21 ottobre 2017 - 21 gennaio 2018

Orari: 10-12,30 e 16-19,30

aperto anche domenica e festivi

Ingresso libero

La Galleria d’Arte 2000 & NOVECENTO di Reggio Emilia (Via Sessi, 1/F) presenta, dal 21 ottobre 2017 al 21 gennaio 2018, “Contrasti, fondi blu e materia poetica”, esposizione collettiva con opere realizzate dagli anni ’50 ad oggi.

Il titolo della mostra, in parte riferibile a due dipinti di Mario Nigro (“Contrasto”, 1973) e Giulio Turcato (“Fondo blu”, anni ’70), evidenzia le tre aree tematiche in cui si suddivide il progetto, ovvero i contrasti cromatici, la prevalenza di un blu profondo e il connubio tra materia, memoria e poesia, nell’ambito di un percorso che privilegia opere realizzate negli anni ’50, ’60 e ’70.

Per la sezione “Contrasti”, il dipinto di Mario Nigro, teso a ridurre a regola le strutture estetiche del quadro, ed un olio su tela di Piero Dorazio (“Senza titolo”, 1955), grande colorista e maestro dell’astrattismo italiano, nella cui opera si evidenziano l’uso calibrato di velature in contrasto con  prevalenti colori saturi.

Per la sezione “Fondi blu”, un “Concetto spaziale” di Lucio Fontana dei primi anni ‘60, il “Personaggio” di Emil Schumacher del 1958, una tempera su cartoncino di Carla Accardi del 1960, un lavoro di Giorgio Griffa del 1974, “Verifica 5” e “Verifica 7” di Enrico Della Torre, “Blu” di Marco Gastini e l’opera a tecnica mista su tela di Giulio Turcato che dà il titolo al gruppo.

Per la sezione “Materia poetica”, un dipinto del 1960 di Gastone Novelli, maestro dell’informale, da sempre attratto dalla materia e dal segno, sino a sconfinare nella poesia visiva, un “Toro” del 1967 in ottone di Fausto Melotti, scultore e poeta, unitamente al tuffo nella materia di Piero Ruggeri, all’opera di Omar Galliani a matita su tavola dedicata alla personificazione di “Andromeda” ed “L.P.” di Walter Valentini, che evidenzia l’interesse dell’artista per il cielo e la cosmografia.

La mostra è completata da opere selezionate di Alberto Manfredi, presentate in occasione della grande retrospettiva “Alberto Manfredi. Dipinti 1953-2000. La Collezione Giacomo Riva” curata da Sandro Parmiggiani presso Palazzo da Mosto a Reggio Emilia.

CONTRASTI, FONDI BLU E MATERIA POETICA

Opere dagli anni ’50 ad oggi

Carla Accardi, Enrico Della Torre, Piero Dorazio, Lucio Fontana, Omar Galliani, Marco Gastini, Giorgio Griffa, Alberto Manfredi, Fausto Melotti, Mario Nigro, Gastone Novelli, Piero Ruggeri, Emil Schumacher, Giulio Turcato, Walter Valentini

Per informazioni:

2000 & NOVECENTO Galleria d’Arte        

Via Sessi 1/F | 42121 Reggio Emilia 

Tel. 0522 580143 | Fax. 0522 496582 

| www.duemilanovecento.it

www.facebook.com/duemilanovecento

Ufficio Stampa:

CSArt – Comunicazione per l’Arte

Via Emilia Santo Stefano 54 | 42121 Reggio Emilia

Tel. 0522 1715142 | | www.csart.it

Curatore: Leonardo Conti

Opening: sabato 28 ottobre 2017 ore 18.00

Durata: 28 ottobre – 16 dicembre 2017

Catalogo: a cura di Leonardo Conti, 25 tavole a colori, oltre alle immagini del vernissage.

 Presentazione al finissage.

Testi: Fabrizio Bonalumi, Leonardo Conti

Performance: Danza con musica di Paola Samoggia

La PoliArt Contemporary di Milano presenta Alberto Biasi e Agostino Bonalumi | Avanguardia senza fine, la prima mostra in cui venti opere scelte dei due artisti sono poste in un confronto cronologico serrato, dalla fine degli anni Cinquanta sino al 2013.

Biasi e Bonalumi sono tra i protagonisti internazionali di quella cruciale generazione che, in piena fascinazione fontaniana, ha sentito la necessità di elaborare nuovi linguaggi. Ciò che emerge, seguendo l’evoluzione parallela dei due artisti, è la capacità, nella reciproca coerenza tematica, di porre sempre nuove problematiche alle proprie ricerche, nella creazione di nuovi cicli, di decennio in decennio. Proprio questa è la linea curatoriale della mostra: la verifica e l’indagine di quelle problematiche e innovazioni, attraverso l’esposizione di un’importante raccolta di opere appartenenti ai cicli più rilevanti.

Se, già sul finire degli anni Cinquanta, la ricerca di Biasi si pone come fondante per l’arte programmata e cinetica internazionale, Bonalumi è tra i capiscuola di quella particolare uscita dalla stagione informale, attraverso la costituzione di forze soggiacenti che conducono alle sperimentazioni sull’estroflessione.

L’uso della profondità è un comune denominatore agli esordi delle ricerche dei due artisti. Se Alberto Biasi, già nel ciclo delle Trame (1959), attraverso la sovrapposizione sfasata di fogli colmi di buchi (dai graticci dei bachi da seta), pone proprio la profondità come strategia compositiva per gli effetti di mutevolezza percettiva, anche Agostino Bonalumi si muove nella direzione del profondo, costruendo forze di tensione che producono l’estroflessione della superficie. Nell’opera Senza titolo del 1959, all’interno di una sensibilità ancora pienamente informale, Bonalumi già dispone pezzi di tubo nel drappeggio raggrumato di tela e cemento, componendo una sorta di dorsale, già allusiva a quelle architetture soggiacenti, che presto saranno le profondità delle sue estroflessioni.

Negli anni Sessanta, nell’ambito del Gruppo N, Biasi elabora compiutamente la radicale distinzione tra forma cinetica e forma dinamica: la forma cinetica si muove, producendosi in un movimento reale (con un motore ad esempio), la forma dinamica è ferma, ma induce il movimento in chi guarda, proprio in virtù di una mutevolezza percettiva. Alberto Biasi 

dedicherà, seppure non esclusivamente, la maggior parte della propria ricerca alla forma dinamica, come nei cicli delle Torsioni (o Dinamiche) e dei Rilievi Ottico-dinamici. Nella prima Dinamica in mostra, del 1969, è proprio la torsione di molteplici stringhe, inchiodate al centro e lungo il perimetro della forma geometrica ovale scelta come sfondo, a creare l’effetto di dinamismo ottico, che induce l’osservatore a spostare il proprio punto di vista.

Agostino Bonalumi negli anni Sessanta si misura con il fuori (con le forze del fuori), creando diverse forme aggettanti, talvolta squadrate ma perlopiù tondeggianti, fino al cerchio, spesso anche isolate al centro delle tele. Il suo problema ora è lo spazio, in una declinazione inedita rispetto alla scultura, perché la forma emerge dalla tela allestita in parete, quindi interagendo anche con una percezione non abituale della forza gravitazionale. Sono anni in cui l’artista verifica le quantità di forze, per trovare luoghi di equilibrio tra le forme e lo spazio circostante. Poi, presto, anche la luce, con i suoi effetti d’ombre, diventerà un elemento compositivo nelle opere di Bonalumi, inaugurando il suo grande filone di ricerca, in cui forma reale e forma percettiva, evocata, s’innestano l’una nell’altra mescolandosi.

Negli anni Settanta l’artista approfondisce questo rapporto tra spazio e luce, costruendo opere dalle forme tipicamente parallele. Nel grande Bianco del 1975 (già esposta alla Mathildenhöhe di Darmastadt), è una fluidità chiaroscurale, quasi nautica, a fondere le forti estroflessioni allo spazio circostante.

Negli stessi anni Settanta, in anni in cui la pittura è morta come linguaggio, Alberto Biasi crea i Politipi, nella necessità di approfondire e ampliare le possibilità linguistiche della propria ricerca, fatta di piani, stringhe in torsione, e chiodi: con una nuova libertà compositiva, l’artista diviene persino rappresentativo, simbolico e figurativo. Nel grande politipo Dal bianco il nero, dalla notte il giorno del 1980 (già esposto a Palazzo Ducale di Genova), una striscia mediana di luce/ombra raccoglie nello sguardo di chi passa l’attimo ambiguo che lega il giorno e la notte, la luce e l’ombra.

Per Bonalumi gli anni Ottanta sono il momento di riflessione sulla propria identità di “pittore” (definizione che amava darsi): le superfici estroflesse si animano di una sensibilità cromatica divisionista, fatta di tratti giustapposti di colore. Nell’opera in mostra, Rosso del 1987 (anch’essa esposta alla Mathildenhöhe di Darmastadt), i rapporti di luce/ombra s’intridono di sfumature aranciate: il fondamentale rapporto tra dato reale e dato percettivo si spinge talmente verso quest’ultimo, da spostare l’estroflessione oltre il bordo della quadratura dell’opera, che persino si stacca dalla parete mediante un asimmetrico controtelaio.

