Fino al 30 novembre 2018.

Lo Studio d’Arte Raffaelli è lieto di presentare Jenny around the World, una mostra personale dell’artista australiana Jenny Watson.

Un immaginario sognante e rarefatto accompagna l’artista nei suoi viaggi intorno al mondo da oltre quarant’anni. A partire da ispirazioni punk e femministe, Jenny Watson ricrea un intimo diario in cui figure e parole s’intrecciano a comporre brevi narrazioni quotidiane. 

I supporti delle sue opere provengono da luoghi lontani, sono carte e tessuti preziosi di cui l’artista sceglie accuratamente i pattern e le texture; alternando finzione e scene di vita vissuta, Jenny Watson ha elaborato una personale iconografia fatta di autoritratti, cavalli, gatti, interni domestici e lettering, resi con freschissime pennellate che molto spazio lasciano all’immaginazione. 

Le sue opere sono spesso accompagnate da piccole tele colorate che riportano poetiche descrizioni del suo lavoro, rendendo immediato il processo di immedesimazione dello spettatore. 

Raccontano il suo percorso le opere esposte, una ventina di carte e una decina di tele appartenenti a diverse fasi della sua carriera artistica, oltre a una serie di lavori inediti realizzati appositamente per la mostra.

Jenny around the World omaggia l’artista in seguito alle sue recenti importanti retrospettive australiane al MCA di Sidney e all’Heide Museum of Modern Art.

Jenny Watson è un’artista australiana che ha iniziato il suo percorso presso la National Gallery of Victoria Art School, dove ha conseguito il diploma di pittura. Ha completato gli studi allo State College of Victoria, a Melbourne; ha esposto le sue opere a livello internazionale in paesi come Belgio, Austria, Stati Uniti, Giappone, Canada, Regno Unito, Vietnam, Germania, Italia, Nuova Zelanda e nel 1993 ha rappresentato l’Australia alla 45esima Biennale di Venezia. Nel 2017 si è tenuta una sua importante retrospettiva al MCA – Museum of Contemporary Art Australia di Sidney, che è stata trasferita, nei primi mesi del 2018, all’Heide Museum of Modern Art.

L’età dell’innocenzaè il titolo della nuova mostra personale di Claudia Giraudo, curata da Angelo Crespi, che si apre con il VERNISSAGE SABATO 17 NOVEMBRE dalle ore 18 alle 21 negli spazi della Galleria PUNTO SULL’ARTE di Varese.

Il titolo rimanda al celebre quadro di Joshua Reynolds, esposto alla Tate di Londra, capostipite della cosiddetta “Fancy picture”, un genere frequentato a partire dal Settecento da numerosi grandi artisti, a cui rimanda, pur nella contemporaneità dello stile, il lavoro della pittrice torinese.  Tra Alice nel Paese delle meravigliee i Saltimbanchidi Rilke e Picasso, si muove Claudia Giraudo in una ricerca pittorica molto raffinata che è solo all’apparenza semplice e immediata nei suoi riferimenti estetici, dal surrealismo novecentesco a quello pop, ma che scopre a uno sguardo più attento una serie di rimandi e suggestioni tali da ingenerare nello spettatore l’inquietudine dell’infanzia sul limite dell’adolescenza. “La vita è altrove” ci suggerisce Milan Kundera dovendo parlare dell’età lirica, quella in cui ancora crediamo di essere il centro del mondo, un’età che dura il tempo di uno sguardo e poi fugge, ma che Claudia Giraudo riesce a fermare per sempre, appunto, in tutta la sua assoluta innocenza.

La mostra è accompagnata da un catalogo bilingue realizzato da PUNTO SULL’ARTE contenente il testo critico di Angelo Lorenzo Crespi e la riproduzione delle opere esposte. L’artista sarà presente al vernissage.

CLAUDIA GIRAUDO nasce a Torino nel 1974. Nel 2001 si laurea presso l’Accademia Albertina di Belle Arti di Torino e in seguito intraprende il suo percorso di ricerca nell’ambito della pittura figurativa formandosi attraverso lo studio delle opere dei maestri Rinascimentali e Nordeuropei. La sua tecnica risale alla tradizione quattrocentesca e prevede stratificazioni di colore a olio, esaltate dalle velature finali che accentuano la profondità e l’intensità dei personaggi dipinti. Parte importante della sua produzione è composta dalla serie dei ritratti di fanciulli affiancati da un animale, il Daimon, un alter ego che li accompagna lungo la fase di passaggio adolescenziale nella quale emergono le prime inquietudini esistenziali. I suoi dipinti si fanno carichi di riferimenti enciclopedici che spaziano attraverso il tempo e le culture, inserendosi in ambientazioni oniriche. Ogni singolo elemento compositivo sembra godere della pace data dalla lenta accettazione del tempo come dono prezioso. Espone con frequenza in fiere d'arte, gallerie private e in luoghi istituzionali pubblici. Le sue opere si trovano in collezioni permanenti e acquisizioni museali nazionali e internazionali, tra cui l'Harmony Art Foundation di Mumbai (India), il Museo MACIST di Biella, il Museo Eusebio di Alba (CN), la Sala del Consiglio di Bossolasco (CN) e il Museo Civico di Bevagna (PG). Ha partecipato alla Biennale di Venezia, Padiglione Italia nel 2011. Vive e lavora a Torino.

Vernissage: SABATO 17 NOVEMBRE 2018, ore 18 - 21

Periodo: 18 Novembre – 29 Dicembre 2018

Luogo: PUNTO SULL’ARTE

Viale Sant’Antonio 59/61, Varese

Contatti: 0332 320990 |  

Orari: Martedì - Sabato: h 10-13 e 15-19.

Domenica h 15-19

Chiusura per festività dal 24 al 26 Dicembre

Catalogo: con testo critico bilingue di Angelo Crespi

a cura di Roberto Brunelli

Inaugurazione: sabato 3 novembre ore 18

Durata della mostra: 03 novembre – 11 dicembre 2018

Orario: martedì - sabato, ore 10,30-12,30 /15,30-19,30

 ….da un progetto di Roberto Brunelli, Critico e Consulente d’Arte           

Artisti italiani degli Anni Novanta come Tesoro nazionale. Non una semplice provocazione ma un esperimento critico per riallacciare i fili della storia dell’arte italiana, facendo riscoprire la produzione artistica di fine XX secolo del nostro Paese. E’ quanto si propone la mostra, a cura di Roberto Brunelli, “Italia’s National Treasure Artists”, che si terrà a Torino presso Giampiero Biasutti Studio D'Arte per il ' 900 dal 03/11/2018 al 11/12/2018.

«Negli U.S.A. "National Treasure" è espressione comune, mentre molto più di rado si sente usare da noi il termine "eccellenza italiana". Per "National Treasure" si intendono quegli artisti viventi operanti in vari campi (arte visiva, danza, musica, etc.) che si sono particolarmente distinti per qualità, durata nel tempo e riconoscimento internazionale del loro lavoro. Qualcosa di simile si intende in Italia con l'espressione "eccellenza italiana", ma riferendosi più che altro a imprenditori e industriali, non certo alle arti.» (Enrico Corte).

La mostra “Italia’s National Treasure Artists”, prosecuzione di "MIAs Mid-career Italian Artists" del 2017 e del libro "Anninovanta 1990-2015. Un percorso nell'arte italiana", edito a dicembre 2014, vuole riportare l'attenzione del pubblico a una conoscenza più profonda di quel periodo artistico così vicino a noi e così poco indagato, puntando i riflettori sugli artisti della “Generazione anni ‘60”, ovvero nati tra il 1960 e il 1970, dal lavoro dirompente come: Massimo Barzagli, Enrico Tommaso De Paris, Daniele Galliano, Giorgio Gost, Simone Pellegrini, Pierluigi Pusole e Velasco Vitali.

Artisti in grado di stimolare una preziosa riflessione su quanto è successo in Italia nell'arte negli anni ’90; anche per questo meritano grande considerazione, perché in grado di aprire un dibattito sul colpevole silenzio relativo ai nostri artisti e sul clamore per quelli esteri.

Catalogo bilingue italiano/inglese.

GIAMPIERO BIASUTTI Studio d’arte per il ‘900

Via della Rocca, 10 – 10122 Torino  

Tel. e Fax 011 83 90 690

La Galleria Biasutti & Biasutti presenta nelle proprie sale espositive una mostra dedicata ad alcuni artisti italiani che nel secondo dopoguerra hanno condiviso le poetiche dell'astrattismo e dell'informale, segnico e gestuale, interpretandole secondo un proprio inconfondibile linguaggio. Storie e date che aprono e chiudono periodi: gli anni cinquanta, sessanta, settanta. Artisti di varie generazioni che si sono misurati con vibrazioni interne, segreti, aspirazioni e paure per portare alla luce la propria anima. Giuseppe Capogrossi (Roma 1900-1972) è presente con un inchiostro su carta con le sue "forchette" del 1951. Antonio Corpora (Tunisi 1909-Roma 2004), Roberto Crippa (Milano 1921 - Bresso, Milano 1972) e Mario Nigro (Pistoia 1917 - Livorno 1992) operano attraverso un linguaggio astratto che per il primo di questi è "concreto" per gli altri due "geometrico". Luigi Spazzapan (Gradisca d'Isonzo, Gorizia, 1889 - Torino 1958), con Palude del 1956, rappresenta una parentesi a sè. La sua formazione si compì attraverso alcuni viaggi che iniziò, da giovane, nei più importanti centri della cultura del tempo, da Vienna a Monaco, che gli consentirono di sviluppare la propria formazione assimilando diversi stili compreso l'astrattismo. L'opera di Pinot Gallizio (Alba, Cuneo, 1902 - 1964) si sviluppa su di una superficie fatta di tempera, olio, pigmenti e sabbia. Datata 1959, essa costituisce il fascino della libertà creativa aperta alle sperimentazioni pittoriche. L'informalità di Emilio Vedova (Venezia 1919 - 2006), con Manifesto del 1955 si sintetizza in linee forti, di grandi dinamismo che rompono ogni sorta di equilibrio convenzionale. Nell'opera di Gastone Novelli (Vienna 1925 - Milano 1968), del 1959, appare evidente come l'uso dei bianchi su di un supporto abbia la funzione di luogo fisico dove la materia, gesto e segno rappresentano la sua scrittura poetica. Il bianco, il non colore, è lo sfondo dove Piero Ruggeri (Torino 1930 - Avigliana 2009) dipinge Iridescenze nel 1975, una grande tela sulla quale si susseguono segni rossi, verdi e gialli. L'intensità emotiva di Afro (Udine 1912 - Zurigo 1976), le linee forti di Piero Dorazio (Roma 1927 - Perugia 2005), le superfici rotte e sovrapposte di Agenore Fabbri (Quarrata, Pistoia 1911 - Savona 1998), il gestualismo materico che ritorna alla forma di Mattia Moreni (Pavia 1920- Brisighella, Ravenna 1999) con Immagine quasi travolta del 1960, le tramature di Emilio Scanavino (Genova 1922 - Milano 1986) e i cangianti di Giulio Turcato (Mantova 1912 - Roma 1995) completano questa retrospettiva composta da venti opere.

