca Kennedy e The Swan Collective esaltano le isole e i luoghi acquatici come spazio vitale e luogo di immagazzinamento di risorse preziose.

Bianca Kennedy nata nel 1989 a Lipsia (D); dal 2011 Accademia delle belle arti di Monaco; 2016 Athens School of Fine Art; 2016/17 Meisterschülerin;

Mostre: 2016 Hydra Islands, Galleria Alessandro Casciaro, Bolzano; Panorama, Akademie der Bildenden Künste München; The Lives Beneath, Espronceda, Center for Art and Culture Barcelona; durchaus, Kempten; 2015 Mostra annuale, Kunstverein Rosenheim; Stadt der Frauen, Alte Kongresshalle München; Sculpture as Performance, Botanikum München; 6/7 Weltraum, Rathausgalerie München; Artificial Legs Don‘t Shrivel, Karin Wimmer Contemporary Art, München; New German Video Art, Alternative Space Loop, Seoul; Flash Back, Freshfields Bruckhaus Deringer, München; Beyond the Pale, Dina Renninger Gallery, München; 2014 Süperb Sürprise, Galerie Esther Donatz, München; Looking at the big sky, Ark Galerie, Indonesien; Praktizierte Substanz, Kunstarkaden München; Life between Walls, con Felix Kraus, Akademie der Bildenden Künste München; Beyond the Pale, Galerie 52, Essen; 2013 EROS III, Halle 50, München; LIFE 3.0, con Felix Kraus, Akademie der Bildenden Künste München; Konsumieren wider aller Vernunft, Stephan Stumpf Gallery, München; 2012 Kunst-Stoffe, Freshfields Bruckhaus Deringer, München; Mostra annuale, Akademie der Bildenden Künste München; INSIDE|OUTSIDE, Nürnberg con Prinzhornsammlung; 2011 Textiles Unbehagen, Stephan Stumpf Gallery & Färberei, München;_

The Swan Collective nato nel 1986 a Monaco (D); 2014 Diploma all’Accademia di belle arti di Monaco; 2014 LFA Kalender con Bianca Kennedy (Agosto); 2012/13 Borsa di studio della Fondazione accademica del deutschen Volkes.

Mostre: 2016 Farbe & Raum, Ägyptisches Museum München; Hydra Islands, Galleria Alessandro Casciaro, Bolzano; The Lives Beneath, Espronceda, Center for Art and Culture Barcelona; 2015 Sculpture as Performance, Botanikum München; Going Commando, Collection Born; 7/7 Weltraum, Rathausgalerie München; Annual Exhibition, HfG Karlsruhe; Kunst macht Lust, Kloster Roggenburg; Flash Back, Freshfields Bruckhaus Deringer München; Beyond the Pale, Galerie Dina Renninger, München; 2014 Sürprise Superb con Bianca Kennedy, Galerie Esther Donatz München; Nature Vive, Galerie Jörg Heitsch, München; Late Cave, Tesi, AdBK München; Fülle, Hofgarten München; Licht & Schatten, Ägyptisches Museum München; Praktizierte Substanz, Kunstarkaden München; Gastspiel, Galerie Thomas München; Life Between Walls con Bianca Kennedy, Mostra annuale AdBK München; Beyond the Pale, Galerie 52, Essen; 2013 Galeria Autonomica, Stadtmuseum München; EROS III, Domagk Ateliers München; LIFE 3.0 con Bianca Kennedy, Mostra annuale AdBK München; 2012 Sex Through Death, Akademie Galerie München; Spiel-Zeuge, Freshfields Bruckhaus Deringer München; AABER AWARD; Kunsthalle Schweinfurt con Victor Kraus; 2011 [con_vex] con Frank Balve, Mostra annuale AdBK München; 2010 e 2011 Workshop e mostre, Kloster Roggenburg; 2008 – 11 Mostre con il gruppo artistico K2ao a Monaco (tra cui Lothringerstraße, Lenbachhaus), Berlin, Hamburg-Harburg, London, Amsterdam;

DAIMON

CLAUDIA GIRAUDO

 MATTHIAS VERGINER
con performance di GIOVANNA LACEDRA

VERNISSAGE: Sabato 24 settembre 2016, ore 18 - 21
PERIODO: 25 settembre - 5 novembre 2016
PERFORMANCE: Sabato 22 ottobre 2016
A cura di Alessandra Redaelli