Già nel 1990, poi, la ricerca di Bonalumi cambia radicalmente. La stessa strategia compositiva si basa non più su “centine” di legno, perché l’artista comincia a utilizzare tondini metallici, con cui concretamente disegna, estroflettendo e introflettendo il piano limite della superficie, spesso debordando. Nell’opera Blu del 2000 (già esposta al Museo Marca di Catanzaro), quasi in un omaggio a Albers, il corpo del segno, che l’artista traccia nella superficie, distorce la percezione dei differenti quadrati concentrici dipinti di blu. In un’opera come Bianco del 2013, poi, attraverso la massima essenzialità, Bonalumi, pare realizzare quel luogo ineffabile che corrisponde al suo verso poetico “difficile cogliersi”.

Anche Biasi, tra il 1999 e il 2000, cambia tutto con gli Assemblaggi, opere composte da due o più tele, trattenute da una striscia dinamica verticale. In un’opera come Ecco del 2005 (già esposto alla Casa del Mantegna di Mantova), la stessa ricerca “dinamica” diviene parte di un sistema più grande, in cui l’artista pone la molteplicità come estrema soluzione al problema irrisolto dello spazio, posto da Fontana più di mezzo secolo prima.

La mostra è anche l’occasione per celebrare il lungo sodalizio della PoliArt Contemporary con i due artisti: negli anni sono state quattro le mostre dedicate a Biasi e due a Bonalumi.

Per il vernissage, la compositrice Paola Samoggia, in collaborazione con il danzatore Gabriele Vaccargiu, darà vita a una performance di danza contemporanea dedicata alle opere dei due artisti. Al finissage sarà presentato il volume della mostra in 120 esemplari numerati, che, oltre alle tavole delle opere, ai testi introduttivi di Leonardo Conti e uno scritto di Fabrizio Bonalumi, conterrà alcune immagini del vernissage.

 PoliArt Contemporary

Viale Gran Sasso 35 – 20131 Milano

02.70636109 – 388.6016501

www.galleriapoliart.com –

Orari: dal mercoledì al venerdì 11-13 e 15-18,

gli altri giorni su appuntamento.

Ufficio stampa: Spaini & Partners

a cura di Roberto Brunelli

Inaugurazione: sabato 4 novembre ore 18

Date: 04 novembre – 02 dicembre 2017  

….da un progetto di Roberto Brunelli,

Critico e Consulente d’Arte

A distanza di oltre 25 anni dall'uscita del nr. 158 della rivista Flash Art (ottobre/novembre 1990) dedicato allo "Speciale Arte Giovane", Roberto Brunelli ci conduce in un viaggio attraverso a quanto quegli artisti, oggi "mid-career", sono stati capaci di leggere nel passato e anticipando la futura crisi non solo economica, ma soprattutto di valori socio-morali che tante ripercussioni ha sulla società attuale. Riaffermando, così, quanto quegli artisti, oggi cinquantacinquenni, siano ancora pieni di energia e abbiano ancora molto da dire.

Elenco Artisti: Guido Bagini, Massimo Barzagli, Alessandro Bazan, Betty Bee, Francesco Bocchini, Walter Bortolossi, Luca Caccioni, Paolo Canevari, Monica Carocci, Sergio Cascavilla, Gennaro Castellano, Andrea Chiesi, Marco Cingolani, Cuoghi Corsello, Vanni Cuoghi, Nizzo De Curtis, Francesco De Grandi,  Santolo De Luca, Enrico Tommaso De Paris, Mario Dellavedova, Francesco Di Lernia, Fulvio Di Piazza, Daniele Galliano, Patrizia Giambi, Sergio Fermariello, Jonathan Guaitamacchi, Massimo Kaufmann, Gabriele Lamberti, Antonella Mazzoni, Simone Pellegrini, Luca Piovaccari, Pierluigi Pusole, Sergio Sarra, Remo Suprani, Stefano Tedioli, Marco Veronese, Velasco Vitali.

GIAMPIERO BIASUTTI Studio d’arte per il ‘900

Via della Rocca, 10 – 10122 Torino

Tel. e  Fax 011 83 90 690

Orario: dal martedì al sabato

ore 10,30-12,30 / 15,30-19,30

Durata: 23 settembre – 18 novembre 2017

Orario: da martedì a sabato 16 – 19

(altri orari su appuntamento)

La Galleria Melesi di Lecco presenta una mostra personale di Pino Deodato. Pittore e scultore attivo a Milano, Deodato espone un ciclo di opere recenti, fra dipinti e terrecotte, orchestrate nello spazio come installazioni e capitoli di un lungo racconto.

Autore dal mestiere antico e dalla vena narrativa, nutrita di ascendenze letterarie, citazioni dai grandi classici del Novecento, da Hesse a Calvino, Deodato dipana le avventure del suo personaggio ideale, un lettore vorace e inesausto, attraverso situazioni sospese in bilico fra realtà e immaginazione. La realtà è quella che affonda dentro la più antica aspirazione dell'uomo, di abbracciare un sapere universale, di giungere al nocciolo della conoscenza. L'immaginazione è invece il veicolo che consente di sollevare i piedi da terra per conquistare ciò che la ragione – da sola – non può ottenere.

Il risultato è un viaggio affascinante al di là dei nostri limiti e della contingenza, un decollo verso la dimensione dell'altrove, nel regno dei pensieri assoluti. Essi si prefigurano allora come bolle sospese nel vuoto, sopra la testa di ogni sognatore. Sono sfere magiche galleggianti nelle biblioteche affollate di libri e di scaffali che toccano il soffitto. Libri su libri, scolpiti o dipinti, sorgono dal pavimento verso l'alto come alberi della vita. Ma, intrecciandosi fra loro, costruiscono anche nidi, ripari, pensatoi imbottiti di pagine stampate.

I luoghi per pensare di Pino Deodato sono dunque rifugi di carta, oppure vecchi mobili, armadi e bauli senza fondo. Il lettore vi si nasconde per sfuggire alla pazza folla e cercare l'infinito nella polvere. Nell'immensamente piccolo c'è il grandissimo. Grazie alla lettura, al potere delle parole e del sapere, il cosmo non sembra più così lontano. L'universo si espande in un cassetto e pulsa ritmico intorno a noi.

Dal testo in catalogo di Chiara Gatti: «L'uomo che si addormenta con la testa fra le pagine di Pino Deodato è colui che spalanca l'intelletto a una dimensione superiore di consapevolezza, illuminata. Le sue piccolissime rappresentazioni sono gigantesche metafore della sapienza. Se, in pieno clima romantico, Il sonno della ragione di Francisco Goya generava mostri, cupe civette e misteriose creature luciferine, il sonno di Deodato è rivelatore e pacificante. Genera nella stanza sfere magiche di riflessioni in libertà. Pianeti domestici compiono il loro giro, la loro lenta evoluzione, in un universo feriale».

Accompagna la mostra un catalogo bilingue italiano e inglese edito da SabinaMelesiEdizioni a cura di Sabina Melesi e Chiara Gatti.

PINO DEODATO nasce a Nao, Vibo Valentia, nel 1950. Attualmente vive e lavora a Milano, dove arriva nel 1969. Qui frequenta l'Accademia di Brera ed entra in contatto con alcuni esponenti dell'arte milanese, diventando poi assistente di Giangiacomo Spadari. Successivamente conosce l'ambiente artistico francese: sono gli anni Settanta, tempi in cui la cultura cammina di pari passo con le vicende politiche e sociali. Attorno a questi contenuti Deodato sviluppa le sue creazioni artistiche che comincia a esporre in Italia e all'estero. Nei primi anni Ottanta lavora principalmente con la Galleria Gastaldelli di Milano. Dagli anni Novanta espone in molteplici spazi pubblici e privati. Negli ultimi vent’anni l'espressione artistica di Deodato è caratterizzata da un realismo magico che, trovando ispirazione nelle pieghe della sua memoria, dà origine a vere e proprie metafore della vita. Deodato, umanista e alchimista dell'immagine, sempre in transito tra scultura e pittura, narra la storia dell'uomo con uno sguardo severo e gentile, acuto e poetico, aperto al meraviglioso e al fantastico. 

Informazioni e richiesta di ulteriore materiale stampa:

GALLERIA MELESI

T +39 0341 360348 M +39 348 4538002

a cura di Alessandra Redaelli

Vernissage: SABATO 7 OTTOBRE 2017, ore 18 - 21
Periodo: 8 Ottobre –  18 Novembre 2017
Catalogo con testo critico di ALESSANDRA REDAELLI

A tre anni dalla sua prima mostra a Varese e in concomitanza con la mostra Canto dolente d’amore (l’ultimo giorno di Van Gogh) presso la Basilica Palladiana a Vicenza (a cura di Marco Goldin) nell’ambito della grande rassegna Van Gogh. Tra il grano e il cielo, MATTEO MASSAGRANDE torna alla galleria PUNTO SULL’ARTE a Varese – Casbeno, questa volta con una grande mostra personale, l’unica del 2017 in una galleria in Italia. (VERNISSAGE SABATO 7 OTTOBRE h 18-21).

Quindici dipinti, opere inedite realizzate appositamente dal Maestro Padovano nel corso dell’ultimo anno, saranno visibili a Varese fino al 18 Novembre.

Sostenitore di una pittura contemporanea che sappia fare tesoro, dentro di sé, della preziosa lezione del passato, l’artista padovano ci porta per mano, tavola dopo tavola, lungo un percorso fatto di silenzi e di suggestioni. Da Simone Martini alla grande stagione fiamminga, fino a Jackson Pollock, tutta la storia della pittura respira qui in sottofondo attraverso allusioni appena leggibili ma stranianti, fatte di scorci e di assonanze, di equilibri e di armonie cromatiche. Moderno rappresentante della grande tradizione veneta, Massagrande costruisce i suoi spazi per mezzo del colore e della luce, che diventano di volta in volta oggetto, stanza, prospettiva. Ma una prospettiva irreale, mai banale, multipla, ingannevole, terribilmente seducente, capace di ipnotizzarci fino a farci avere la sensazione di essere noi – qui e ora – dentro quelle stanze vuote, antiche, abbandonate; e che siano i nostri passi a risuonare nella penombra, il nostro gesto a imprimere una vibrazione all’aria.