La Galleria d'Arte Mentana

presenta

"Dimensioni Parallele"

Due artisti informali  in mostra  personale:

Mirta Diminic  e Axel Becker.

Opening: sabato 13 ottobre, ore 18.00

Durata: 13 - 31 ottobre 2018

Vi aspettiamo

Giovanna Laura Adreani – Art Director 

a cura di Beatrice Buscaroli
inaugurazione sabato 6 ottobre 2018, ore 18
luoghi dell’esposizione:     
DI PAOLO ARTE

Galleria Falcone e Borsellino 4A, Bologna 

GALLERIA FORNI Via Farini 26/F, Bologna

Durata: 6 - 5 novembre 2018 (Di Paolo Arte) /

6 - 24 ottobre 2018 (Galleria Forni)

Di Paolo Arte > lunedì-sabato 11-13 / 16-20

ingresso libero

Galleria Forni > 10,30-13,30 e 15-19

chiuso lunedì e festivi, ingresso libero

Presentazione di Beatrice Buscaroli
“Le mie strisce riflettono lo stridore e gli arresti improvvisi della nostra vita moderna”.
È un’annotazione di Sergio Romiti riferita alle Composizioni che accompagnano la fase matura della sua ricerca sulla consistenza “fisica” della pittura, del gesto che da sempre ha animato il senso del suo modo di praticare l’arte. “Cauteloso, amaro”, lo vedeva Arcangeli nel ‘54; raffinato e separato da ogni koiné consolatoria e da ogni militanza, Romiti si avvicina giovanissimo alla pittura – nasce a Bologna nel 1928 – nel tempo difficile dell’immediato secondo dopoguerra contaminato da tanti, troppi assilli alla ricerca, diventa testimone di un percorso creativo che lo porta ad essere “pittore dell’insicurezza – sono sempre sue annotazioni – dell’equilibrio minacciato, anche in senso formale (oggetti che cadono, ecc.)”. Per rendere l’idea: un Morandi per il quale la consistenza degli oggetti dubita di se stessa; che nega a se stesso ogni aristocratica separatezza; che non cerca nelle “cose” nessun riscatto.

Il suo “ultimo naturalismo” è espressione di una tensione esistenziale lacerante, una comunicazione imprevista e insanabile con un abisso che si disegna fra astrazione e realtà, tra colore e oggetto. Dalle Macellerie ai Tavoli, dalle Nature morte alle Mensole, si assiste alla dispersione del “segno” che conduce alle Composizioni, campi di tensioni superficiali animate da bagliori violenti, malati, che non vuole smarrire la realtà. Una realtà, un senso della durezza fisica del mondo, che tuttavia non può ridursi a fatto formale, né ancor meno a mimesi di un evento esteriore. Questi registri del dramma di un colore che nomina l’universo dei conflitti che operano nell’animo di un artista tanto corrosivo quanto riservato sono al centro della mostra da me curata per la Gallerie Forni e per la Galleria Di Palo Arte che con quasi quaranta opere tra tele, acquerelli e disegni esposti contemporaneamente in due gallerie della città, cercano di riportare lo sguardo su un artista amato quanto sfuggevole, colto e ricco di spunti, dagli appunti pubblicati da G. Accame, allo strazio doloroso delle ultime opere.” (Beatrice Buscaroli)

“La funzione di una galleria d’arte - dichiara Paola Forni - non è solo quella di promuovere giovani talenti e nuovi artisti, ma anche di valorizzare e difendere il lavoro degli autori della propria città. Nel 1979 due gallerie bolognesi, La Loggia e la San Luca, presentarono congiuntamente il lavoro di Romiti. Oggi come allora, il lavoro di questo autore viene allestito in due spazi espositivi per dare maggior respiro all’analisi retrospettiva di un artista che Bologna non deve dimenticare.”

“In attesa della ormai prossima pubblicazione del catalogo generale di Sergio Romiti - dichiara Fabio Di Paolo - siamo lieti di presentare un’ampia selezione dei suoi lavori in due distinti spazi della città per un unico percorso espositivo che illustra l’intera produzione artistica dell’autore, dagli esordi fino agli ultimi anni del Novecento, prima della tragica scomparsa. Romiti, figlio del suo tempo, anche se non appartenuto a nessuna corrente artistica specifica, compone opere intrise di tutte le influenze artistiche a lui contemporanee e partendo dall’oggetto, dalla realtà che osserva nei vicoli di Bologna, arriva nella sua evoluzione, ad astrarne l’essenza, arrivando ad imprimerne l’idea, come nella caverna di Platone. La riflessione continua che l’artista effettua dentro se stesso porta all’elaborazione di una poetica in cui l’aspetto fenomenologico diventa sempre più spunto per cercare e immortalare una dimensione di pensiero, del pensiero”.

Biografia
Nato a Bologna nel 1928, Sergio Romiti, già nel 1946, si dedica alla pittura. Il suo ingresso nella vita artistica risale al 1947, mentre il suo definitivo battesimo artistico al 1948 quando espone alla Prima Mostra Nazionale d'Arte Contemporanea a Bologna. Mostra importante perché vi partecipano tutti gli artisti della generazione di mezzo (Birolli, Guttuso, Cassinari, Corpora, Afro, Santomaso, Vedova, Mirko, Fazzini, Minguzzi) . Nel 1951 allestisce la sua prima mostra personale alla storica galleria Il Milione a Milano
presentato da Francesco Arcangeli. Nello stesso anno espone a Parigi e viene invitato alla 1’ Mostra “Pittori d’Oggi, Francia – Italia”a Torino a cura di Luigi Carluccio. Nel 1952 espone a Parigi con una mostra personale presentato da Marco Valsecchi. Nello stesso anno viene invitato, con un gruppo di cinque opere, alla XXVI Biennale di Venezia, dove ottiene dalla Giuria Internazionale il “Premio Ferrania”. Partito da un neopicassismo personalissimo, Romiti risente del codice espressivo e poetico del suo concittadino Giorgio Morandi. Artista di intima interpretazione, la sua pittura è estremamente coerente a se stessa senza avere pretese né realiste né astrattiste. L’oggetto dipinto, spesso preso dal quotidiano, diventa un pretesto, un colloquio intimo, una metafora. L’oggetto viene fltrato, distillato e ben presto si scarnifca in un processo quasi ossessivo di interiorizzazione. Tanto che la struttura si perde, la distinzione oggetto-sfondo inizia a essere meno netta. La sottrazione riguarda anche i colori tanto da approdare nel 1960 al bianco e nero. E’ il percorso che in parallelo hanno approfondito in ambito letterario i poeti Ungaretti e Montale. Un Autore che può rientrare a pieno titolo tra i grandi protagonisti del Novecento italiano.

a cura di Marco Meneguzzo

25 ottobre - 06 dicembre 2018

Inaugurazione: 25 ottobre ore 18,30

Luca Tommasi è lieto di annunciare RANDOM, l’esposizione personale di Carmengloria Morales che si terrà dal 25 ottobre al 06 dicembre 2018 presso i nuovi spazi della galleria di Via Cola Montano 40 a Milano.

Questa seconda personale, che consta solo di opere su tela, segue quella di opere su carta, dal titolo Done by fire, tenutasi nel maggio 2017 e che ha segnato l’inizio della collaborazione tra la galleria e l’artista.

Nello spazio espositivo, si alterneranno dittici e tondi dagli anni 80 ad oggi, che verranno allestiti senza necessariamente rispettare un preciso percorso antologico.                  Il termine RANDOM attiene alla scelta delle opere esposte e al loro eventuale accostamento nello spazio della galleria; non è certo riferito alla pittura o a una presunta casualità del processo creativo dell’artista che invece ha sempre perseguito delle strutture ricorrenti, quelle del corpo nello spazio, in una definizione di spazio che si va componendo all’interno del telaio. Il lavoro procede secondo un progetto inconscio che materializza sulla tela gesti e azioni sottese da un processo operativo e da una quotidiana pratica.               

Nel dittico, una tela vuota quadrata o rettangolare affianca a destra una tela dipinta di pari formato con lo scopo di bilanciare la tensione della pittura con un vuoto immanente. Scelta che corrisponde ad una precisa volontà dell’artista di non sedurre lo spettatore ma di mantenerlo ancorato al concetto di quadro.I tondi che, dal 1986 si ritrovano nella produzione dell’artista, rispondono alla sfida di affrontare uno spazio “architettonico” che attiene alla storia della pittura. Si avverte forte in Morales questa consapevolezza di non poter eludere un dialogo con la storia dell’arte e in alcuni suoi scritti o titoli dei suoi lavori si appalesano i confronti con alcuni grandi maestri del passato.

Nata a Santiago del Cile nel 1942, si trasferisce in Italia nel 1953.
Nel corso degli anni ha avuto studio a Milano, Roma, Londra, Parigi, New York e Sermugnano, nei pressi di Viterbo. Nel 1977, è stata invitata a Documenta 6 Kassel. Nel 1984 ha partecipato alla mostra fondativa della Radical Painting a Williamstown in Massachussets. Mostre personali e collettive in Italia e all’estero ne completano il ricco curriculum espositivo.

Per Info e materiale iconografico:

. Tel. 335242433

LUCA TOMMASI ARTE CONTEMPORANEA

Via Cola Montano, 40 – MILANO

www.lucatommasi.it

Dopo l'imponente retrospettiva che, a Palazzo Reale di Milano, ha omaggiato la scorsa estate la ricerca e il lavoro di Agostino Bonalumi (1935-2013), permettendo al grande pubblico di ammirarne opere monumentali ed ambientali con una lettura ampia di tutto il suo percorso artistico, la galleria ArteA, in collaborazione con l'Archivio dell'artista, inaugura la propria stagione con un'esposizione monografica dedicata la maestro brianzolo, figura tra le più significative del secondo Novecento italiano.

Artista di spicco ed emblematico della giovane cultura visiva milanese tra gli anni Cinquanta e Settanta, Bonalumi seppe maturare, grazie all'insegnamento di Fontana e agli scambi con i coetanei Manzoni e Castellani, un linguaggio che ha animato la sua pittura (a volte anche diventando volume spaziale e ambientale) per tutti gli anno successivi, guidandolo alla logica di un fare personale e sempre attuale, forte di un valore aldilà del tempo.

La sua visione pone la superficie e la pittura-colore in uno stato di reciproca appartenenza, evidenziando come entrambi costituiscano un fattore di rappresentazione concreta e densa di energie che animano, sollecitano e spingono ai limiti estremi delle loro possibilità.