La nuova stagione di PUNTO SULL’ARTE apre con una mostra intensa. Sabato 24 Settembre dalle 18 alle 21 sarà inaugurata la doppia personale DAIMON, con protagonisti gli artisti CLAUDIA GIRAUDO e MATTHIAS VERGINER. Il tema è quello del destino, raffigurato nell’incontro tra la persona e il suo daimon, l’animale simbolo guida dell’anima. Ecco allora Claudia Giraudo, con i suoi oli su tela profondi e senza tempo, dove figure leggiadre che incarnano la giovinezza incontrano farfalle, lepri, camaleonti, rospi smeraldini e germani reali, intrattenendo con loro dialoghi silenziosi sul futuro. Ecco Matthias Verginer: nelle sue sculture in legno di tiglio l’incontro tra l’uomo e il suo daimon si colora in tinte pop e si declina in toni scanzonati, facendo apparire la bella ragazza nuda, tonda e atletica, come una domatrice di belve e di insetti giganti o come una condottiera in piedi sul dorso di una balena. Completa la mostra la performance di GIOVANNA LACEDRA, dal titolo “Paràdeigma”. Pittrice, disegnatrice, ma soprattutto performer, l’artista si esibirà Sabato 22 ottobre incantando e coinvolgendo il pubblico con un’azione inedita dedicata al nostro destino più autentico, alle nostre vocazioni profonde, e alle gabbie che troppo spesso le soffocano.

Durante il vernissage, sabato 24 settembre, saranno presenti gli Artisti.

CLAUDIA GIRAUDO: Nasce a Torino nel 1974. Nel 2001 si laurea presso l’Accademia Albertina di Belle Arti di Torino e in seguito intraprende il suo percorso di ricerca nell’ambito della pittura figurativa formandosi attraverso lo studio delle opere dei maestri Rinascimentali e Nordeuropei; background che emerge sia nella tecnica che nella scelta dei soggetti, pur mantenendo la sua personale cifra stilistica. Espone con frequenza in fiere d'arte, gallerie private e in luoghi istituzionali pubblici. Le sue opere si trovano in collezioni permanenti ed acquisizioni museali nazionali ed internazionali, tra cui l'Harmony Art Foundation di Mumbai (India), il Museo MACIST di Biella, il Museo Eusebio di Alba (Cn), la Sala del Consiglio di Bossolasco (Cn) e il Museo Civico di Bevagna (Pg). Vive e lavora a Torino.

MATTHIAS VERGINER: Nasce a Bressanone nel 1982. Si specializza in scultura presso la Scuola d’Arte di Selva in Val Gardena e nel 2001 inizia l’apprendistato presso lo studio del padre, il famoso scultore Willy Verginer. Dal 2002 al 2003 collabora con Aron Demetz e nel 2010 collabora con gli Artisti Reza Aramesh e Pietro Roccasalva. Ha iniziato a esporre il suo lavoro nel 2001. Ha realizzato mostre personali e collettive e fiere di settore in Italia e all’estero (Belgio, Germania, Lussemburgo, Olanda, Svizzera, Turchia e Taiwan). Vive e lavora a Ortisei (BZ).

PUNTO SULL’ARTE
Viale Sant’Antonio 59/61 - 21100 Varese
0332 320990 | | www.puntosullarte.it
Mar - Sab H: 10-13 e 15-18
Apertura Dom 25/09 e 02/10 H: 15-18

Inaugurazione: giovedì 22 settembre, ore 19

Fino al 29 ottobre 2016

La Galleria Giovanni Bonelli è lieta di presentare nei propri spazi di Milano la personale di Angelo Filomeno.

Oltre una decina di pezzi di grandi dimensioni eseguiti tra il 2014 e il 2015, sfileranno ritmicamente sulle pareti della galleria a creare una sequenza di rimandi tra i soggetti allegorici e I colori cangianti delle sete. L’opera di Angelo Filomeno si sviluppa, infatti, tra strisce  di sete raffinate  e umili pezzi  di lino grezzo che vengono cuciti, tagliati, ricollegati fino a ricomporre delle vere e proprie tele su cui si sviluppa una narrazione dettata  dai dettagli degli intrecci ricamati e dalle vibrazioni di luce che ne colpiscono la superficie.