MATTEO MASSAGRANDE: Nasce a Padova nel 1959. È uno dei maggiori rappresentanti della nuova figurazione italiana. È pittore e incisore, un profondo conoscitore della storia dell’arte antica e contemporanea. Si interessa allo studio di antiche tecniche di pittura, di incisione e all’arte del restauro. La sua pittura viene definita realismo filosofico. Inizia a esporre nel 1973.
Dal 1985 sono numerose le mostre personali in musei e sedi pubbliche in Italia e nel mondo, tra le più recenti si ricordano: l’importante mostra Massagrande, dalle voci di una conchiglia, al Museo al Santo di Padova e al Museo Le Carceri di Asiago a cura di Alberto Buffetto Arte (2006); Massagrande. Scene d’Ungheria in occasione della mostra dedicata agli impressionisti europei dal titolo L’età di Courbet e Monet (2009-2010); Attorno a Vermeer a Palazzo Fava a Bologna nell’ambito della straordinaria rassegna europea di capolavori Da Vermeer a Rembrandt (2014); la mostra al Museo Civico di Palazzo Chiericati a Vicenza come pittore contemporaneo nell’ambito della grande rassegna internazionale dedicata alla notte Tutankhamon Caravaggio Van Gogh (2014-2015) – rassegne a cura di Marco Goldin; la personale presso la Kovacs Gabor Art Foundation a Budapest in Ungheria (2016); Quattro pittori per Parise presso il Museo di Santa Caterina a Treviso in occasione della grande mostra Storia dell’Impressionismo (2016-2017) e Canto dolente d’amore (l’ultimo giorno di Van Gogh). Sette quadri per un monologo teatrale di Marco Goldin presso la Basilica Palladiana a Vicenza nell’ambito della grande mostra Van Gogh. Tra il grano e il cielo (2017-2018).
Parallelamente a quella pittorica sviluppa l’attività grafica iniziata già nel 1974, scandita da numerose esposizioni in tutto il mondo, tra cui la recente mostra Flying Dreams a cura di Stamperia d’Arte Albicocco all’Istituto Italiano di Cultura di Melbourne e di Sydney (2017). Recentemente alcune sue incisioni sono entrate a far parte del Gabinetto delle Stampe degli Uffizi di Firenze. Negli ultimi anni ha tenuto mostre personali sia di pittura che di grafica a Barcellona, Madrid, Londra, Budapest, Lubiana, New York, San Francisco, Beirut, Taiwan, Melbourne, Seoul, Hong Kong.
Nel dicembre 2011 il New York Times gli dedica l’apertura dello speciale Arte ed è presente alla 54ma Biennale Internazionale d’Arte di Venezia presso il Padiglione Italia a cura di Vittorio Sgarbi. Su richiesta della Pontificia Basilica del Santo di Padova ha eseguito il dipinto Maria, Madre dei Giovani per il Sermig Arsenale della Pace di Torino. Su incarico dell’Ente Nazionale Francesco Petrarca ha eseguito il Ritratto di Laura. Nel 2015 ha eseguito il ritratto ufficiale del Patriarca di Gerusalemme.
Tra i maggiori intellettuali e critici che hanno scritto sulla sua opera si ricordano: Paolo Crepet, Peter Fertöszögi, Marco Goldin, Bruce Helander, Milena Milani, Roderick Conway Morris, Ermanno Olmi, Enzo Siciliano,  Edward Lucie-Smith, Mario Rigoni Stern, Anna Szinyei Merse, Dr. Pedro Tseng.
Le sue opere sono ospitate in numerosi musei, chiese, collezioni pubbliche e private in tutto il mondo.
Vive a Padova e divide la sua attività tra lo studio a Padova e quello di Hajòs (Ungheria).
È pittore del tempo e della luce. Ama la pittura come pochi altri, la coltiva come si coltiva una lingua antica, che non muore mai.

PUNTO SULL’ARTE
Viale Sant’Antonio 59/61, Varese
0332 320990 I
Martedì - Sabato: h 10-13 e 15-19
Tutte le domeniche: h 15-19

Inaugurazione: mercoledì 27 settembre, ore 18.30

28 settembre - 15 novembre 2017

Ruth Ann Fredenthal (Detroit), Winston Roeth (Chicago, 1945) Phil Sims (Richmond, 1940) tre dei più importanti e affascinanti esponenti dell’arte colorista americana sono i protagonisti della prossima mostra della Osart Gallery di Milano dal titolo Color as Attitude.

La collettiva, a cura di Alberto Zanchetta, in programma dal 28 settembre al 15 novembre 2017, attraverso una accurata selezione di nove opere - sia storiche che recenti - si propone di valorizzare il percorso pittorico di ciascun artista.

Il colore è certamente il fil rouge che lega i tre artisti che solo a prima vista sembrano dipingere quadri monocromatici. Si tratta di opere caratterizzate da un’espressione contemporanea radicale, che li separa dalla produzione minimalista e monocromatica e dall’intellettualismo freddo dei concettuali. Ciò che più gli interessa è la tecnica e l’impressione che suscitano sullo spettatore. La superficie dipinta sembra sparire e aprire la visione di uno spazio indefinito grazie alle numerose velature.

Nelle opere di Ruth Ann Fredenthal, ad esempio vengono utilizzati tre o quattro colori distribuiti in diverse parti del supporto pittorico. La superficie è animata da lievi variazioni di colore e linee ondulate, quasi impercettibili a occhio nudo.

La sua ricerca delle micro-tonalità di colore puro, e la loro sottile quanto complicata relazione, da sempre rappresentano un tema centrale della sua produzione.

La tecnica che utilizza è molto scientifica: comincia dalla scelta del formato, il quadrato e da quella del lino, un lino di provenienza belga solitamente usato dai restauratori per foderare le opere antiche, fino ad arrivare alla stesura del colore.

Il risultato finale è strabiliante. La superficie dipinta, data dai molteplici strati di colore sembra sparire e aprire la visione ad uno spazio indefinito come afferma Giuseppe Panza in Ricordi di un collezionista, uno dei primi estimatori della pittura di Ruth Ann Fredenthal.

Così la tecnica pittorica di Phil Sims prevede la stesura di vari strati di pittura, solitamente tra i quaranta e i sessanta, fino a coprire l'intera superficie della tela con pennellate orizzontali e verticali.

Una qualità della tecnica di stesura di Phil Sims è che, strato dopo strato, il colore assume e sprigiona una luminosità unica. Grazie all'innata sensibilità e alla sua tecnica accurata, il risultato finale è strabiliante: il colore finale si crea dal sommarsi delle varie pennellate, filtrando fino alla superficie.

Winston Roeth dipinge pannelli monocromatici o bi-colore spesso combinati a formare un’unica installazione. Lavorando con il pigmento grezzo e con la tempera, crea dense superfici opache, talvolta dipingendo il contorno con un colore contrastante.

Roeth gioca con diverse combinazioni di linee per esplorare i loro effetti sulla percezione umana.

La fenomenologia del colore, della luce e dello spazio rappresenta un tema centrale della pratica pittorica di Roeth.

Dopo anni di esplorazione sulla luce e sul colore, arriva a sviluppare una tecnica precisa. Usando un pennello stende il pigmento puro, strato dopo strato, mischiandolo ad acqua e ad un'emulsione di poliuretano, finché l'intera superficie della tela non è stata ricoperta. Tutti i suoi sforzi sono incentrati nel tentativo di trovare la giusta saturazione del colore, in modo tale che dai pigmenti scaturisca luce pura.

Ruth Ann Fredenthal. Note biografiche

Ruth Ann Fredenthal nasce a Detroit, nel Michigan.

Figlia di artisti, da piccola disegna e dipinge animali, talvolta in forma astratta, e decide di essere una pittrice all’età di tre anni.

La sua educazione artistica ha breve parentesi presso l’Istituto del Museo di Filadelfia e la Scuola estiva di Yale Norfolk, ma la sua vera formazione si compie al Bennington College, sotto l’egida di Paul Feeley, che considera l’unico artista vivente ad averla influenzata.

Dopo la laurea al Bennington College, vince la prestigiosa borsa di studio Fulbright per la pittura e si reca a Firenze, dove rimane per un anno. Successivamente ritorna a New York. 

Decisa a continuare la grande tradizione della pittura a olio, l’artista utilizza tutte le tecniche legate a questa disciplina pittorica.

Attualmente vive e lavora a New York.

Winston Roeth. Note biografiche

Winston Roeth nasce nel 1945 a Chicago.

Ha studiato presso le Università dell’Illinois e del New Mexico, quindi al Royal College of Art di Londra.

La produzione dell’artista risale agli anni Sessanta e parte da un’indagine della percezione del colore. Nell’arco di dieci anni ha allestito numerose mostre personali alla Stark Gallery New York, altre sono state inaugurate nelle città di Basilea, Londra, Amburgo, Gōteborg, Sydney, Palma di Maiorca, Francoforte, Santa Fe.

Numerose sono le sue collaborazioni a installazioni coreografiche e teatrali. Ha inoltre svolto attività didattica sia a Chicago sia a New York.

Vive e lavora a Beacon, in USA.