In mostra sono esposte tele e carte che esemplificano i vari passaggi e le diverse tipologie su cui l'artista ha lavorato nelle differenti fasi e momenti della sua sistematica e precisa analisi del fattore pittorico. Sulla "corporeità" e la concretezza della pittura di Bonalumi, temi chiave di questa piccola antologica, scrive Matteo Galbiati, curatore dell'esposizione e autore del saggio critico in catalogo:

"[…] Con il suo temperamento ha cercato di rimandare la verità della pittura oltre i confini di una rappresentazione, verosimile o immaginifica, per verificarsi attraverso la semplicità della privazione di ogni entità palesata sulla superficie-confine, ora da lui intesa come contenitore, come filtro di affioramenti di pre-esistenze che si animano non sopra, ma sotto e dentro la sua pelle. […]"

Del resto è proprio quella caratteristica fisicità di materie e forme, segno di un'individuale capacità di rappresentazione narrativa racchiusa nel gesto mobile e minimo del suo fare, a caratterizzare e nobilitare ogni sviluppo delle sue opere, capaci di rinnovarsi sempre nel tempo senza perdere mai l'originalità del loro valore assoluto e che hanno definito l'attitudine specifica della poesia di Bonalumi. Scrive ancora Galbiati:

"[…] La fisicità protesa, la forza emergente delle sue proposte ci testimonia come l'artista abbia saputo controllare il suo percorso concettuale, non solo come un'espressione mentale, ma come una dichiarazione originale che parte sempre dalla natura reale dei materiali da lui usati. La materia è il luogo a procedere della sua straordinaria vitalità artistica: una materia che non spegne la propria voce del tempo e nel tempo non esaurisce mai il proprio apporto sensibile; è la sua evoluzione concreta a garantirle quel fattore di verità, di poesia, di bellezza toccata nell'assoluto che portano le opere di Bonalumi a non ridursi alla banalizzazione o alla ripetizione stanca. […]"

In occasione della mostra è stato editato un catalogo delle edizioni della galleria che racchiude le opere in mostra, immagini di repertorio, il saggio critico in italiano e inglese, un apparato bio-bibliografico selezionato. Immagini e testi uso stampa sono disponibili contattando la galleria:

ARTEA GALLERY

di Alessandro Deponti

Corso Buens Aires 52, 20124 Milano

| www.arteagallery.it

+39 333 4012115

p. iva 03362790168

16 novembre – 14 dicembre 2018

Via Pietro Maroncelli, 7 – 20154 Milano

Inaugurazione: giovedì 15 novembre 2018

dalle 19.00 alle 21.00

ProjectB è felice di presentare Day To Night, la prima personale in Italia dedicata all’omonima serie del fotografo statunitense Stephen Wilkes.

Dal 1983, Wilkes ha realizzato un’eccezionale mole di opere ed è considerato uno dei fotografi americani più iconici.

La serie Day to Night, iniziata nel 2009, è la più rappresentativa dell’artista. Ogni singola fotografia è il risultato di circa 1500 scatti, realizzati dal medesimo punto di vista in un arco di tempo che varia dalle 15 alle 30 ore. Una volta in studio e scelti i momenti più rappresentativi, l’artista lavora per mesi alla realizzazione di un’unica fotografia in grado di raccontare l’intero spettro di luci ed esperienze, che si sono susseguite davanti alla fotocamera, per dare allo spettatore un’esperienza multidimensionale e mostrare ciò che ad occhio nudo è impossibile vedere: la compressione del tempo.

“Amo collezionare momenti di magia. È questo ciò che faccio.”

– Stephen Wilkes –

Nelle sale dello spazio di Via Maroncelli sono esposte sette opere rappresentative di tre progetti fotografici dell’artista: entrando è possibile osservare le immagini realizzate sulle grandi migrazioni di volatili quali Fenicotteri, Albatros e Gru Canadesi; la sala adiacente, sempre dedicata alla natura, mette in mostra i grandi parchi naturali quali lo Yosemite National Park, la cui inquadratura è inspirata al dipinto Yosemite Valley di Albert Bierstadt, la riserva di Robson Bight, dedicata alle orche e il Serengeti National Park, in cui si possono osservare gli animali intenti ad abbeverarsi; l’ultima opera, invece, è un esempio di paesaggio urbano e rappresenta la vista di Central Park con il relativo e suggestivo gioco di luci naturali ed artificiali.

Evento di presentazione:

mercoledì 26 settembre dalle ore 18.00 alle 22.00
Periodo della mostra: 25 – 29 settembre 2018

In occasione dell’evento Bologna Design Week 2018 ed in concomitanza con la Fiera CERSAIE, la Galleria Di Paolo Arte Moderna & Contemporanea, dal 25 al 29 settembre, proporrà la mostra “Starman”, la cui presentazione è fissata per il giorno mercoledì 26 settembre alle ore 18.
Il circuito espositivo, in linea con gli argomenti e i contenuti che saranno fulcro dell’evento durante la settimana del design, dà voce a quattro importanti artisti 

contemporanei: il fotografo Paolo Balboni, la scultrice multimediale Penelope (nome d’arte di Chiara Cocchi) ed il binomio di designer-scultori Angelo Morucci & Mario Venturini, i cui lavori si caratterizzano per l’utilizzo di tecnologie e materiali innovativi.
Nonostante l’utilizzo di differenti media e tecniche, gli Artisti presenti sono Tutti accomunati dall’essere degli “Starman”, ciascuno, secondo la propria poetica, desidera catturare e rappresentare “le stelle”, ovvero tutte le infinite sfaccettature della natura, della creatività, del sentire.

Paolo Balboni con i suoi D-Anger raffigura in modo del tutto nuovo i sentimenti di rabbia, dolore, angoscia, solitudine, fotografando schermi sui quali vengono trasmesse immagini. Più i pixel sono colorati, più la scena è cruenta: il rosso è vivo, il verde splendente, l’azzurro intenso come l’oceano. L’artista fissa nelle fotografie lo scorrere delle immagini decodificandole attraverso un linguaggio scarno, le cui sillabe sono il susseguirsi dei pixel, fornendo così allo spettatore uno strumento di lettura diverso, ma profondamente introspettivo.

Penelope (nome d’arte di Chiara Cocchi), presenta i suoi “Star Gate”, esposti alla 57° Biennale d’Arte a Venezia. Essi sono realizzati attraverso l’interazione di vetri e specchi speciali che opportunamente assemblati creano un tunnel infinito illuminato da led. Le opere esprimono una perfetta interazione tra arte e scienza, in quanto comprendono l’infinto della natura attraverso la riproduzione delle mappe stellari, ma allo stesso tempo immergono lo spettatore in una nuova dimensione creata grazie a materiali dotati di caratteristiche fisiche peculiari.
Angelo Morucci & Mario Venturini portano nel mondo dell'arte le più avanzate tecniche futuristiche del design.
Le forme avanzate, impensabili senza la loro tecnologia, provengono da un insieme di leghe speciali che parlano di Formula 1 e di aerospaziale.
Queste sculture brillano come uno specchio e interagiscono con lo spazio e lo spettatore. La superficie delle loro sculture, liscia come la pelle, incorpora l’aspetto della leggerezza nella solidità di un blocco unico lavorato con estrema cura per i dettagli con punte diamantate ad altissima precisione.
Nel 2010 partecipano alla XII Biennale di Architettura di Venezia (trovando gli apprezzamenti del noto archistar Tom Wright, progettista-designer del grattacielo simbolo di Dubai, Burj Al Arab/la Torre degli Arabi). Nello 2011 a Padova gli artisti omaggiano Giotto creando la scultura monumentale “Congiunto all’Universo” che viene collocata in permanenza nel giardino del Complesso degli Eremitani a fianco la Cappella degli Scrovegni. Nel 2013 viene realizzata per i campionati del mondo di sci l'opera sonora "Chi scia sa volare", esposta in importanti istituzioni tra le quali il Mart di Rovereto, la sede del C.O.N.I. a Roma, per trovare definitiva collocazione al museo della F.I.S. in Svizzera.

“Starman”, dunque, è il percorso espositivo all’insegna della passione, dell’arte, della tecnologia e del design, da vivere e in cui lasciarsi coinvolgere.

Lo staff della Galleria Di Paolo Arte Moderna & Contemporanea sarà lieta di ricevere i visitatori nei seguenti orari:
lunedì – sabato 11-13 / 16-20 (domenica e fuori orario, su appuntamento).

11 ottobre - 8 novembre 2018

opening giovedì 11 ottobre alle ore 19.00

L'Artista sarà presente

Inaugurazione: giovedì 27 settembre, ore 17.00-21.00

Durata: dal 27 settembre al 1 dicembre 2018

Una sorta di vita parallela.

Alla sua seconda personale nello spazio di CSA Farm Gallery, Julien Cachki ci presenta la sua ultima intrigante ricerca dal titolo #START PRIVATE SHOW#.

Éric Blanc ha scritto: “L’artista può quindi essere estromesso, può svanire, sparire del tutto, l’opera è diventata realtà”.

Questo è il pensiero portante dell’opera di Julien Cachki, l’evanescenza della figura dell’artista si confonde con lo sfumato della realtà virtuale, in un gioco continuo tra realtà vissuta e realtà possibile.

Le velature create con i suoi “bianchi” rendono la visione dell’opera come se ci trovassimo dietro ad un vetro appannato, creando una netta separazione tra due mondi differenti ma identici.

Egli crea, in questo modo, una sorta di vita parallela.

Questa sua ricerca, iniziata molto tempo fa, ha visto interpreti personaggi di tutto il mondo, dall’Europa agli USA.

Figure riprese a propria insaputa da telecamere di sicurezza nelle stazioni della metro, negli aeroporti, webcam stradali o locali pubblici, fissate negli atteggiamenti più comuni e naturali della vita quotidiana, durante il pranzo, oppure mentre postano un selfie sulla rete o in coda in una bakery.

Oggi presenta una serie di dipinti sul mondo del “sesso on line” dipingendo giovani donne durante lo svolgimento della loro attività.

Noi siamo lì per loro e…loro per noi.

A cura di: Marcello Corazzini.

Orari galleria: Mercoledì - Sabato, dalle ore 16 alle 19.30

Chiuso Lunedì, Martedì e festivi.