Filomeno, trasferito a New York da più di vent'anni anni, si è distinto nel panorama internazionale per la sua capacità di  rendere esteticamente attraenti, grazie alla maestria assoluta del  ricamo, soggetti solitamente non desiderabili come teschi, scheletri, scarafaggi e insetti di vario genere.

Le sue opere, che spesso sono metafore di situazioni o ricordi personali, parlano di solitudini e superstizioni, di morte e di paure, attraveso un'iconografia dai rimandi a volte macabri che viene però trasposta in un regno di eleganza e raffinatezza grazie alla incredibile bellezza dei ricami da lui tessuti. I suoi referenti sono nell’arte del Nord-Europa (Grünewald, Dürer e Bosch) ma anche nelle mitologie giapponesi e nelle maschere tribali africane.

Angelo Filomeno (Ostuni, 1963, vive e lavora a New York dal 1992).

I suoi lavori sono stati inclusi in importanti rassegne internazionali quali la 52° Biennale di Venezia (2007); ARS 06 presso il Kiasma Museum of Contemporary Art di Helsinki, e Re:Collection, presso il Museum of Arts and Design di New York; Threaded presso il Center for the Arts in Virginia. I lavori di Angelo Filomeno sono in prestigiose collezioni pubbliche quali: il Centro Pompidou, (Parigi);  il 21st Century Museum of Contemporary Art, Kanazawa;  il 21C Museum, Louisville; e il Museum of Art & Design di New York. 

Pricipali mostre personali in musei internazionali: Savannah College of Art and Design, Atlanta, Georgia; Frist Center for the Visual Arts di Nashville, Tennessee; Istituto Italiano di Cultura a New York e a Toronto. Filomeno collabora da anni con importanti dallerie internazionali come la Galleria Leloong di New York e Anne de Villepoix di Parigi.

Fino al 30 settembre 2016

Oltre alla costante proposta di artisti affermati, lo Studio d’Arte Raffaelli prosegue parallelamente la ricerca sul talento giovane, ospitando in quest’occasione la prima personale in Italia di Katarina Janeckova, artista slovacca naturalizzata americana classe 1988. Dall’8 giugno al 30 settembre 2016 infatti, la galleria presenta una selezione di lavori recenti dell’artista, una ventina di tele e una quindicina di pastelli su carta, svelando opera dopo opera il fascino di una pittura immediata e intensa, i cui soggetti provengono da una riuscita commistione di spunti autobiografici e sottile erotismo onirico. La donna (stilizzata perlopiù in autoritratti dell’artista) e l’orso (animale simbolo della maschilità in tutti i suoi aspetti) sono gli elementi iconografici ricorrenti di un’analisi figurativa che indaga in chiave ludica alcuni aspetti reconditi della psicologia umana. In questo giocoso voyeurismo si trova la novità di Janeckova, abile nel cogliere espressioni gestuali che animano le scene rappresentate, evocando atmosfere sospese in luoghi “altri”, che in qualche modo fanno appello alla quotidianità. Nella riuscita sovrapposizione di piano reale e sur-reale l’artista stabilisce con chi osserva i suoi lavori un patto di “sospensione dell’incredulità”, trasmettendo energia e suscitando un’irresistibile curiosità. La mostra inaugura presso lo Studio d’Arte Raffaelli di Trento mercoledì 8 giugno 2016 alle ore 18.30 in presenza dell’artista. Accompagna l’esposizione un catalogo con testo di Luca Beatrice.

Katarina Janeckova è nata a Bratislava nel 1988. Diplomatasi all’Accademia di Belle Arti di Bratislava, si trasferisce negli Stati Uniti dove, giovanissima, intraprende la sua attività espositiva all’interno di spazi d’arte contemporanea e gallerie a New York. I suoi lavori sono stati in mostra presso alcune importanti gallerie nord-europee e slovacche. Quella presso lo Studio d’Arte Raffaelli è la sua prima personale in Italia. Attualmente l’artista vive e lavora in Texas.

a cura di Flaminio Gualdoni

in collaborazione con Anna Rizzo Vermi

Paolo Berardelli

Fondazione Berardelli

apertura della mostra: dal 1 luglio al 29 ottobre 2016

orario: lun-ven 10.00 - 19.30

sab-dom e festivi su appuntamento

www.frittelliarte.it -

telefono + 39 055 410153 fax + 39 055 4377359

Frittelli Arte Contemporanea inaugura venerdì 1 luglio “Arturo Vermi. Figure in un tempo-spazio”, a cura di Flaminio Gualdoni. La mostra, realizzata in collaborazione con Anna Rizzo Vermi, Paolo Berardelli e la Fondazione Berardelli, rimarrà aperta sino al 29 ottobre 2016.