Phil Sims. Note biografiche

Phil Sims nasce nel 1940 a Richmond, in California.

Prima di dedicarsi alla pittura, Sims svolge il mestiere di vasaio e realizza opere in ceramica.

Negli anni '60 si iscrive al San Francisco Art Institute. Oggi, è considerato uno dei più grandi pittori coloristi a livello internazionale.

All'inizio della sua formazione artistica, studia l'uso che gli artisti dell'Espressionismo Astratto fanno del colore, mantenendo sempre uno sguardo alla pittura Europea più.

La sua carriera artistica è inizialmente legata al gruppo dei Radical Painters. Tuttavia, nel 1984, dopo la mostra curata da Thomas Krens al Williams College Museum of Art in Massachusetts, il gruppo decide di sciogliersi e ogni artista segue un percorso di ricerca artistica più autonomo e personale.

Oggi, Sims vive e lavora negli Stati Uniti, ma espone spesso in Europa, sia in spazi pubblici che in gallerie private.

Accompagna la mostra un catalogo bilingue con un testo critico a cura di Alberto Zanchetta.

Osart Gallery

Corso Plebisciti 12, Milano

Orari: da martedì a sabato, 10.00 - 13.00; 14.30 - 19.00

Ingresso libero

Informazioni: T. 02.5513826; ; www.osartgallery.com

www.facebook.com/osartgallery; www.instagram.com/osart_gallery

Ufficio stampa

CLP Relazioni Pubbliche

Marco Olianas, tel. 02 36 755 700

; www.clponline.it

Comunicato stampa e immagini su

www.clponline.it

Dal 5 ottobre al 4 novembre 2017

La Galleria Biasutti & Biasutti ospita nelle sue sale una mostra dedicata a Piero Ruggeri (1930-2009), pittore piemontese, che, dopo gli studi all'Accademia Albertina di Torino, insieme a Giacomo Soffiantino e Sergio Saroni, diede vita alla pittura Informale, prerogativa in Europa e negli Stati Uniti di De Staël, Bacon, De Kooning e Kline, ma anche di Wols, Appel e Jorn.

Un "Informale naturalistico"mai tradito o meglio, come sottolinea Angelo Mistrangelo nel testo che accompagna la mostra, "un naturalismo reinterpretato, riconsiderato, ridefinito con un segno vigoroso, potente, incisivo". E sono questi segni, che increspano la materia, ad essere i veri protagonisti delle tele esposte. Un gruppo di opere che va dal 1958 al 2002. Aprono la rassegna "Natura morta" (1958/59) e "Figura nel paesaggio" (1959), nelle quali appare già intenso il rapporto con la Natura, qui emergono le prime presenze, esili e misteriose, che troviamo nuovamente nelle opere degli anni Sessanta, come "Anna 2" (1962). La pittura si fa immediata, concitata, nella serie dei Roveti, dipinti dalla struttura complessa, che descrivono alcuni luoghi intorno a Battagliotti o nelle vicinanze della casa dell'artista: uno dei lavori che ben rappresenta questo periodo è "Iridescenze 2" (1975), definito da Mistrangelo come "un alternarsi di tessere di un frammentario mosaico", unitamente ad un'esplosione di colore nella vastità della tela. A partire dalla seconda metà degli anni Ottanta, la serie dei monocromi, rende protagoniste la qualità, l'intensità e le nervature del colore: "Senza titolo" (1988) e "Contamine" (1988); anche i titoli delle opere successive, ben rimarcano il riferimento cromatico, definito e costruito primariamente dall'artista, un desiderio di immergersi, quasi di annullarsi nello spazio pittorico: materia, luce e striature solcano "Luce rossa" (1990), "Rosso, rosso" (1991) e "Paesaggio nero" (1995). Grumi di materia, increspature, infiniti segni caratterizzano "La frana du lac" (2000) e "La pundrà" (2002), che cronologicamente chiudono l'esposizione.

a cura di Matteo Galbiati

18 ottobre - 23 dicembre 2017

Inaugurazione Mercoledì 18 ottobre, ore 19.00

La galleria Dep Art di Milano apre la stagione espositiva con una mostra monografica dedicata a Salvo (nome d’arte di Salvatore Mangione; Leonforte (En) 1947 – Torino, 2015). “Salvo. Un’arte senza compromessi”, terza personale che la galleria dedica all’artista, presenta dal 18 ottobre al 23 dicembre 2017 un viaggio vivace e peculiare nelle diverse stagioni creative che lo hanno impegnato nel corso dei decenni.

Dalle “lapidi” degli anni Settanta ai “paesaggi” dell’ultima produzione, passando per i ricami e alcune carte, le opere riunite per questa occasione ripercorrono un ampio arco temporale, dal 1972 al 2012, e riassumono quarant’anni di ricerca artistica attraverso i lavori più intensi e significativi.

Le trenta opere esposte, tra cui l’imponente Alba di 200x250 cm del 1989 – tra le tele più grandi da lui realizzate –, appaiono nello spazio espositivo come tracce attraverso le quali ricostruire la storia di un uomo che si è sempre sentito libero di apparentarsi a movimenti e ideologie senza mai affiliarsi in modo esclusivo a nessuno, senza compromessi.

Il percorso ha inizio proprio negli anni in cui Salvo compie un cambio di passo: i lavori del ’72-’73 – le lapidi come La tartaruga e l'aquila, ispirata a una parabola di Esopo, e i ricami come Tricolore, visibili in mostra – saranno infatti gli ultimi di matrice concettuale e lasceranno spazio a una pittura colma di riferimenti alla storia dell’arte (Salvo era celebre per la sua memoria portentosa e il suo sapere enciclopedico).

Il suo percorso eclettico – dagli esordi nel contesto dell’Arte Povera, passando per il concettualismo di ispirazione americana, per giungere, infine, al ritorno alla figura e al paesaggio – non è stato altro che una lunga e appassionata dichiarazione d’amore per l’arte e per la pittura in particolare: “Sono stato letteralmente conquistato dalla pittura: è qualcosa che mi dà spazio, che mi apre le conoscenze, le idee”, aveva avuto modo di dire lo stesso artista.

La sua ricerca spazia con coerente disinvoltura attraverso differenti orizzonti immaginativi che hanno sempre saputo, però, inscriversi nel proprio tempo, rischiarandone con il vigore della loro luce autonoma, la storia e il pensiero: Salvo resta infatti un esempio iconico di artista intellettuale che nel suo lungo percorso creativo non ha mai trascurato il continuo ritorno alla memoria, come sedimentazione, eppure è anche riuscito a concedersi il lusso dell’equilibrio e dell’essenziale.

La mostra è accompagnata da un volume bilingue (italiano-inglese) realizzato da Dep Art, a cura di Matteo Galbiati e Antonio Addamiano, contenente un testo del curatore, la riproduzione di tutte le opere esposte, una selezione di immagini di repertorio e apparati bio-bibliografici.

Galleria Dep Art

Via Comelico 40 - 20135 Milano

Orari: martedì - sabato, 10.30-19.00

Ufficio Stampa: NORA Comunicazione

Eleonora Caracciolo di Torchiarolo

tel. +39 339 8959372

 - www.noracomunicazione.it

Fino al 30 ottobre 2017

La magnifica ossessione che si impadronì di Claude Monet, a partire dal 1897 fino al 1926, orientandolo a dipingere un unico soggetto, ovvero le ninfee, ha colpito ancora. 
Per Giovanni Frangi come per Monet saranno propio quelle ninfee a rivelarsi, alla fine, un mezzo che trascende la realtà per creare qualcosa di inedito, sovratemporale e intangibile.

Giovanni Frangi torna con Urpflanze ad esporre presso la Galleria Antonella Cattani contemporary art, dopo la mostra Ring-A-Ring- O' Roses del 2010, con una serie di opere inedite, dedicate per l'appunto al tema delle Ninfee. 
In un dialogo aperto con l'arte del passato, giocando all'attualizzazione di linguaggi già pienamente metabolizzati, Frangi affronta, per la prima volta nel 2015 questo tema con due grandi disegni su tela, realizzati per la mostra inaugurale della nuova ala dell'Orto Botanico della città di Padova. Questo stesso soggetto, comparirà nuovamente nel 2016, nella mostra Settembre a Roma, Palazzo Poli, Istituto centrale della Grafica e, all' inizio di quest'anno, nella personale dell'artista a Palazzo Fabroni di Pistoia in occasione dell'anno della cultura della città toscana.

" I quadri si richiamano uno con l'altro e insieme costruiscono una storia e le variabili sembrano sempre infinite" afferma Frangi che, per la personale da Antonella Cattani, ha scelto di dare centralità assoluta a questo tema. 
Il titolo della mostra Urpflanze ovvero pianta primordiale, definizione goethiana per indicare l'archetipo vivente del mondo vegetale, trova contemporaneamente riscontro nella più ampia ricerca dell'artista, da sempre orientata ad indagare la natura. 
Le forme, suggerite dalle ninfee, nascono dunque da una pratica pittorica che ha raggiunto gradualmente una percezione originale del dato naturale come insieme di aperture verso l'astrazione e particolari visioni tonali. 
Trattate a chiazze di colore intenso, corredate di una congerie di tratti, di linee scattanti esse vitalizzano la superficie, la sensibilizzano come una zona erogena fino a rendere le composizioni ad un tempo stesso aggressive ed armoniose. In questo caso la natura agisce come una sorta di punto gravitazionale che trattiene la figurazione dentro un movimento continuo di dissoluzione e ricerca della forma.