Altri orari su appuntamento

Inaugurazione: venerdì 05 ottobre, ore 18.00

Date: dal 6 al ottobre 2018

…posso dire di aver vissuto nei caffè, che divennero infatti un universo di riferimento della mia pittura fin dall'inizio degli Anni Trenta. Naturalmente conoscevo i dipinti di Toulouse-Lautrec, di Monet e di Renoir; così come conoscevo quelli dei maestri parigini degli Anni Dieci. Però da allora molta acqua era passata sotto i ponti della Senna, come del Naviglio. E si trattava, piuttosto che ripetere il naturalismo dei grandi contemporanei francesi, di ricreare in pittura il caffè, di restituire alla tela un sogno incendiato di colori.......(Aligi Sassu, Un grido di colore, autobiografia, Todaro Editore, Lugano 1998)

Note biografiche

ALIGI SASSU nasce a Milano il 17 luglio 1912, trascorre l'infanzia tra Thiesi e Milano. Date le difficoltà economiche della famiglia, abbandona la scuola per lavorare come apprendista in un'officina litografica e come aiutante di un decoratore murale. Insieme all'amico Bruno Munari, con cui firmerà il manifesto della pittura Dinamismo e riforma muscolare, viene a sapere che Filippo Tommaso Marinetti avrebbe incontrato giovani artisti all'Hotel Corso: si presenta mostrandogli i disegni su Mafarka il futurista, opera di Marinetti stesso. La sera successiva, durante una manifestazione, Marinetti li indica come "due giovani promesse dell'arte italiana" e nel 1928 invita Sassu (appena sedicenne) a mandare due opere alla Biennale di Venezia: Nudo plastico e l'Uomo che si abbevera alla sorgente, opere che saranno notate e recensite dalla critica. Si iscrive nel frattempo ai corsi serale dell'Accademia di Brera, stringendo amicizia con Lucio Fontana, Renato Birolli, Umberto Lilloni e Giacomo Manzù, col quale dividerà lo studio di piazzale Susa. Lasciata l'Accademia per motivi economici, frequenta la Libera Accademia l'Avanguardia Artistica, aperta dal gallerista Barbaroux. Partecipa alla mostra Trentaquattro pittori futuristi alla Galleria Pesaro di Milano (1927), alla collettiva inaugurata presso un dopolavoro in via Piero della Francesca e poi trasferita al ridotto del Teatro degli Arcimboldi su interessamento di Ettore Gianferrari (1929), alla galleria Milano con presentazione di Raffaello Giolli (1930) e alla galleria il Milione nella mostra Opere e studi di artisti lombardi organizzata da Edoardo Persico. Si allontana progressivamente dal Futurismo e, in antitesi con Novecento, inizia un filone primitivista che lo porterà poi alla serie dei Ciclisti e degli Uomini Rossi. 

Nel 1932 espone con Birolli, Cortese, Grosso, Manzù e Tomea alla Galleria del Milione, iniziando a dipingere opere di tema sacro e le Battaglie. Nel 1934 soggiorna a Parigi, dove tornerà anche l'anno successivo, approfondendo lo studio della pittura di stampo classico realista, e accrescendo il suo impegno politico, in particolare antifranchista che lo porterà a dipingere la Fucilazione delle Asturie, sorta di manifesto dell'opposizione europea al fascismo. Inizia a dipingere i caffè, ispirati alla catena Chez Dupont appena inaugurata. Tornato in Italia frequenta Birolli, De Grada, Guttuso, Migneco, Mucchi: nasce tra di loro un clima particolari che darà vita qualche anno dopo al movimento intellettuale di Corrente. Ma è la sua attiva partecipazione ad azioni di disturbo e alla diffusione di stampa clandestina, che lo porterà ad essere arrestato dall'OVRA nel 1937. Accusato di complotto e sovvertimento dell'ordine di Stato, viene condannato a dieci anni di reclusione. Dopo i primi sei mesi di isolamento, solo quando viene trasferito nel carcere di Fossano gli viene concesso di disegnare: nascono più di quattrocento disegni, in gran parte ritratti di detenuti e disegni mitologici, ma anche la serie della Morte di Cesare, metafora della fine del fascismo. Nel 1938 grazie alle pressioni politiche del padre Antonio, di Marinetti e del dottor Veratti, riceve la grazia dal Re e vivrà come soervgliato speciale fino al 1940. Continua comunque a dipingere opere di opposizione come Spagna 1937, La morte di Cesare e diverse Crocefissioni. Nel 1941 allestisce una personale nella Bottega di Corrente, dove espone per la prima volta gli Uomini rossi. Soggiorna ad Albisola dedicandosi all'attività di ceramista, e sposa Fernanda, da cui ha la figlia Maria Antonietta. Nel 1944 inizia il ciclo delle Maison Tellier, ispirate all'omonima novella di Guy de Monpassant, ma è un periodo di grande sofferenza: perde, a causa di una meningite, l'adorata figlia e solo qualche mese più tardi assiste in prima fila alla fucilazione di Martiri di Piazzale Loreto. In soli due giorni, riutilizzando una tela su cui aveva già finito un Ciclista, dipinge l'opera omonima. Entra in una profonda crisi, da cui uscirà grazie all'intenso lavoro e alla sperimentazione di nuove tecniche, in particolare lavorando prima a Castel Cabiaglio e poi ad Albisola alla ceramica.

Nel 1948 espone per la terza volta alla Biennale di Venezia, dove tornerà anche nel 1954, nel 1956, e negli anni successivi allestisce personali a Genova, Losanna, Madrid, Nizza, Stoccolma, Parigi e Lugano. Partecipa inoltre alla Quadriennale di Roma nel 1959, alla XII Triennale di Milano e alla mostra storica di Corrente da Gianferrari nel 1960. Nel 1964 apre uno studio a Mallorca, iniziando quella che Dino Buzzati chiamerà la sua nuova giovinezza, grazie anche alla sua nuova compagna di vita, la soprano colombiana Helenita. Nel 1973 si dedica a scene e costumi dei Vespri siciliani per la riapertura del Teatro Regio a Torino e si inaugura in Vaticano la Galleria d'Arte Moderna, dove gli viene dedicata una sala.
Segue un'attività espositiva ricca di impegni e di riconoscimenti, tra cui si segnalano le antologiche di Cagliari nel 1967; a Palazzo Diamanti di Ferrara, a Castel Sant'Angelo a Roma e a Palazzo Reale a Milano nel 1984; a Monaco di Baviera e al Castello di Rivoli nel 1987, a Palau Robert di Barcellona nel 1989 e a Palazzo Bandera di Busto Arsizio nel 1991. Altre esposizioni avvengono in quel periodo a Siviglia e in Germania, l'anno dopo a Madrid e in Canada dove una mostra itinerante sui Promessi sposi viene presentata a Toronto, Montreal e Ottawa. Nel 1986 espone a Palma di Mallorca, alla XI Quadriennale di Roma, alla Triennale di Milano e alla Casa del Mantegna a Mantova. Completa le centotredici tavole sulla Divina commedia, tre delle quali vengono acquistate dal Museo Puskin di Mosca. A Monaco di Baviera, viene inoltre allestita una grande antologica con opere dal 1927 al 1985. Nel 1992, ottanta dipinti celebrano gli ottanta anni del Maestro con antologiche a San Paolo, Bogotà e Buenos Aires. Nel 1993 inaugura I Miti del Mediterraneo, grande murale in ceramica per la sede del Parlamento Europeo a Bruxelles, e l'anno successivo esegue la cartella di incisioni Manuscriptum, commissionata dall'Armand Hammer Foundation di Los Angeles in occasione della mostra itinerante "I ponti di Leonardo".
Nel 1995 la Galleria d'Arte Moderna e Contemporanea di Bergamo ospita la personale Sassu. Dal 1930 a Corrente, nel 1999 viene presentata un'ampia antologica a Palazzo Strozzi a Firenze, mentre la città di Lugano organizza Sassu Futurista (1999), Sassu primitivista (2000), Sassu e gli uomini rossi (2001), Maison Tellier (2008) presso il Museo Civico di Belle Arti. Nel 2008 una grande antologica dal titolo Aligi Sassu: dal mito alla realtà. Dipinti degli Anni Trenta viene ospitata a Palazzo Reale a Milano.
Aligi Sassu muore la sera del suo ottantottesimo compleanno, il 17 luglio 2000, nella sua casa di Can Marimon a Pollença.

GIAMPIERO BIASUTTI

Studio d’arte per il ‘900

Via della Rocca,10 – 10123 Torino

Tel. e Fax 011 83 90 690

Orario: dal martedì al sabato,

ore 10,30-12,30; 15,30-19,30              

SGUARDI AL NOVECENTO

28.09 - 27.10.2018

Inaugurazione: Giovedì 27 settembre 2018, ore 18.30

Dopo una stagione espositiva dedicata all’arte astratta e alla gestualità al centro del processo creativo, la mostra ‘Sguardi al Novecento’ segna un ritorno al figurativo, concentrandosi su alcuni artisti che hanno segnato un momento straordinario nella storia dell’arte.

Inserendosi nel clima del “ritorno all’ordine” che segna il terzo e quarto decennio del XX secolo dell’arte italiana, le pennellate decise dei paesaggi di Carrà verranno messe a confronto con quelle dei luoghi dal sapore metafisico di De Chirico, le nature morte dai colori vibranti di de Pisis con le composizioni uniche di Severini.

Vernissage:SABATO 6 OTTOBRE 2018, ore 18 - 21

Periodo: 7 Ottobre – 10 Novembre 2018

Catalogo: con testo critico bilingue a cura di Alessandra Redaelli, Edizioni PUNTO SULL’ARTE

La solitudine, la riflessione sull’identità e l’indagine intorno allo spazio che occupiamo nel mondo sono al centro della doppia personale SOLILOQUIO- VERNISSAGE 6 OTTOBRE H 18-21. Protagonisti, due degli artisti più amati dal pubblico di PUNTO SULL’ARTE, entrambi stranieri: il pittore cileno FEDERICO INFANTEe lo scultore svedese JOHANNES NIELSEN.

Rispetto alla sua mostra precedente, Infante sembra qui aver portato all’estremo la dicotomia tra la figura centrale dell’opera e lo spazio che la circonda. Gli sfondi, infatti - realizzati con un’originale tecnica profondamente istintiva - vanno facendosi più e più incerti, talvolta attraversati da segni astratti dall’andamento circolare, mentre le figure si cristallizzano in una visione dettagliata, ben definita, caratterizzandosi addirittura nei particolari dell’abbigliamento. Resta intatto il senso latente della solitudine, della malinconia, sia nelle figure che si allontanano di spalle, sia in quelle che si pongono frontali, assertive, ma che ci negano lo sguardo abbassandolo o nascondendolo dietro occhiali da sole. Anche Nielsen porta in mostra l’evoluzione più recente del suo lavoro, che dall’indagine sull’uomo va spostandosi verso l’esperienza del corpo. Le sue figure esili, di suggestione giacomettiana, vanno spezzandosi e ricomponendosi in giochi spaziali che ricordano le sperimentazioni di Antony Gormley. Ecco allora le figure crivellate di buchi, che rivelano parti mancanti come se fossero state cancellate con un tratto di gomma; divise in due per il lungo come metà separate da un colpo di spada. O ancora spezzate e ricongiunte al contrario, due metà in contrasto come Dr. Jekyll e Mr. Hyde, oppure un individuo spezzato nell’incessante ricerca della sua identità e del suo ruolo nel mondo.