La mostra dedicata ad Arturo Vermi (Bergamo 1928 - Paderno d’Adda 1988), una delle figure più notevoli della neoavanguardia del secondo dopoguerra, intende documentarne con ampiezza la stagione storica, in cui egli si afferma in seno al milanese Gruppo del Cenobio, fondato nel 1962.

I suoi Diari si affermano come iterazioni regolari d’un segno neutro e inemotivo che si pone in luogo di quelli scritturali definendo solo la componente temporale e spaziale dell’azione.

Scrive Flaminio Gualdoni nel saggio in catalogo: “Titolare Diario l’iterazione regolare, allineata e incolonnata, d’un segno tanto plasticamente schiarito quanto (e proprio perché) ridotto a cellula orfana di qualità convenzionale è per Vermi riportare alla misura esistenziale ciò che altrimenti sarebbe un teorizzare algido: è fare, appunto, concretamente scrutinando, in condizione perfettamente inemotiva, riportando la superficie alla misura mentale della pagina, luogo di possibilità di senso contaminate e radianti”.

Negli anni successivi Vermi fa della emptiness l’ambito di presenze tutte mentali, di distillatissima tensione, aprendosi all’uso dell’oro e dell’argento in quanto colori di pieno significato simbolico.

Verrà, dal 1976, la stagione di altre esperienze, dalla rivista “L’Azzurro” al Manifesto del disimpegno.

La mostra sarà accompagnata in autunno da due esposizioni collaterali nelle “Stanze”, dedicate alla ricostruzione della mostra di Riccardo Guarneri e Paolo Masi al Cenobio nel 1963 e alla figura di Rodofo Aricò e da un ciclo di incontri che coinvolgeranno artisti, storici dell’arte, galleristi e collezionisti in una riflessione sulla figura di Vermi e sul contesto storico e artistico in cui ha operato.

Catalogo Carlo Cambi Editore.

a cura Stefano Castelli

22 settembre - 19 novembre  2016

Inaugurazione 22 settembre, ore 18,00

Luca Tommasi è lieto di annunciare la personale Aura di Alberto Di Fabio, che si terrà dal 22 settembre al 19 novembre 2016 presso gli spazi della galleria di Via Tadino 15 a Milano. In mostra una decina di acrilici su tela recenti, di medio e grande formato ed una selezione di piccole opere su carta.

Da qualche anno tra i nomi più in vista del panorama contemporaneo italiano, Alberto Di Fabio è autore di una pittura astratta ma basata su precisi spunti iconografici e tematici. In un dialogo serrato tra macro e microcosmi, la proliferazione di forme che caratterizza le sue tele fa riferimento al mondo della fisica e dell'uomo, mettendoli in relazione con lo spazio cosmico. Tra gli spunti che si sono succeduti nei recenti cicli dell'artista, i paesaggi montuosi come simbolo di elevazione mentale (nella mostra alla Fondazione Menegaz di Castelbasso, 2014); il cosmo e l'ambizione sublime di poterlo percorrere (Macro, Roma, 2015); il dialogo con la cultura umanistica del Rinascimento (nella mostra Cosmic gate, diffusa in vari luoghi storici di Ferrara - giugno-luglio 2016).

La personale milanese comprende una selezione di tele e carte recenti. In questo gruppo di lavori l'artista torna a concentrarsi sul soggetto umano: lo spunto poetico sono "le potenzialità della mente, la sua aura e il suo magnetismo", spiega Di Fabio. Riferendosi simbolicamente a discipline tanto diverse come scienza, matematica, religione, filosofia e poesia, "i dipinti invocano una riconciliazione tra pensiero razionale e attività istintiva e creativa, tra emisfero sinistro e destro del cervello".

Il richiamo al rapporto tra interiorità ed esteriorità, tra l'individuo e un contesto che lo sovrasta e allo stesso tempo lo esalta, evoca riflessioni sul posto che l'uomo può ricavarsi nel costringente mondo  contemporaneo.