L'allestimento delle dodici tele, prevalentemente di grande dimensione, segue le linee di un giardino contemporaneo; all'attuazione di un'atmosfera, pianificata su contrasti cromatici, contribuisce la scelta di impiegare quale supporto una tela, nero-velluto, che conferisce al percorso inaspettate profondità.

Giovanni Frangi nasce nel 1959 a Milano, dove vive e lavora. 
Nel 1982 si diploma all’Accademia di Brera. Del 1983 è la sua prima personale alla Galleria La Bussola di Torino seguita, nel 1986, dalla mostra alla Galleria Bergamini di Milano, introdotta in catalogo da Achille Bonito Oliva. 
Tra il 1989 e il 2008 il lavoro di Giovanni Frangi viene presentato in un contesto internazionale a partire dalla Galerie du Banneret, Berna. Contemporaneamente, sul territorio nazionale, si svolgono esposizioni di rilievo presso spazi pubblici e privati ; si segnalano La fuga di Renzo,1991 Camera dei Deputati in Montecitorio, Roma | ll giorno e la notte, 1998 Compagnia del Disegno, Milano I Il richiamo della foresta, 1999 Palazzo delle Stelline, Milano I Nobu at Elba, 2004 Villa Panza di Biumo, Varese | MT2425, 2008 Ex Oratorio di San Lupo, Bergamo. 
La Galleria Antonella Cattani contemporary art presenta la sua prima personale nel 1991 alla quale faranno poi seguito - 1998, Sognando l'Africa - 2005 Ti ci porto - 2010 Ring-a-ring-O'Roses - 2013 Pasadena.
Tra le mostre personali e partecipazioni più recenti si segnalano: 2010- Giardini Pubblici, MART, Rovereto | 2011- 54. Esposizione Internazionale d’Arte, Biennale di Venezia, Padiglione Italia. | 2011- Straziante, meravigliosa bellezza del creato, Villa Manin, Passariano di Codroipo | La règle du jeu. Atto secondo. Museo Diocesano, Milano | 2012- Il Rosso e il Nero, Galerie du Nord, Parlamento Europeo di Strasburgo | 2013- Sherazade, Museo Nazionale di San Matteo, Pisa | 2014- Alles ist Blatt, Orto Botanico, Università di Padova, Padova | Mollate le vele. uno stendardo per Jonas, MAXXI, Roma |2015- Museo Archeologico Nazionale di Napoli | 2016- Usodimare, CAMEC, La Spezia | Giovanni Frangi, settembre, Istituto Centrale per la grafica, Palazzo Poli, Roma.

Inaugurazione

giovedì 21 Settembre, ore 18

 21 Settembre | 10 Novembre 2017

a cura di Elisabetta Longari

NUOVA GALLERIA MORONE 

Via Nerino 3 | Milano

www.nuovagalleriamorone.com

La Nuova Galleria Morone è lieta di presentare Collezionista di Echi, mostra personale di José Barrias, a cura di Elisabetta Longari.

Il titolo dal carattere fortemente evocativo è estrapolato da uno scritto dello stesso Barrias che utilizza questa locuzione proprio per definire sé stesso, Il testo in questione sarà pubblicato nel catalogo che accompagnerà l’esposizione. La mostra stessa si configura come un’installazione in certo modo globale ed unica, costituita da opere che rappresentano una specie di eco visivo e concettuale le une delle altre. “Piccolo mondo”, opera del 1995 rivista oggi in modo da risultare uguale ma diversa dalla prima redazione, si riflette, per echi, sulla parete di fronte, in un lavoro che in certo modo sembra essere la proiezione della sua stessa ombra, o meglio, un derivato delle sue parti mancanti che qui trovano corpo e articolazione; le due opere si completano a vicenda. Questo elemento trova riscontro, o meglio si specchia nella forma di bronzo dorato, polita e brancusiana, che occupa la parte opposta della galleria“. Così Elisabetta Longari sottolinea nel testo quanto lo spazio espositivo sia organizzato dall’artista secondo un montaggio serrato e ricco di richiami. Le due opere appena descritte, di più ampie dimensioni rispetto alle altre in mostra, erano presenti alle mostre nel Centro de arte moderna della Fondazione Calouste Gulbenkian a Lisbona (1996) e nel Porto Serralves Museum (2011).

“Un altro elemento ricorrente oltre all’uovo è l’occhio che, aperto e chiuso, evoca il regime diurno e quello notturno delle immagini. L'organo della visione, particolarmente celebrato, in ambito surrealista, soprattutto se chiuso e rivolto alle profondità dell'inconscio, è uno dei suoi oggetti preferiti. Si tratta del occhio selvaggio, capace di immergersi nell'ombra e creare nuove immagini che hanno sapore antico, ancestrale.

Lo sguardo di Barrias sa organizzare lo spazio dell'opera come uno detonatore che fa brillare una esplosione di meraviglia a catena.”

L’artista è nato a Lisbona nel 1944. Ha frequentato la Scuola di Belle Arti di Oporto. Nel 1967-68 ha vissuto a Parigi e dal 1968 vive e lavora tra Milano e il Portogallo. La produzione dell’artista si organizza secondo grandi cicli tematici posti in relazione tra loro come pagine di un libro. Le sue istallazioni parlano linguaggi diversi accostando una varietà di mezzi, come la pittura, il disegno, la scultura, oggetti trovati, la fotografia, il testo scritto e il cinema. Nonostante questa varietà, la maggior parte delle sue opere è connessa ad un punto di partenza comune, solitamente un testo, una storia o un evento della vita dell’Artista o questioni relative al patrimonio e la memoria, dando alla scrittura un valore visivo e viceversa. Ha partecipato alla Biennale di Parigi nel 1980 ed alla Biennale di Venezia nel 1984 rappresentando il Portogallo.

A cura di Lorand Hegyi e Angela Madesani

Inaugurazione giovedì 21 settembre

dalle 18.30 alle 21.00

Dal 22 settembre al 20 dicembre 2017 

Galleria Fumagalli presenta DYSTOPIA, la prima personale della coppia di artisti francesi Anne e Patrick Poirier, nel suo spazio espositivo di Via Bonaventura Cavalieri 6 a Milano. La mostra è accompagnata da una monografia che documenta i cinquant’anni di pratica artistica della coppia, pubblicata dalle Éditions Flammarion col sostegno della Maison Européenne de la Photographie, della Galerie Mitterand e della Galleria Fumagalli.

Dal 1967 Anne e Patrick Poirier lavorano in coppia come artisti viaggiatori, agrimensori di siti e scopritori di civiltà arcaiche, religioni e culture. Abbracciando con un approccio artistico le scienze umane e sulla scia degli insegnamenti di Claude Lévi-Strauss, durante le loro esplorazioni raccolgono materiali d’archivio utili alla comprensione dell’organizzazione e della scomparsa di società antiche. La loro pratica artistica segue alcune costanti ispiratrici, architettura, archeologia, mitologia, psicologia, anatomia, antropologia, metafore e strumenti per indagare un mondo spazio-temporale fisicamente percepibile e i suoi rapporti con l’inconscio. Eterogeneo nel risultato formale, l’intero corpo di opere di Anne e Patrick Poirier comprende plastici, sculture e installazioni ambientali, fotografie, lavori su carta, dipinti e altri frammenti visivi che parlano della fragilità della vita.

Per la mostra DYSTOPIA Anne e Patrick Poirier hanno lavorato alla produzione di opere inedite, in continuazione con la ricerca svolta negli ultimi anni sui siti dell’antica Mesopotamia (odierni Iraq e Siria) e come summa di una metodologia di lavoro condiviso e sempre in movimento. Il titolo della mostra fa esplicito riferimento al termine distopia, coniato a fine ‘800 come antitetico in negativo di utopia: una società fittizia nella quale alcune tendenze sociali, politiche e tecnologiche avvertite nel presente sono portate agli estremi mettendo in evidenza gli aspetti negativi e distorsivi. In maniera analoga, utilizzando il passato e il presente come materia per la costruzione di una rappresentazione estetica di suggestioni future, l’opera dei Poirier crea modelli inventati, incarnazioni di forme di civiltà immaginabili ma artificiali. Ogni forma, ogni frazione, ogni frammento architettonico o visivo, si lega a eventi storici e nozioni immaginarie, invitando l’osservatore a non percepire più la Storia come un’entità separata dall’esistenza ma a vivere e interiorizzare il presente in un ambiente storico più ampio.

A dare il titolo alla mostra le due torri nere, Dystopia I e Dystopia II (2017), accolgono il visitatore in una dimensione altra, sospesa tra le coordinate storico-temporali e geografiche. Città del futuro frutto di un progetto umano abortito, le due torri sono il contrario dell’immagine di una civiltà ideale, una proiezione distopica del nostro tempo. Janus (2017) e The World (2017), le due sculture che ritraggono le mezze teste comunicanti degli artisti, realizzate in resina nera e foglia d’oro, sono evidenza della simbiosi di Anne & Patrick Poirier, dell’abbandono dei loro rispettivi ego e della condivisione totale di idee e sensibilità, nel lavoro come nella vita. Al centro della mostra, il tappeto Hatra (2015/2016) rappresenta un’antica città in rovine nella regione irachena della Jazira, fotografata prima dei recenti conflitti che l'hanno parzialmente distrutta. L'immagine della città catturata dai satelliti di Google Earth e ora tradotta con la tradizionale tecnica di tessitura in lana, seta e fibre di bambù, genera un anacronismo tecnico che accentua il senso di alienazione contemporaneo. Se da un lato il mezzo scultoreo viene privilegiato nella rappresentazione delle rovine, o di ciò che resta di civiltà distrutte reali o immaginarie, la fotografia è invece testimonianza dell’effimero e volutamente pone l'accento sulla fragilità e la vanità delle cose. La serie Archives (2013), cibachrome di grande formato, ritrae nature morte composte pazientemente dagli artisti accumulando oggetti diversi come bicchieri rotti, bucce, foto strappate, vegetali in decomposizione, fiori che finiranno inevitabilmente per avvizzire. Il supporto cartaceo - storicamente deputato alla scrittura e quindi alla trasmissione durevole delle informazioni - viene utilizzato in Ouranopolis (1995), rappresentazione di una pratica d’impressione dei luoghi caratteristica del lavoro dei Poirier. Si tratta di una sorta di diario al microscopio nel quale scrittura e immagine documentano il passare dei giorni. In mostra anche i neon Utopia (2017) e Dystopia (2017), e tre frammenti di occhi che evocano temi caratteristici del lavoro degli artisti: Storia, Oblio e Fragilità (2007/2017). 