JOHANNES NIELSEN nasce nel 1979 a Falkenberg (Svezia). Dopo aver frequentato la Scuola d’Arte di Lund, si trasferisce a Dublino nel 2003, dove assume il ruolo di assistente del famoso scultore Patrick O’Reilly, grazie al qualeaffinerà la sua pratica scultorea. Le sue sculture sono opere leggere e filiformi caratterizzate da un minimalismo estetico che trasmette essenzialità e movimento. I suoi modelli d’eccezione sono gli alberi, dalle cui forme prende ispirazione per plasmare la vita, le braccia e le gambe dei suoi soggetti. Il risultato sono figure stilizzate, in perfetta mimesi figurale con la natura, che ricordano atmosfere cariche di suggestioni, tese a ricordarci che tutto è unicamente e inevitabilmente temporaneo. Ha partecipato a numerose fiere e mostre nei paesi scandinavi e in Asia. I suoi lavori fanno parte di numerose collezioni pubbliche e private in Svezia, Italia, Londra, Singapore, Hong Kong, Pechino, Kaliningrad, Hollywood, New York e Montreal. Vive e lavora a Pechino (Cina) dal 2007.

FEDERICO INFANTE nasce nel 1982 a Santiago (Cile) dove frequenta la Finis Terrae University. In seguito si traferisce a New York per seguire i corsi della School of Visual Art.Cresciuto a stretto contatto con il paesaggio cileno, ha sviluppato fin da giovanissimo un forte senso di contemplazione. Ogni suo dipinto segue un personale processo d’intuizione creativa: inizia con l’atto metodico ed espressivo di ricoprire la tela con diversi strati di pittura, graffiandola e ripetendo questo processo molte volte. Solo in seguito inizia a visualizzare le situazioni, i paesaggi e i punti di luce all’interno della tela cercando un’atmosfera suggestiva e fertile per l’elemento figurativo del dipinto. Ha realizzato numerose mostre personali e collettive di successo negli Stati Uniti, in Cile e in Italia. Il suo lavoro fa parte di collezioni private negli Stati Uniti, in Europa (tra cui Francia, Belgio, Germania e Italia), in Arabia Saudita e a Singapore. Nel 2015 ha illustrato l’Edizione di “Lolita” di Vladimir Nabokov pubblicata da The Folio Society.Vive e lavora a Richmond (Virginia - USA).

Luogo:

PUNTO SULL’ARTE, Viale Sant’Antonio 59/61, Varese

0332 320990 |  

Orari:

Martedì - Sabato: h 10-13 e 15-19

Domenica h 15-19

Stephen Rosenthal

Islands, Archipelagoes, Constellations

works on canvas and paper 2006-2018

P420 è felice di annunciare la prima mostra personale in galleria del pittore americano Stephen Rosenthal (Washington D.C., 1935) e l’inizio della collaborazione con l’artista.

La mostra, articolata su entrambe le sale della galleria, presenta gli ultimi due cicli pittorici dell’artista, sviluppati nell’ultima quindicina d’anni. Attivo già dalla fine degli anni ’60,  dopo quasi un cinquantennio di ricerca sul fare pittura, con gli ultimi lavori Rosenthal raggiunge risultati di riduzione e astrazione unici e non convenzionali.

Nella prima sala è presentato un ciclo di opere formato apparentemente da monocromi bianchi. Si tratta in realtà di pitture discrete ed elaborate, prevalentemente chiare, di un biancore quasi trasognato. Bagliori dai quali emergono piccoli segni, eventi, suggestioni, ricordi di qualcosa che si perde nella luce del tempo.

Nella seconda sala sono esposti i lavori più recenti di Rosenthal, realizzati negli ultimi dieci anni. Non è quello che il pittore mette nel dipinto a produrre il risultato. Quello che infatti Rosenthal dipinge su tela fa più parte della preparazione che della realizzazione dell’opera. L’atto del dipingere è solo la prima fase.

Barnett Newman diceva “Un artista dipinge per avere qualcosa da guardare”. Il mondo è già pieno di immagini, non ci sarebbe bisogno di aggiungerne altre, ma l’immagine che l’artista vuole vedere non è tra quelle che si presentano alla vista. Per usare le parole di Barry Schwabsky, autore del testo critico che accompagna la mostra, per cominciare a fare spazio al dipinto che vuole vedere, Stephen Rosenthal deve cancellare ciò che ha già visto.

Utilizzando stracci e solventi, con un fare lento, meditativo, creativo, Rosenthal rimuove la sua stessa pittura e cancella ogni riconoscibilità al dipinto. Con un procedimento che può durare mesi, l’artista realizza quello che Samuel Beckett chiamava Lessness. Si tratta di uno strano stato in cui l'assenza o l'intangibilità sembrano in qualche modo diventare qualità percepibili in senso positivo.

Rosenthal cancella ma non elimina tutto. La mano dell’artista lascia sopravvivere cenni di colore, ricordi di segni, grumi di pittura, lisciati e arrotondati da un solvente che non è riuscito a eliminarne ogni traccia. Macchie, sbavature, elementi che tendono a essere il più possibile sfuggenti e allo stesso tempo tangibili nel senso più letterale del termine. Eventi. Sbiaditi ricordi.

Ciò che vediamo nelle pitture di Rosenthal, in perfetto equilibrio tra volontà e casualità, non è ciò che egli ha dipinto, ma quello che è rimasto, che è sopravvissuto ad un lungo processo di erosione.

 “Sono costellazioni” dice lo stesso Rosenthal, “ma non necessariamente stelle”.

Stephen Rosenthal, già attivo a New York dalla seconda metà degli anni '60, ha esplorato fin dall'inizio un'indagine di riduzione della pittura attraverso una ricerca del lavoro realizzato su tele sprovviste di telaio, fino agli ultimi Microcosmidel periodo recente. Ha avuto mostre personali sin dagli anni ‘70 alla John Weber Gallery, New York; Art & Project, Amsterdam; Daniel Templon, Parigi. Ha esposto allo Stedelijk Museum, Amsterdam; alla Kunsthalle, Basel; PS1, New York; La Jolla Museum of Contemporary Art, California; Städtisches Museum, Leverkusen; Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris; Institute of Contemporary Art, Philadelphia per citarne alcuni. Sue opere sono nelle collezioni permanenti del MoMA, New York; Stedelijk Museum, Amsterdam; Museum of Contemporary Art, San Diego; Herbert Johnson Museum of Art, Ithaca; Albright-Knox Art Gallery, Buffalo; Aldrich Museum of Contemporary Art, Ridgefield e nella collezione Vogel, New York.

E’ in corso di preparazione una monografia con testi inediti di Barry Schwabsky e Davide Ferri    

Opening: martedì 25 settembre 2018

Fino al 26 ottobre 2018

Officine Saffi è lieta di inaugurare la stagione espositiva con la prima mostra personale in galleria di Irina Razumovskaya.

Irina Razumovskaya nasce a Leningrado, in URSS, nel 1990. Pur se troppo giovane per appartenere alla generazione della Ostalgia, la ventisettenne scultrice sembra subirne un fascino discreto. L’attrazione per una bellezza non comune, per l’inatteso, la portano a descrivere nelle sue opere i profili essenziali di oggetti domestici, di parti di macchinari, o ancora dettagli di edifici con tutte le loro possibili sfumature di granulosità. Nella sua prima personale milanese intitolata Inner Geometry, Irina Razumovskaya presenta un corpus di nuovi lavori in ceramica che arricchiscono la sua riflessione sul tema del deperimento della materia, cercando di far emergere i sottili legami emozionali che pervadono la sua pratica artistica volutamente anti narrativa. «Sperimento molto con le superfici - dice l’artista - nell’intento di riprodurre l’invecchiamento delle strutture architettoniche, evocando la sensazione di strati di vernice scrostata o della pietra che si sgretola lentamente».

Proprio per rafforzare il legame concettuale con l’architettura, sperimenta materiali per lei nuovi come il cemento; nella serie Construct combina forme in ceramica sabbiata con superfici in calcestruzzo, creando una tavolozza monocroma di grigio. In questo lavoro riecheggia l’intima impressione che si può avere di un paesaggio urbano «quando questo muta in un'esperienza tangibile grazie alla stratificazione di dettagli e sfumature».

Con Inner Geometry, Irina Razumovskaya colleziona immaginari reperti provenienti da oniriche rovine contemporanee, edificate su visione di forme e simboli inconsci, ribadendo così la sua ferma convinzione che il lirismo consista più nel celare che nello svelare e che l’arte trovi la sua massima espressione “tra le linee” di una poesia, tra le crepe della ceramica, nel mistero, nel suo pieno senso etimologico di ciò che non deve - o non dovrebbe - essere rilevato.*

*Estratto dal testo critico di Fabrizio Meris

IRINA RAZUMOVSKAYA

Irina Razumovskaya nasce nel 1990 a Leningrado, URSS (poi San Pietroburgo). All'età di cinque anni entra nella Kustodiev Art School e da allora non ha mai smesso di dedicarsi all'arte. Nel 2008 si iscrive al dipartimento di Fine Art Ceramic and Glass della State Academy of Art and Design e partecipa all’Hermitage Museum Lecture Art Program. Irina si diploma al prestigioso Royal College of Art di Londra nel 2017 e nel frattempo ha vinto diverse residenze in Cina, Germania, Spagna, Svizzera, USA, Ungheria e Taiwan. Irina è rappresentata da diverse gallerie internazionali e le sue opere sono esposte al Design Museum di Londra in occasione del Loewe Craft Prize 2018, a Chatsworth House, all’Yingge Ceramics Museum di Taiwan e all’Icheon World Ceramic Center in Corea e presso il Modern Art Museum di Yerevan, Armenia.

OFFICINE SAFFI

Officine Saffi è un centro di ricerca specializzato nella ceramica contemporanea. Il progetto comprende la Galleria che organizza e promuove mostre personali e collettive di artisti contemporanei e maestri del passato. Il Laboratorio dove vengono organizzati corsi e workshop, oltre ad accogliere produzioni di artisti e designer, le Residenze d’artista e la Casa Editrice che pubblica cataloghi d’arte e la rivista trimestrale Fragile. Completa il progetto il concorso biennale Open to Art, dedicato alla ceramica contemporanea d'arte e di design.

Dal 15 al 29 settembre 2018, la Galleria Biasutti & Biasutti presenta nelle proprie sale espositive una mostra dedicata a Maurizio Rosati (Torino, 1946), cronista fotografo, come lo definisce Giorgio Levi, nel testo di presentazione della mostra. Venti scatti in bianco e nero illustrano la città di Torino, tra la metà degli anni Settanta e l'inizio degli anni Ottanta, fissando sulla pellicola i luoghi più conosciuti, come la vecchia Stazione del Lingotto, o i Murazzi, ed altri meno riconoscibili, perchè trasformati inevitabilmente dal tempo. Questa rassegna ci riporta ad osservare la Torino di quegli anni con nostalgia, e come aggiunge Levi:" la Torino che allora avevamo davanti agli occhi, in quegli anni di piombo, senza riuscire a vederla e forse a capirla". L'esposizione, avendo intento benefico, andrà a sostenere la Fondazione La Stampa - Specchio dei tempi, che da 70 anni aiuta le persone in difficoltà: dalla ricostruzione delle scuole dopo i terremoti, alla ristrutturazione di ambulatori ed ospedali, a Torino e nei paesi più poveri del mondo. Sostiene la ricerca contro il cancro e finanzia progetti per la salute e la formazione dei ragazzi.