Sul piano stilistico, i lavori esposti rappresentano un'ulteriore evoluzione nella poetica di Di Fabio: il segno si inserisce armonicamente in una trama pittorica ancor più sviluppata e lavorata che in passato. Ma lo slancio creativo è come sempre sostenuto da una struttura rigorosa: i contrasti di cui vive la sua pittura -tra pieni e vuoti, luce e buio, segno incisivo e gesto pittorico - danno vita infatti a un linguaggio sistematico, come un alfabeto da decifrare che ricorre di dipinto in dipinto.  

Alberto Di Fabio ( Avezzano, 1966)  vive e lavora tra Roma e New York. Dopo aver frequentato l’Accademia delle Belle Arti di Roma, si forma negli studi di Cy Twombly e Alighiero Boetti prima di entrare nella “scuderia” di Larry Gagosian a New York. Partecipa a collettive di grande prestigio internazionale,e allestisce importanti personali istituzionali fra cui si ricordano: 2012 Galleria Nazionale d’Arte Moderna , Roma; 2013 Estorick Collection, Londra;  2014 CERN,Ginevra; 2015 MART di Rovereto; 2015 MACRO, Roma.

Catalogo Silvana Editoriale.

Immagine: "Aura e Fosfenismo", 2016, acrilico su tela, 150x230 cm.

La mostra resterà aperta con i seguenti orari:

martedì - sabato ore 13-19. 

Per Info e materiale iconografico:

. Tel. 02 29407196

Dal 24 maggio al 25 novembre 2016, lo Studio Giangaleazzo Visconti di Milano (c.so Monforte 23) dedica una mostra a Sol LeWitt, artista americano (Hartford, 1928 - New York, 2007) tra i più influenti della seconda metà del Novecento, uno dei padri fondatori dell’arte concettuale.

I suoi lavori, infatti, sollecitano la mente dell’osservatore piuttosto che il suo occhio o le sue emozioni e si definiscono concettuali nella misura in cui è l’idea a presiedere l’esecuzione dell’opera.

L’esposizione propone 34 opere su carta - gouache, disegni, acquerelli - e tre progetti per i famosi Wall Drawing, i suoi murales, che rappresentano la sua cifra espressiva più alta e riconoscibile.

Il disegno e la pittura murale sono i due poli attorno ai quali si sviluppa la sua produzione, fin dal 1968. È in questo periodo che LeWitt argomenta come sia l’idea a essere la componente fondamentale della sua arte, ponendo l’esecuzione come secondaria rispetto all’ideazione e alla pianificazione iniziale. Non è un caso che la realizzazione dei Wall Drawing sia lasciata ai suoi assistenti, accompagnandola con il progetto esecutivo, esposto a fianco dell’opera, per aiutare l’osservatore a comprenderne l’idea di base e la conseguente complessità di sviluppo.

“Dal punto di vista espressivo - afferma Gianluca Ranzi nel suo testo in catalogo - quanto interessa a LeWitt è principalmente dato dal fatto che non solo il pensiero deve presiedere e superare d’importanza la realizzazione, ma che quest’ultima deve racchiude in sé il pensiero rendendolo manifesto allo spettatore. È come dire che lo scarto tra il pensiero creativo e la realizzazione dell’opera deve essere il minimo possibile, se non completamente azzerato, in modo che il pubblico non veda tanto un oggetto, ma la letterale materializzazione di un’idea e di un processo mentale”.

“Per far comprendere questo concetto - continua Gianluca Ranzi - LeWitt è ricorso all’esempio della musica: essa, come la udiamo, è il risultato finale, mentre le note che la producono esistono solo per essere lette da chi le può comprendere e utilizzare, cioè i musicisti che eseguono il pezzo musicale indicato sulla partitura. Il pubblico invece ascolterà la musica che nasce dall’esecuzione ma sarà all’oscuro delle unità minime che la sovrintendono, così come delle modalità del loro armonico relazionarsi le une con le altre”.

I Wall Drawing si caratterizzano per la loro bidimensionalità e si fondono con l’architettura del sito, confrontandosi con le proprietà fisiche del muro e dello spazio che le accoglie e si contraddistinguono, almeno in quelli più recenti, per un uso più marcato del colore e per l’individuazione di forme geometriche monumentali, così come per complesse geografie di tracciati colorati e in bianco e nero.