In risposta a una società ossessionata dal presente e dalla sua ininterrotta partecipazione mediatica e virtuale, Anne e Patrick Poirier ci invitano in un ambiente sospeso, privo di riferimenti temporali e spaziali definiti. Ci fanno vacillare tra la memoria di antiche civiltà e l’invenzione di un mondo futuro, stimolando la nostra immaginazione e il progetto di una nuova utopia o distopia…

Anne e Patrick Poirier hanno studiato all'École des Arts Décoratifs di Parigi e partecipato alla residenza di Villa Medici a Roma dal 1969 al 1971. Numerose le mostre internazionali alle quali han preso parte: la Biennale di Venezia (1976, 1980 e 1984), documenta VI di Kassel (1977) e la Biennale di Lione (2000). Il loro lavoro è stato esposto in alcune delle più prestigiose istituzioni, come il Neuer Berliner Kunstverein a Berlino (1977), il Centre Georges Pompidou a Parigi (1978), il MoMA a New York (1979) e The Getty Research Institute di Los Angeles (2001). Più recentemente, il loro lavoro è stato esposto alla Couvent de la Tourette (2013), al Musée des Beaux-Arts de Nantes (2014), al Musée d'Art Moderne et contemporain de Saint-Etienne (2016) e al Skulpturenpark Waldfrieden (Fondazione Tony Cragg) (2016). Nel mese di settembre 2017, oltre alla mostra DYSTOPIA alla Galleria Fumagalli di Milano, inaugurano loro esposizioni personali alla Galerie Mitterand di Parigi (8 settembre - 31 ottobre, 2017) e alla Maison Européenne de la Photographie di Parigi (6 settembre - 29 ottobre, 2017).

vernissage mercoledì 20 settembre, 18.30 – 21.30

date 20 settembre – 28 ottobre 2017

location Via Ausonio 1A, Milano

a cura di Giuseppe Pizzuto

testo critico di Nicolas Ballario

Wunderkammern inizia la nuova stagione artistica nella sede milanese con la mostra Rules of Engagement degli artisti Mark Jenkins e Rero.

Mark Jenkins (USA, 1970) è famoso per le sue sculture iperrealistiche di persone, animali e oggetti inserite nello spazio urbano. Dal momento in cui vengono “consegnati” alla strada, i lavori cominciano il breve ciclo vitale che li porterà alla deteriorazione o alla sparizione. Le sculture assumono posizioni o creano situazioni emblematiche e surreali, trasformando lo spazio pubblico e inducendo i passanti a divenire veri e propri attori, parte dell’opera stessa. Al di là delle reazioni di paura, indifferenza, confusione e divertimento che possono essere innescate dalle installazioni, l’arte di Mark Jenkins offre un’insolita opportunità di riflessione su temi sociali e politici, oltre che su noi stessi e sul nostro comportamento all’interno della società. Il suo lavoro è stato esposto da New York a Barcellona, da Tokyo a Mosca; l’artista ha collaborato con Greenpeace nel 2008 e ha partecipato ad importanti eventi pubblici quali la Nuit Blanche di Parigi e il Glastonbury Festival, entrambi nel 2014.

Il lavoro di Rero (Francia, 1983) si situa a metà tra l’arte urbana e l’arte concettuale, ed è basato sul linguaggio. Influenzato dalla sociologia e dalla filosofia, l’artista esplicita il suo messaggio attraverso frasi o parole barrate da una spessa linea nera. Proprio la linea definisce la ricerca di Rero sulla negazione dell’immagine e sull’autocensura; agisce come una contraddizione e moltiplica le possibili interpretazioni del messaggio da parte dell’osservatore. I suoi interventi site specific, siano essi realizzati in spazi urbani abbandonati o in paesaggi naturali e selvaggi, sottendono una forte interazione col contesto. Le sue opere di fine art esplorano il concetto di riappropriazione attraverso l’uso di materiali, supporti ed oggetti originariamente destinati ad altro. Rero ha esposto in importanti gallerie ed istituzioni, tra queste ultime la Fondation Vasarely (Aix-en-Provence, 2014), il Centre Pompidou (Parigi, 2013), il Grand Palais (Parigi, 2013) e il Musée de la Poste (Parigi, 2012).

Mark Jenkins e Rero ritornano a Wunderkammern alcuni anni dopo le loro mostre personali a Roma, rispettivamente Living Layers e Supervised Independence. A Milano, i due artisti presentano l’evoluzione della loro ricerca artistica in relazione al tema: Rules of Engagement. Le regole di ingaggio sono direttive emanate da un’autorità militare che specificano le circostanze, le condizioni e i limiti sotto i quali le forze possono combattere col nemico. Allo stesso tempo, l’engagement (in italiano “fidanzamento”) è anche l’accordo formale a sposarsi. E’ una parola che riunisce gli estremi delle emozioni, odio e amore. Da un lato, è un processo che legittima e autorizza la violenza e l’atto di uccidere. Dall’altro lato, valida e ufficializza una relazione esistente basata sul più puro dei sentimenti. A partire da questi concetti, gli artisti esplorano i meccanismi della formalizzazione delle emozioni nella nostra cultura contemporanea. In mostra saranno presentati una serie di lavori a tecnica mista ed alcune installazioni sviluppate a quattro mani dai due artisti.

Cultural Partners: Institut français Italia, Institut français Milano, IED – Istituto Europeo di Design

Main Partner: Rolling Stone

Media Partners:

ArtsLife, FACE Magazine, The ART Post Blog

Technical Partners:

Casale del Giglio, different.photography

WUNDERKAMMERN

Via Ausonio 1A, Milano - +39 0284078959

(M2 e Autobus 94 fermata Sant’Ambrogio)

www.wunderkammern.net

ingresso libero

orari di apertura: martedì - sabato dalle 11 alle 19

Inaugurazione giovedì 21 settembre ore 19.00

Dal 21 settembre al 4 novembre 2017

La galleria Giovanni Bonelli è lieta di inaugurare la nuova stagione espositiva con la seconda personale nei propri spazi dell’artista Giuseppe Gonella. 

In mostra una quindicina di opere dense di un’atmosfera sospesa, tipica dei lavori dell’artista, che spiega: “Mi interessa quel momento in cui tutto è ancora possibile. Dove anche il più piccolo spazio può divenire fertile all'epifania di un evento o di un sacrificio, o-letteralmente- alla distruzione.”

Le tele presentate sono come “allegorie irrisolte in movimento”, sono esplorazioni che Gonella compie, complice il colore delle pennellate rapide e decise, entro quello spazio immaginifico composto da ricordi, apparizioni, suggestioni personali ma anche improvvise intuizioni.

Nella serie “Under the skin of the sea” si intuiscono tuffi (o battesimi), immersioni e vortici bianchi che avvolgono la visione. L’acqua è protagonista come simbolo di evoluzione potenziale, elemento che porta una “nuova vita” e che apre a nuove prospettive. 

Protagonista è l’uomo, inteso come essere umano che può trovarsi nella condizione di scegliere come affrontare il presente, i ricordi, le emozioni e, soprattutto, scegliere quali elementi “conservare”, quali abbandonare all’interno della personale geografia generata da esperienza e sogni. In questa chiave di lettura i dipinti di Gonella si offrono al pubblico come opportunità, inviti all’immedesimazione secondo le personali e uniche caratteristiche di ognuno.

Giuseppe Gonella (Motta di Livenza (TV) 1984 - vive e lavora a Berlino). 

Principali mostre personali: Dittico, MAC Museo Arte contemporanea, Lissone, IT (2017); Walking Home, Magic Beans Gallery, Berlino (D); Mente Locale, L’atlante/Der Blitz, MAG Galleria Civica G. Segantini, Arco, IT (2014); De aeterno reditu, Egbert Baquè Contemporary Art, Berlin, DE (2014);
Involved, Galleria Giovanni Bonelli, Milan, IT (2013). Tra le principali mostre collettive ricordiamo la partecipazione a: Praestigium/ Imago mundi, Fondazione Sandretto Re Rebaudengo, Turin, IT (2015); Map of New Art/ Imago mundi, Luciano Benetton Collection, Fondazione Giorgio Cini, Venice, IT (2015); Intersections, Egbert Baquè Contemporary Art, Berlin, DE (2015).Nel 2014 ha partecipato al XV. Premio Cairo, Palazzo della Permanente, Milan, (IT); alla Biennale d’Arte Giovani, MAM Contemporary and modern Art, Gazzoldo degli Ippoliti, (IT); Liberi tutti/ Autori in transito, Galleria Giovanni Bonelli, Pietrasanta, IT. (S)innehalten. Sense(s), L’espace de l’espace HB55, Berlin, (DE); In absentia, Il Correggio Museum - Palazzo dei Principi, Correggio, IT. E’ stato più volte in mostra presso la Fondazione Bevilacqua La Masa di Venezia (nel 2005-2006-2007-2010 e 2014); 

A cura di: Tino Stefanoni e Luca Manganiello

Testo critico: Luciano Caprile

dal 21 settembre al 31 ottobre 2017

Inaugurazione: giovedì 21 settembre 2017, ore 18.30

L’Artista sarà presente.