Preview | 7 Settembre 2018 _ ore 18:00

Date | 8 Settembre - 13 Ottobre / 2018

Orari mostra |Lunedì-Sabato / 10:00–13:30 & 14:30–19:00

La Galleria Eduardo Secci è lieta di inaugurare, Venerdì 7 Settembre 2018 dalle ore 18.00 nella sede espositiva di Piazza Goldoni, la mostra personale di Paolo Grassino a cura di LórándHegyi.

Le sale della Galleria Eduardo Secci ospiteranno tre grandi opere, due delle quali site-specific e completamente inedite; ognuna caratterizza da un soggetto differente, ma ricorrente, nella tematica di Grassino: gli insetti, l’uomo e gli animali, uniti tutti da un unico fil-rouge: quello della crudeltà della condizione dell’esistenza.

La prima sala ospiterà l’installazione Per sedurre gli insetti, realizzata con cavi elettrici e ferro. In questa istallazione site-specific del tutto inedita, la dinamicità brutale che trasmette l’opera è dovuta all’articolazione disordinata di fili di ferro, annodati in un nucleo centrale di bozzoli scuri “abitati” da insetti che, attirati dalla luce del lume, sono inevitabilmente condannati a morte. L’installazione si fa materia della metafora della società attuale, in bilico tra precarietà e indifferenza.

La seconda sala ospiterà Serie Zero che vede come protagonista l’uomo rappresentato come un guscio, svuotato della sua identità e del suo corpo. Il vuoto, tuttavia, contiene in sé una metamorfosi, un rinnovamento che si manifesta con una ramificazione che si apre nello spazio verso lo spettatore. Grassino sembra voler riprendere in chiave contemporanea Le Metamorfosi di Ovidio e, in particolare, il mito di Dafne, la ninfa che si trasforma in alloro per sfuggire ad Apollo.

Tumulto è il titolo dell’installazione della terza sala (anch’essa verrà presentata in una forma inedita e mai vista prima) è un’opera che riprende uno dei temi ricorrenti di Paolo Grassino: come per Analgesia, il soggetto della rappresentazione è un branco di cani neri. Il cane, compagno dell’uomo, ha perso i sensi ed è rappresentato senza orecchie, senza coda e senza alcun tratto distintivo, tale da ritornare ad una condizione larvale e primitiva dove l’istinto prevale sulla ragione.

Da molti anni l’impegno dell’artista Paolo Grassino è teso a evidenziare, approfondire e propagare senza compromessi il messaggio poetico insito negli strati di significato immaginari, evocativi, connotativi, delle sue espressioni plastiche. La percezione delle realizzazioni scultoree con la loro sistemazione di stampo drammaturgico suggerisce inoltre una narrazione immaginativa enigmatica, estremamente densa, spesso cupa, che tocca il fruitore nel suo profondo. Questa narrazione magica, incantata, enigmatica, patetico-drammatica e al contempo intrigante e sconcertante, dai toni quasi fiabeschi, si apre ai nostri occhi in modo improvviso e sorprendente, veemente, irresistibile, naturale, ma ugualmente inquietante, inspiegabile, misterioso. Questo divenire sensuale e concreto, immediatamente percettibile, custodisce un segreto enigmatico, poiché le forze interne, che muovono le figure, collegandole o mettendole in conflitto, continuano a essere recondite e invisibili.

La riflessione sulla condizione umana è uno dei concetti da cui prendono forma i suoi lavori ed è il fattore chiave che permette di instaurare un dialogo tra l’opera e il fruitore. La suggestione e la carica emotiva che trasmettono le sue opere si devono alla loro dimensione drammatica e inquietante che inducono lo spettatore a volersi relazionare con la scultura per comprenderne l’intensità e farsi carico di uno spettacolo intriso di malinconia. L’impatto con l’opera, infatti, suscita una molteplicità di sensazioni fino a tessere una trama narrativa dalle note drammatiche, tetre, toccanti e selvagge che incontrano l’Io più profondo di chi osserva.

L’osservatore si rapporta dunque a un episodio misterioso, enigmatico, bizzarro, esterno e inspiegabile, che però racchiude in sé un denso groviglio dalle connotazioni talmente emozionali e così ricco di associazioni, che l’intera scena plastica con la sua fisicità forte, quasi monumentale, con la sua accentuata materialità, il suo dinamismo, la sua sensualità e la sua schiacciante espressività, sembra essere qualcosa di noto, di quasi naturale, qualcosa che proviene dalla nostra interiorità. L’insieme di questi gruppi scultorei trasporta un’atmosfera eccessiva, psichedelica, e parallelamente una realtà magica, incantata, improbabile, che si propone però ugualmente come realtà esistente, tangibile, immediata. Quest’ambiguità colma l’operato di Paolo Grassino di un’indeterminatezza poetica, di un’incertezza, che provoca a sua volta un’insicurezza destabilizzante ed evoca qualcosa di invisibile, di inafferrabile, di mistico, che non possiamo allontanare da noi stessi, poiché vive nel nostro profondo.

Paolo Grassino è nato a Torino nel 1967, dove vive a lavora. Recenti mostre personali includono: Paolo Grassino & Luigi Mainolfi, Casa Fiat de Cultura, Belo Orizonte, Brasile; Analgaesia, Museo d’Arte Contemporanea, Castello di Rivara, Torino; Magazzinoscuro, MAC | Museo d’Arte Contemporanea, Lissone, Milano (2015); Ciò che resta, a cura di Daniele Capra, Marco Meneguzzo, Eduardo Secci Contemporary, Firenze (2014); Percorso in tre atti, Museo Pecci, Milano (2013); La oscuridad en la luz, IIC|Istituto Italiano di Cultura, Palacio de Abrantes, Madrid (2013); Atmosphere, Paolo Grassino e Pierluigi Pusole, Fondazione 107, Torino (2012); 2000… 201, Castello di Rivalta, Torino (2010); Contaminazioni, Pinacoteca Albertina, Torino (2010). Recenti mostre collettive includono: SPSI Art Museum, Shanghai a cura di IGAV (2015); Arti alle corti, Palazzo Cisterna, Torino (2015); 1985-2015, Museo d’arte italiana, Centro d’arte contemporanea, Castello di Rivara, Torino (2015); Icastica, Arezzo (2015); Il collasso dell’entropia, MAC|Museo d’Arte Contemporanea, Lissone, Milano (2014); Il giardino segreto, a cura di Lia De Venere, Castello Svevo, Bari (2013); Nelle terre di Piero. Omaggio a Manzoni, Palazzo Barbò, Torre Pallavicina, Bergamo (2012); Rewritingworlds. 4°, Moscow Biennale of Contemporary Art, Mosca (2011).

Ufficio Stampa

Ottavia Sartini

T. (+39) 055 661356

 OPENING: SEPTEMBER 20, 6-9 PM

DATES: SEPTEMBER 21 – NOVEMBER 8, 2018
FEDERICA SCHIAVO GALLERY MILANO
VIA MICHELE BAROZZI 6, 20122 (MI)
TUE – SAT, 12-7 PM

Federica Schiavo Gallery presenta Palookaville, personale dell’artista americano Todd Norsten in galleria. Il titolo è tratto da una citazione di Terry Malloy, interpretato da Marlon Brando, nel film On the Waterfrond (1954). Il protagonista, che combatte per l’emancipazione dei lavoratori, lamenta di aver ottenuto un misero biglietto di sola andata per Palookaville, luogo dove approdano coloro che lavorano con dedizione una volta che il sistema li ha consumati. Palookavile, termine informale che si diffonde negli anni Cinquanta in Nord America, indica infatti un’immaginaria città patria dei mediocri e degli incompetenti.

Durante i suoi innumerevoli viaggi, Todd Norsten nutre un archivio fotografico di segni trovati: cartelli stradali e informativi, insegne, loghi e graffiti. Li considera esempi anonimi di inconsapevole maestria e indicatori del bisogno viscerale di comunicare, che porta l’uomo a produrre costantemente immagini e parole. Trova sorprendente quanto intimi possano essere i messaggi scritti a mano negli spazi pubblici, in un mondo in cui la cui comunicazione è per lo più digitale.

 L’artista si appropria di queste tracce trovate, le rimuove dal contesto originario e le priva del loro significato letterale e della loro funzione. Questo processo di rielaborazione concettuale è legato a doppio filo con l’abilità tecnica di Norsten e la sua approfondita conoscenza della storia dell’arte. Il risultato è un corpus di dipinti in cui coesistono la sintesi della Minimal Art, l’appropriazionismo della Pop Art e l’illusione del trompe-l’oeil.

 Il mondo è allo stesso tempo una meraviglia da ammirare e un incubo dal quale nascondersi. La pittura è il modo più umano per osservare questo paradosso.

 Vorrei aggiungere che i miei quadri non sono ciò che sembrano ad un primo sguardo. Vorrei che chi li osserva noti il modo in cui sono dipinti e il modo in cui viene trattata la pittura e che questa osservazione permetta alle opere di esplicitarsi progressivamente nel tempo.

 Molte volte i dipinti nascono dalle mie fotografie, che spesso documentano il fondamentale bisogno umano di esprimersi. Negli Stati Uniti personalizzare t-shirt, bumper sticker o tazze da caffè con i propri simboli costituisce un mezzo d’espressione comune, tra la gente. Mi interessa più la necessità di esprimersi, rispetto a ciò che si esprime. Questo impulso è lo stesso dei nostri antenati che decoravano le caverne: per me è ciò che ci rende umani.

Todd Norsten

Vernissage: sabato 15 settembre, dalle 16.30

Fino al 12 ottobre 2018

La galleria Colossi Arte Contemporanea apre la stagione autunnale con la mostra personale dedicata all’artista milanese Daniela Forcella -Bellano (Lc), 1959- dal titolo Luoghi dell’anima. In esposizione, un’ampia selezione di lavori che offre un saggio esaustivo dell’evoluzione della ricerca estetica dell’artista che trova, nella forma simbolica del cuore, pulsante di vita, un’icona universalmente riconoscibile il fulcro sul quale si incentra la sua poetica, già dalla prima esposizione alla quale è stata invitata a partecipare nel 2007, l’evento benefico a favore delle iniziative dell’Unicef, svoltosi alla Triennale di Milano e conclusosi con un’asta da Sotheby’s.

Dopo il successo della personale Cartografie, allestita all’interno della Biblioteca del Temenza, sede del Centro Studi e Documentazione della Cultura Armena, storica sede del Padiglione Armenia, nel contesto della 57° Biennale di Venezia, nel 2017, le opere appartenenti al filone espressivo dal quale prende il titolo la mostra, che rappresenta il culmine della sua maturazione spirituale e stilistica, approdano a Brescia, nella sede della galleria Colossi, in Corsia del Gambero, nel cuore del centro storico della città.