Indirizzo: Viale Alfonso Casati 2/o, Muggiò (MB)

Patrocinio: UBI Banca Popolare di Bergamo

Il 21 settembre CASATI Arte Contemporanea inaugura la mostra “Quasi Bianco” dedicata alle opere del Maestro Tino Stefanoni (Lecco, 1937).

Attraverso una selezione di cinquanta opere l’esposizione ripercorre il cammino di questo fondamentale protagonista della pittura del Novecento a partire da alcune tele degli anni Settanta per giungere ai veri e propri protagonisti della rassegna: i pastelli, essenziali eppure complessi filtri di una visione del paesaggio fatta di architetture e contesti naturali. 

Come scrive Luciano Caprile nel testo critico della mostra, « a testimoniare come il filo del suo -  di Tino Stefanoni - racconto segua una legge che non dimentica le personali radici ma ne recupera, all’occasione, il senso più autentico, capace di alimentare il futuro, quel magico bianco su bianco di allora che pare riflettersi di rimando nel bianco che accoglie la linea delle attuali rivelazioni, delle attuali sorprese. Sono rivelazioni e sorprese che promuovono quel non finitoche permette e promette una continua attesa, una nuova traccia, un prezioso suggerimento per chi osserva e intende assaporare la magia della condivisione. Anche per tale motivo il tempo nutrito da Tino Stefanoni di seducenti leggerezze poetiche travalica le ricorrenti misure del quotidiano per collocarsi nell’ambito di una memoria in attesa, tutta da riconquistare e da narrare.»

Tino Stefanoni, nato a Lecco nel 1937, ha studiato al Liceo artistico Beato Angelico e alla facoltà di Architettura del Politecnico di Milano.

Da più di cinquant'anni è presente nel mondo internazionale dell’arte. Il lavoro di Tino Stefanoni, pur non appartenendo in senso stretto a quello dell’arte concettuale, di fatto si è sempre sviluppato nella stessa area di ricerca. Ha sempre guardato al mondo delle cose e degli oggetti del quotidiano, proponendoli nella loro più disarmante ovvietà, come tavole di un abbecedario visivo o pagine di un libretto d’istruzioni dove le immagini sostituiscono le parole.

A differenza del mondo animale e del mondo vegetale che non sono di pertinenza dell’uomo, il mondo delle cose è invece l’unico segno tangibile della sua esistenza, e quindi di sua proprietà, traccia del suo pensiero e della sua storia dove si possono creare arte e bellezza che non sono l’arte e la bellezza della natura. E’ evidente, nella ricerca, l’interesse a voler presentare le cose più che a volerle rappresentare e, al tempo stesso, a rivestirle di sottile ironia e magia tratte da un’operazione asettica come in un sogno lucido, per intenderci, che può far convivere elementarità e mistero, due elementi che per loro natura non sono affatto prossimi ma vicini per contrappunto.Anche nei dipinti di oggi, dove i canoni della pittura classica (nel senso stretto del termine) sono volutamente esasperati a favore di una didattica del pittorico (luce chiaroscuro disegno colore), si rivela sempre il mondo delle cose che, pur restando il momento risolvente del suo lavoro, si carica naturalmente di significati metafisici, gli stessi significati dei dipinti dal tratto nero e sfumato definibili come sinopie dei precedenti.

Accompagna la mostra un catalogo con testo critico a cura di Luciano Caprile ed edito da Bandecchi & Vivaldi.

Informazioni mostra

21 settembre - 31 ottobre 2017

CASATI Arte Contemporanea

Viale Alfonso Casati 2/o, Muggiò (MB)

Orari

Lunedì – venerdì: 10.00 - 13.00 / 15.30-19.30

Sabato su appuntamento

Contatti:

+39 329 5941841 – +39 335 23 06 75

www.casatiartecontemporanea.it

a cura di Stefano Castelli

14 settembre - 28 ottobre 2017

Inaugurazione 14 settembre ore 18,30

Luca Tommasi è lieto di annunciare la prima personale italiana di Peter Zimmermann, Italian curves, che si terrà dal 14 settembre al 28 ottobre 2017 presso gli spazi della galleria di Via Tadino 15 a Milano. La mostra presenta un gruppo di nuovissimi lavori, caratterizzati dall'uso del bianco, oltre a esempi del suo percorso recente.

Voce autorevole della pittura contemporanea, Peter Zimmermann realizza opere che coinvolgono con il loro spiccato impatto sensoriale, ma che sono allo stesso tempo riflessioni linguistico/filosofiche. I suoi lavori, che instaurano un dialogo tra superficie e profondità, tra planarità e stratificazione, alludono a temi come il rapporto tra la rappresentazione e il suo referente, tra il reale e l'immaginario. Il punto di partenza sono fotografie scattate dall'autore o trovate sul web. Ma l'immagine originale viene alterata, diluita, schermata attraverso elaborazioni digitali e una fitta trama di stratificazioni semitrasparenti di resina epossidica. Il risultato, un'astrazione che porta in sé l'eco del riferimento originale, è allo stesso tempo solido e amniotico, morbido e “acuminato". Le forme che si delineano nell'opera e il materiale utilizzato suscitano retropensieri relativi a importanti questioni contemporanee, come il predominio della produzione industriale e lo strapotere dell'estetica digitale. La sua pratica pittorica si espande spesso nelle tre dimensioni, con sculture e installazioni ambientali.

Il colore è uno dei protagonisti principali delle opere di Zimmermann. La sua parziale negazione rende perciò il nuovo ciclo presentato in mostra un passaggio fondamentale nella ricerca dell'artista. Il colore bianco di questi dipinti costituisce quasi una pellicola che copre i colori sottostanti. Ma allo stesso tempo è come una lente, un filtro che li valorizza, che li unifica per trasformarli in luce pura. Si creano scenari che ricordano panorami glaciali, oppure vengono alla mente visioni di un mondo acquatico e sommerso. Come sempre, materiale, tecnica, processo e concetto vanno di pari passo nell'opera di Zimmermann: per questi nuovi lavori è stato necessario l'utilizzo di una resina epossidica resistente alla luce.

Peter Zimmermann (Freiburg im Breigsau, Germania, 1956) vive e lavora a Colonia. Formatosi a Stoccarda, inizia ad esporre nei primi anni Ottanta. Il suo curriculum comprende una lunga serie di mostre in importanti gallerie private e istituzioni pubbliche. È invitato alla sezione Aperto ’93 della XLV Biennale d'arte di Venezia. Tra il 2016 e il 2017 realizza dieci mostre personali in Germania, Stati Uniti, Italia, Lussemburgo, Austria e Qatar. Le sue opere sono presenti in numerose raccolte private e nelle collezioni di musei come il Bundeskunstsammlung di Bonn, il Centre Pompidou di Parigi e il Museo d'Arte Moderna di New York, il Museion di Bolzano.

IMMAGINE: Peter Zimmermann, Untitled 1, 2016, resina epossidica su tela, 120x100 cm

La mostra resterà aperta con i seguenti orari:

martedì - sabato ore 13-19. Catalogo Silvana Editoriale.

Per Info e materiale iconografico:

 - tel. 335 242433

Inaugurazione 15-16 settembre 2017 ore 16/20. 

In occasione dell’apertura della nuova sede nel cuore di Torino in via Giolitti 51, CRAG - Chiono Reisova Art Gallery propone al pubblico torinese la mostra “GOTICO SARDO” a cura di Camillo Langone dal 15 settembre al 21 di ottobre 2017.

La Galleria ha accolto con entusiasmo la proposta artistica del curatore e giornalista Camillo Langone seguendo la predilezione per la pittura che caratterizza la galleria, e proponendo i lavori degli artisti Silvia Argiolas, Antonio Bardino, Nicola Caredda, Silvia Idili, Giovanni Manunta Pastorello, Vincenzo Pattusi, Giuliano Sale, noti nel panorama dell’arte emergente italiana.

Dalla regione italiana geologicamente più antica, i cui vulcani sono spenti da molti milioni di anni, proviene una pittura nuova ed accesa che Camillo Langone definisce per l’appunto Gotico Sardo.

“Si può parlare oggi di pittura lombarda, veneta, toscana? Riferendosi ai secoli scorsi senz'altro, riferendosi al terzo millennio solo se dotati di una notevole capacità di arrampicarsi sugli specchi. L'identità artistica sarda è dunque un'anomalia, una controtendenza, un fenomeno che fra l'altro non ha nulla di folcloristico e di residuale vista l'eccellenza dei risultati, l'ampiezza dello sguardo, la bassa età media dei suoi pittori. Naturalmente l’architettura gotica di tante cattedrali medievali non c'entra nulla. La mia accezione di gotico somma quella di Giorgio Vasari, ossia gotico come barbarico, quella del romanzo gotico inglese (spesso ambientato sulle coste dell'Italia meridionale), ossia gotico come romantico e tenebroso, quella della sottocultura goth sonorizzata da Bauhaus, Cure, Siouxsie & The Banshees, ossia gotico come dark e ipnotico”.  