In queste opere, l’artista opera una trasformazione allegorica della materia, lavorando per sottrazione e scavando, sulla superficie monocroma bianca o nera di sezioni tridimensionali di legno, una mappa esistenziale che ricorda i rilievi altimetrici degli altipiani, la incide con profondi solchi, dislivelli plastici, metafora dei profondi segni lasciati dalle esperienza esistenziali, dalle circostanze della vita nello spirito dell’uomo. Si crea così, una “stratigrafia” emozionale conformata in bassorilievi che si evolvono con un andamento concavo o convesso andando a definire la forma di cuori concatenati tra loro, tracciati dalle linee che definiscono il corpo delle curve di livello. Se illuminate con la luce di wood, queste opere rivelano, all’omino rosso palpitante, il viaggiatore, posto al centro delle fratture che suddividono la superficie in quattro sezioni, o in Frames, che bloccano un istante del percorso, la giusta via da seguire. Dal progressivo stratificarsi di segni ondulati incisi nella materia, emergono percorsi luminosi a forma di cuore oppure dall’andamento ondulato simile all’alveo di un fiume; essi costituiscono i segni strutturanti che rappresentano il sostrato costitutivo della realtà, le linee guida, vibranti di molteplici sfumature cromatiche luminescenti (il ciclo di lavori The Traveller, 2017), l’essenziale che prima era invisibile agli occhi. L’omino diventa metafora dell’umanità in cerca di risposte sui misteri dell’universo e della vita, alla quale Daniela Forcella mostra, con le sue opere, un bagliore di verità, come dimostra la sua partecipazione alla mostra Black Light Art. La luce che colora il buio, presso il Palazzo della Regione Lombardia di Milano, nel 2017. Questi tracciati luminosi rivelano l’essenza aristotelica, formatasi attraverso gli stadi di evoluzione della materia, durante la formazione della mappatura altimetrica dei solchi, metafora delle trasformazioni subite dallo spirito nel corso della vita. La luce, infatti, ha un valore simbolico di origine ancestrale, come fulcro della vita sulla terra, dal cristianesimo alle dottrine esoteriche, per arrivare alla filosofia aristotelica, secondo la quale essa è alla base dell’essere fisico animato e inanimato. Nei precedenti lavori dell’artista, la luce, come elemento primigenio, era una caratteristica intrinseca ad ogni singolo modulo strutturale che andava a formare la complessa architettura dei suoi lavori: il cuore di resina. All’interno di ognuna di queste miniature, prendono vita piccoli microcosmi in via di formazione, composti da frammenti in foglia oro, polveri luminescenti, pigmenti diluiti. Se, precedentemente, i cuori venivano sottoposti ad una ripetizione seriale di forme e colori in stile neo-Pop, come feticci plastificati del sentimento, impilati in teche su vecchie molle di materasso, oppure accanto a piccole sfere di vetro (Red e Blue Hearts’Game, 2015) che ricordano le biglie della nostra infanzia, attraverso un processo di purificazione formale, con le Cartografie essi diventano la rappresentazione icastica del processo di interiorizzazione dei ricordi. Ma, da sempre, essi rappresentano, comunque, il fulcro del nostro organismo, anche se soggetti alla mercificazione, anche se trasformati in prodotti del consumismo di massa dilagante ed esposti, nella loro versione plastificata, in teche, a comporre un “formulario di simboli universalmente leggibile”, come sostiene Alan Jones, nell’intervento critico della monografia, a cura di Viviana Lavinia Algeri, edita da Peruzzo Editore, dal titolo In viaggio che è disponibile in mostra. L’universo espressivo dell’artista oscilla quindi tra un immaginario ipertrofico e plastificato in stile neo-Pop che tende a fare dell’icona universale del cuore una riproduzione simbolica massificata, alle pratiche conservative e predatorie del Nouveau Réalisme, dove i cuori in resina vengono accatastati come preziosi cimeli accumulati nel corso di una vita in preziosi scrigni di plexiglass (Girls’s Dream Box, 2015), come avviene nelle Poubelles di Arman. Altre volte un cuore in schiuma poliuretanica viene esposto nell’atmosfera neutrale e atemporale di una teca da museo che smorza tutta la sua vitalità di organo pulsante di vita, come avviene nelle bacheche di Hirst (Nirvana, 2014). Ancora una volta, come avviene nelle Cartografie, è la luce, proveniente dalla base specchiante, a riportarne in vita l’essenza. Le sue rifrazioni sul cuore vengono colte da uno scatto fotografico che, inserito sulla superficie di un light box retroilluminato (Pulsation, 2017), proietta in una dimensione futuribile questa aura luminosa, espandendo la sua rifrazione all’infinito. Nella dinamica tra reale e artificiale, ancora una volta l’artista indica allo spettatore la via giusta per ritrovare la verità, soffocata dalle innumerevoli sollecitazioni visive che il linguaggio massmediatico veicola, come il cuore ibernato nel ghiaccio riprodotto con il metacrilato (Love gate, 2015). In una performance svoltasi in occasione del Fuorisalone, nel 2013, gli spettatori prelevavano brandelli di questo ghiaccio in cui era immerso un grande cuore in resina che l’ultimo fortunato riusciva ad accaparrarsi. Ritroviamo la stessa “natura plastificata” di questo organo vitale conservato sotto teca o ibernato, in ognuna delle piccole sculture in resina che l’artista ingloba in una colata di metacrilato trasparente (Body Fluid, 2015), nell’artificiosità della plastica, partendo da una profonda indagine sulla sedimentazione dei sentimenti e sulla loro rappresentazione in forme schematiche nella società contemporanea; il risultato è l’affastellarsi di piccoli elementi costruttivi, applicati anche sulla superficie esterna di cubi di plexiglass specchiante, impilati e ripetuti nei colori e nelle forme con una modularità aritmetica (Light Wall, Mirror Tower e Little Tower, 2015), come avviene nelle teche di plexiglass, ma sovrapposti e sfasati in sequenze strutturali di pixel ingigantiti, aperti su una nuova dimensione. La ricerca concettuale dell’artista l’ha portata a creare le nuove forme archetipiche della società multimediale che verranno sedimentate nella memoria dei posteri in una sequenza simbolica di cuori, come fossero piccole “emoticons” in un messaggio digitale, conservati in teche oppure applicati sulla dimensione della temporalità immanente di una superficie di plexiglass, come avviene nei Rooms of Love (2016). Qui, sulla superficie traslucida del plexiglass si crea una dimensione onirica, dove le coordinate spazio temporali si dissolvono e dove l’attenzione di focalizza solamente sulla proliferazione delle microsfere che si addensano a formare i profili dei cuori posti al centro, fermando un attimo catartico il pulsare del muscolo cardiaco (Pop Hearts, 2014) e conferendogli una connotazione fortemente materica. Sulla superficie traslucida del plexiglass, sul quale sono incastonati come gemme i Rooms of Love, come frammenti di vita, si possono riflettere, in uno spazio immaginifico, tutte le storie d’amore possibili. I cuori diventano allora un imperituro monumento all’amore che, nella forma liquida della post-modernità, diventa intercambiabile, assume un’infinita varietà di sfumature di significato, adeguandosi alle situazioni che riflette, siglate nei frammenti poetici che accompagnano ciascuna opera della serie, nata per adornare ipotetiche stanze di albergo dense di storie e ricordi.

Le opere di Daniela Forcella sono rappresentazioni iconiche e schematiche di frammenti di vita, sono “frames” che intrappolano un istante del suo fluire, al cui centro si trova, onnipresente, la forma iconica del cuore che, prima, veniva intrappolato nelle teche in plexiglass, impilato su molle di materassi, sottoposto ad una reiterazione pop, inglobato in colate di metacrilato e impilato in scrigni con i ricordi del passato. Allo stesso modo, nelle opere della serie Cartografie, gli spazi in cui è suddivisa l’opera contengono le stratificazioni altimetriche dei solchi lasciati dallo scorrere del tempo e della vita sul legno, in un’imperturbabile reiterazione, sempre di ispirazione pop (più italiana che statunitense, se pensiamo ai profili umani di Ceroli, anch’essi su legno), ma caratterizzata dal distacco emotivo, tipico dell’arte concettuale, che finalmente l’artista ha raggiunto di fronte all’imperscrutabilità dei misteri dell’universo e della vita. A riunire i frames che segnano le tappe del percorso del viandante in rosso sull’estensione degli altipiani, a dargli un significato compiuto nella dimensione interiore di ognuno di noi, stavolta, non intervengono più frammenti letterari, ma un elemento molto più indecifrabile: un rigagnolo di luce che evidenzia lo scorrere di un fiume, se osserviamo l’opera al buio. Ancora una volta, è la luce a guidarci sulla giusta strada, attraverso un percorso di eliminazione e di scavo, di rielaborazione e di interiorizzazione dei segni lasciati sul nostro animo, dai solchi tracciati sulla superficie del legno, metafora delle fratture della nostra anima. E si torna alle Cartografie, in un perenne peregrinare, come cita il titolo della monografia che sarà disponibile in mostra: In viaggio…

La formazione di Daniela Forcella è avvenuta frequentando i corsi di disegno del suo mentore, l'artista Italo Chiodi all'Accademia di Belle Arti di Brera di Milano.

All’artista sono state dedicate importanti mostre personali: Cartografie, presso la sede del Padiglione Armenia, nel contesto della 57° Biennale di Venezia, nel 2017, Gold, Silver and Colors, alla Villa Reale di Monza e Linking Hearts, al Palazzo Gargantini di Lugano, nel 2015, oltre che nella Hall del Boscolo Museum di Milano, nel 2014, in concomitanza con Milan Fashion Week.

Nel 2017 viene invitata ad esporre in occasione della collettiva Black Art Light: la luce che colora il buio, nella prestigiosa sede del Palazzo della Regione Lombardia di Milano e le viene dedicato uno spazio monografico, con la mostra personale Spirit of Love, al Basel Art Center di Basilea, in Svizzera.

Nel 2016 la Banca Mediolanum la invita ad esporre presso la suggestiva Terrazza Civita di Roma, affacciata sul Foro Romano, e presso il Palazzo dell’Artista di Padova, sede della collezione d’arte di questa importante istituzione bancaria.

L’artista è presente inoltre alle principali rassegne di arte moderna e contemporanea a livello nazionale e internazionale, come Art Basel (2015) e Scope Basel (2014), in occasione della quale espone una grande installazione composta da una cascata di cuori in resina applicati su molle di materasso.

Nel 2014 la sua monumentale colonna in plexiglass composta dagli stessi elementi strutturali, Life is Love, entra a far parte della collezione permanente del Museo Verticale di Palazzo Lombardia a Milano.

Le sue opere fanno parte di importanti collezioni private in Italia e all’estero. 