La mostra sarà visitabile nell’orario della galleria da martedì a venerdì 15,30 -19,30

sabato 10-13.00 / 15,30-19,30

ogni mattina su appuntamento

Per informazioni

 - +39 3351227609

CHIONO REISOVA ART GALLERY

via Giolitti, 51 - 10149 Torino

www.cragallery.com

Vernissage: sabato 16 settembre, ore 16.30

Fino al 25 ottobre 2017

Castelfiorentino, Firenze, 1929: nasce Roberto Malquori, uno dei principali esponenti dell'arte italiana degli anni '60 che ha varcato i confini nazionali per aderire al Bauhaus Situazionista Scandinavo ed esporre in occasione di eventi come l'Alternative Documenta a Kassel nel 1972 o la mostra itinerante Drakabygget. Frihetens Verkstad. The Workshop of Freedom, svoltasi fra Svezia, Olanda e Danimarca e conclusasi a Göteborg nel 2001.

La mostra personale, dedicata al maestro toscano, che apre la stagione espositiva autunnale della galleria Colossi Arte Contemporanea, vuole omaggiarlo esponendo un'accurata selezione delle sue Iconosfere, opere rappresentative della peculiarità del suo linguaggio espressivo, ideate nel 1963 ed esposte per la prima volta nel 1964, in occasione della personale alla galleria L'Indiano di Firenze, anticipando sia il successo della Pop Art di Rauschenberg alla Biennale veneziana del 1964 che la nascita del riporto fotografico su tela emulsionata della Mec-Art.

Con singolare lungimiranza, infatti, il giovane Malquori, allievo dell'Accademia di Belle Arti di Firenze, seguiva, nei primi anni '60, le sperimentazioni interdisciplinari più all'avanguardia, seguendo l'evoluzione della Scuola Pop di Pistoia e partecipando alle manifestazioni pubbliche degli amici del Gruppo 70, Eugenio Miccini e Lamberto Pignotti, caldeggiate dall'Equipe di Quadrante con la mostra Tecnologica (1963) e il convegno Arte e Tecnologia, tenutosi al Forte del Belvedere di Firenze nel giugno del 1964.

Già nel 1963, l'artista, appropriandosi delle tendenze favorevoli all'introduzione della riproduzione meccanica, tipica del linguaggio comunicativo della società massmediatica nella ricerca artistica, parallelamente a quello che stava elaborando la tecnica della riproduzione serigrafica di Warhol negli USA, aveva ideato un suo personalissimo codice linguistico, una “via italiana” alla Pop Art: esso era in singolare equilibrio tra l'estetica di appropriazione di immagini tratte dal panorama iconografico dei mass media dei Pop artisti americani e il rovesciamento ludico, sia semantico che contestuale, del suo materiale linguistico e figurativo, tipico della metodologia creativa della Poesia Visiva degli amici del Gruppo 70.

Gli universi metamorfici di Malquori nascono da queste premesse di rimessa in questione di radicale dei mezzi di comunicazione corrente, dei meccanismi di ossessiva ripetzione dell'immagine, secondo una linea di appropriazione non analitica, come quella della Pop Art americana, ma sottilmente critica nei confronti della fascinazione verso il nuovo mondo delle immagini.

Le sue Iconosfere sono caratterizzate dall'accostamento e dalla moltiplicazione di immagini tratte dal panorama iconografico della società massmediatica, immagini sottilmente subliminali, illustrazioni pubblicitarie estratte dai giornali con speciali solventi che, tramite l'assorbimento degli inchiostri, trattengono la loro roboante sensualità, talvolta la accentuano, sottraendole dal loro contesto originario per trasformarle in effimere icone di un mondo patinato. La loro vacuità viene rivelata in semi trasparenza solamente tramite il “medium” della carta o della tela sulle quali vengono trasferite.

Il suo “décollage”, inteso nell'accezione di “decollo”, di distacco dell'anima dell'immagine da rotocalchi e manifesti, come diversificazione da ogni altra espressione artistica coeva, diventa un'operazione di ritorsione critica che si inserisce nella tradizione dell'esplorazione creativa e semantica del mondo mass-mediatico: dal collage delle avanguardie storiche al décollage di Rotella e degli affichistes francesi, per arrivare al ludico rovesciamento delle immagini in segni nelle sperimentazioni della Poesia Visiva del Gruppo 70.

Nella sua arte, il décollage opera estrapolando analiticamente dati di realtà, come avviene nella poetica “predatoria” dei Nouveaux Réalistes, ma utilizzando gli stessi strumenti tecnologici e comunicativi della civiltà dei consumi: la ripetizione ossessiva, l'accumulo si trasformano, tramite il capovolgimento e l'affastellamento dei segni, in un caleidoscopio di associazioni oniriche che ingloba forme e motivi simbolici tratti dagli ambiti culturali più eterogenei, passati e futuribili, per creare ambienti momentanei della vita, improntati al culto dell'effimero e capaci di provocare nello spettatore, ancora al giorno d'oggi, il “détournement”, lo straniamento decantato dall'Arte Situazionista; si tratta di un risveglio della percezione assuefatta dalla trasmissioni di impulsi subliminali del linguaggio pubblicitario che porta alla riscoperta di un dato di realtà fenomenica più volte filtrato, prima dalla fotografia che lo cattura, poi dalla trasposizione in immagine a fini commerciali e, in ultimo, trattenuto dai solventi utilizzati dall'artista.

I numerosi punti di contatto di Malquori con l'Arte Situazionista, dalla libertà di sperimentazione alla libera espressione delle energie creative, dalla contaminazione tra i vari ambiti artistici al risveglio della coscienza dello spettatore con impulsi emotivi e psicologici, lo porta a dare alla sua arte un respiro internazionale: nel 1965 aderisce al Bauhaus Situazionista Scandinavo fondato nel 1959 da Jörgen Nash e Asger Jorn a Drakabygget, fattoria-studio situata nel sud della Svezia, dopo la separazione dal movimento Internazionale Situazionista fondato da Guy Debord. Da Firenze la volontà di reinventare un nuovo mondo partendo da quello esistente e superando la soglia dei parametri convenzionali di percezione del dato reale ed oggettivo di Malquori giunge in Svezia.

Nel 1967, anno in cui il teorico e fondatore del Situazionismo, Guy Debord, pubblicò il suo saggio programmatico La societé du spectacle, Malquori era presente con due mostre personali in Svezia: a Halmstad e a Stoccolma. La sua volontà di reiventare l'universo del reale ha conquistato anche le fredde terre del nord, come testimoniano, non solo le mostre e i cataloghi (da Alternativ Documenta a Kassel nel 1972, a International Bauhaus Sweden a Karlskron, in Svezia, nel 1988, e Bauhaus Situationiste Drakabygget alla Konstakademie di Stoccolma, nel 1996), ma anche tutta una serie di volantini, pubblicazioni, manifesti e, soprattutto, la rivista Drakabygget, fondamentale strumento di diffusione e comunicazione delle evoluzioni nella ricerca teorica del movimento scandinavo, dove Roberto Malquori ha sempre ricoperto un ruolo rilevante, mentre le sue Iconosfere brulicanti di immagini sembrano bucare le pagine e, con i loro galleggiamenti di volti in derive oniriche, colmare lo spazio tra il sublime dell'arte e la banalità quotidiana, attraverso il campo della comunicazione, il between dei situazionisti.

Nel 1969, dopo lo scioglimento, nel 1968, del Gruppo 70, è tra i sostenitori del Centro Tèchne, fondato da Eugenio Miccini, volto alla promozione di eventi d'arte, incontri, teatro d'avanguardia e pubblicazioni. Negli anni '70 Malquori continua a partecipare alle attività del Bauhaus sitauzionista.

L'onda lunga dell'energia comunicativa dal sapore pop che trapela dalle opere di Malquori seguita a conquistare il pubblico anche negli anni 2000, grazie all'attenzione di gallerie, istituzioni pubbliche e musei, sia in Italia che all'estero.

Nel 2007 la galleria Colossi Arte Contemporanea di Brescia gli dedica la mostra personale Effetto Pop, corredata da un catalogo con testo critico di Walter Guadagnini.

In questi anni, Malquori ha esposto presso il Centro per l'Arte Contemporanea Luigi Pecci di Prato (2007, 2010), il Museo della Permanente (2008) e il Museo Pecci (2013) di Milano, l'Istituto Italiano di Cultura di Bratislava (2010) e la Foundation Ik di Middelburg (2012), in Olanda, il Museo di Arte Moderna di Buenos Aires (2012), il Museum of Fine Arts di Koahsioung, il National Palace Museum di Taipei in Taiwan (2013), il Museo Novecento di Firenze (2015) e il Mart di Rovereto (2015).

Nel 2016 viene invitato a partecipare all'accurata selezione di artisti che espongono in occasione della mostra Italia Pop. L'arte negli anni del boom presso la Fondazione Magnani Rocca di Mamiano di Traversetolo (Parma).

Nel 2017 le sue opere vengono esposte al Museo Nazionale del Risorgimento Italiano di Torino in occasione della mostra Dai 60's ai 60's. Un secolo dopo l'unità d'Italia, la Pop Art, a cura di Luca Beatrice e Ferruccio Martinotti, oltre che presso il Palazzo del Pegaso di Firenze, sede del Consiglio della Regione Toscana, in occasione della mostra personale Dagli anni '60 ad oggi.