Vernissage: sabato 8 settembre, dalle 16.30

Fino al 12 ottobre 2018

La galleria Colossi Arte Contemporanea apre la stagione autunnale con la mostra personale di Max Bi (alias Massimiliano Battagliola, bresciano, classe 1973) dal titolo Crittografie; questo perché, nel corso di un’inesausta attività di ricerca artistica, durata oltre vent’anni, ha elaborato un originale e inedito linguaggio artistico, derivato dalla commistione di stili e tecniche, estrapolate dalle più disparate correnti artistiche che hanno attraversato la seconda metà del XX secolo, dal Nouveau Réalisme alla Transavanguardia.

Dalla conoscenza di uno dei maestri di questa corrente, Sandro Chia, deriva questo “nomadismo citazionista” che lo porta, già tra la fine degli anni ’90 e i primi anni 2000, a sperimentare la sua inesausta metamorfosi materica e stilistica su vari materiali, dai pannelli di cargo ferroviari ai pannelli di faesite, dai telai delle finestre alla tela grezza di iuta, canapa e lino: dai motivi del graffitismo tribale di Basquiat, dipinto con acrilici su tela, alle pitture rupestri, ricreate con addensamenti di quarzite, sabbia impastata e polvere di alluminio; dal panorama iconografico della Pop Art al décollage di Rotella; dal dripping di Pollock, realizzato con brillanti smalti, alle istantanee fotografiche sovrapposte su tele emulsionate con richiami alla Mec-Art, dai tratti marcati e violenti dell’espressionismo astratto alle sovrapposizioni di immagini fotografiche e impressioni digitali stampate su alluminio.

Quello che emerge come fil rouge di tutta la sua produzione, già dai disegni di personaggi tratteggiati con il bitume, la china e la grafite e dalle opere su iuta dei primi anni 2000, al quale rendiamo omaggio in questa mostra, è l’addensamento di marcati tratti neri, tracciati con veemenza sul supporto, memori dell’informale di Vedova. Le virtuosistiche torsioni delle sculture in ferro esposte rappresentano la materializzazione plastica, oltre che il culmine della maturazione spirituale dell’artista dei materici intrecci di questi segni, sui quali, a partire dal secondo decennio degli anni 2000, l’artista delinea grafismi, simboli, talvolta tracciati con lo stencil e la bomboletta spray, secondo quello che Celant definisce “riduzione a forme archetipiche della cultura”. Il surriscaldamento del materiale che avviene nel processo di piegatura a caldo delle sbarre rappresenta una sorta di rituale magico di catarsi in grado di ridurre un materiale di moderna concezione come il ferro a piegarsi come la nervatura di un organismo vivente con la delicatezza di una decorazione floreale in stile liberty. I solchi lasciati dal processo di lavorazione a caldo sulla superficie delle sbarre ritorte vengono colmati dalla vernice colorata in stile neo-Pop che le ricopre destando insospettabili inversioni di significato nella percezione dell’opera, com’è nello spirito ironico dell’arte di Max Bi. Allo stesso modo nei cementi e nelle iute realizzate con la tecnica dell’affresco tra il 2005 e il 2008, le resine cristallizzavano i graffi e i solchi, i tratti di colore che definiscono l’immagine, lasciati in positivo dallo strappo del supporto dal preparato di polvere di marmo, gesso e cemento che riproducevano lo stratificarsi dei tags, delle scritte, delle lacerazioni sui muri delle città, colti dallo scatto fotografico dell’artista che si aggira per le metropoli contemporanee come un moderno flâneur baudelairiano. La connotazione materica data dalla grumosità del pulviscolo di polveri generato dallo strappo, pratica comune ai Nouveaux Réalistes, ma reinventata con una tecnica che risale agli albori dell’umanità, caratterizza anche le sue prospettive urbane, gli intrecci di binari e tralicci dell’alta tensione, sempre definite da un denso groviglio di tratti neri che richiamano l’espressionismo astratto.

Gli stessi che ritroviamo in forma stilizzata nelle 11 tele esposte in mostra, realizzate nel 2018, dove le linee nere si intrecciano, come i filamenti delle sbarre ritorte nelle sculture, in composizioni astratte dall’andamento , andando continuamente a costruire e decostruire forme sintetiche, caratterizzate da campiture cromatiche di colori puri, come il rosso, il bianco, il verde e il blu, con reminiscenze che si ritrovano nei primi acquarelli di Klee.

Una sbarra ritorta di grandi dimensioni verrà collocata, per l’occasione, nella piazzetta di Corsia del Gambero, di fronte agli spazi espositivi della galleria.

Cenni biografici:

Max Bi, pseudonimo di Massimiliano Battagliola (Brescia, 1973), inizia fin da giovanissimo a sperimentare varie tecniche artistiche, tra la fine degli anni ’90 e i primi anni 2000, passando con disinvoltura dalle tecniche di proiezione dell’immagine su tela emulsionata ai graffiti tribali composti con addensamenti di sabbia, quarzite e polvere di alluminio, dai grafismi calligrafici dei writers riprodotti con lo stencil e la bomboletta spray al collage, dal panorama iconografico della Pop Art ma rielaborato con pratiche che richiamo il Nouveau Réalisme alle maschere primordiali e ai personaggi tratteggiati con la china, il bitume e la cera, in modo graffiante di Mimmo Paladino, dall’arte povera nell’uso di materiali come la iuta, la tela grezza di lino e l’assemblaggio di pannelli di faesite all’informale nella stesura violenta di tratti materici neri e bianchi sulla tela. Essi rimangono, come sostrato costitutivo dell’opera, accanto a grafemi stesi con lo stencil, anche nelle opere del secondo decennio degli anni 2000 e in quelle che precedono le tele esposte in mostra.

Ma è con l’invenzione della tecnica dell’affresco su iuta, tra il 2006 e il 2008, che l’artista raggiunge la sua cifra stilistica prediletta e i maggiori riconoscimenti: sia con la riproduzione su cemento e iuta della stratificazione di solchi, escoriazioni, graffi e scritte che si genera sui muri delle città, esposti in occasione della mostra personale I Love My Tags alla Galleria 44 di Genova nel 2007, che con i ritratti di personaggi famosi dello star system in stile pop, caratterizzati da forti contrasti chiaroscurali, come nelle serigrafie di Warhol, esposti in occasione della bipersonale con Olindo Bottura, Pop Stars, presso la Sala dei Santi Filippo e Giacomo di Brescia, nel 2011 per arrivare alle prospettive urbane, definite da tratti netti e taglienti con la tecnica dell’affresco su iuta ed esposte a Crema, in occasione delle mostre La Crème e dintorni, nel 2008, e Civiltà urbane, nel 2006. Le prospettive di bolidi fiammanti in corsa durante la Mille Miglia sono state esposte in occasione delle collettive Automobile-Autonobile, nel 2008 e nel 2010, presso il centro storico di Brescia e gli spazi espositivi della galleria Colossi, e Mille Miglia…d’Arte al Museo Santa Giulia di Brescia, nel 2009, organizzata dalla medesima galleria.

Nel 2006 viene invitato a realizzare una mostra personale, Umanità e post-Umanità, in occasione della ricorrenza dei 150 dalla fondazione della Croce Rossa, presso la Torre Civica di Solferino (Mn) e dona un’opera al Museo della Croce Rossa di Castiglione delle Stiviere (Mn) che rimane esposta in modo permanente nelle sue sale. Nello stesso anno, la fotografia tratta da un’opera scultorea di Piero Sbarluzzi, La Vendemmia, il maestro pientino dal quale, nel 2004, apprende le tecniche di lavorazione della terracotta, viene esposta in occasione della mostra Scatti DiVini che raccoglieva le immagini scattate per l’omonimo concorso fotografico nazionale, svoltasi a Palazzo Medici Ricciardi di Firenze. La fotografia ha da sempre rappresentato per l’artista bresciano lo spunto figurativo dal quale cogliere i soggetti per i suoi affreschi raffiguranti periferie urbane, intrecci di tralicci dell’alta tensione e binari ferroviari, scorci di treni in passaggio alla stazione, bolidi in corsa e prospettive di centri storici delle città.

Nel periodo compreso tra il 2006 e il 2008, le opere realizzate con la tecnica dell’affresco su iuta sono state esposte in occasione di mostre personali e collettive a livello nazionale, come il Premio Internazionale Arte Ingenua 2008, al Castello di Brescia, oltre che a Crema e a Milano, e internazionale, come la mostra Italian News alla e Chiar Gallery di SoHo, a New York, dove espone alcuni ritratti in stile pop, tra i quali quello di Pasolini. Queste opere gli hanno fruttato numerosi riconoscimenti: nel 2006, è stato tra i vincitori del premio Homo Urbanus, indetto dalla Facoltà di Architettura di Palermo, con l’opera Rail station, oltre che finalista del Premio Sabaudia, del Premio Celeste San Gimignano (Si) e del concorso Silent Art Movies di Aosta, per la realizzazione di un manifesto per il festival del cinema muto, con l’opera La diva del muto, del Concorso Regionale Biennale di Pittura “Emilio Rizzi”, promosso dall’ Associazione Aref di Brescia, con l’opera Kavalkavia, e del Premio di Pittura “Carlo Dalla Zorza” della Galleria Ponterosso di Milano, con l’opera Venezia e le isole della Laguna.

Nel 2010, due opere che ritraggono Marilyn, realizzate con la tecnica dell’affresco su sacco di iuta, vengono esposte in occasione della mostra Marilyn Monroe. Arte della bellezza, a cura di Carlo Occhipinti, presso Villa Ponti, ad Arona.

Nel 2011 partecipa, in collaborazione con l’artista Giorgio Tentolini, ad un workshop, Urban Waves, realizzato in collaborazione con l’Università degli Studi di Parma; per l’occasione, nelle sale del Palazzo della Pilotta, viene esposta un’installazione di dieci a reschi su cemento Are you still with us? che compongono lo slogan della pubblicità della Heineken, ma delineato con lo spruzzo della bomboletta spray.

Nel 2012, le opere che ritraggono personaggi famosi in stile pop su iuta vengono esposte alla Galerie des Caracoles di Parigi in occasione della mostra La Dolce Vita.

Nel 2014 espone, nello studio dell’artista Marcello Gobbi, i suoi animali in ceramica dai tratti beffardi e dalla superficie increspata, tratteggiati da linee di colori accesi, accompagnati dalle formelle in ceramica che ritraevano le sue icone in stile pop, in occasione della personale All the Beast of Max Bi.

Tra il 2013 e il 2018 l’artista viene invitato più volte a partecipare alla rassegna Velarte, a cura di Francesca Baboni e Stefano Taddei, a Campione del Garda (Bs). In queste occasioni espone le sue installazioni composte da barili di petrolio, scomposizioni di scatole di detersivi in plexiglass specchiante e la ricostruzione di ambienti naturali plastificati in teche di plexiglass.

A cura dell'Archivio Antonio Scaccabarozzi con contributi critici di Ilaria Bignotti e Paolo Bolpagni

Vernissage: Giovedì 25 Ottobre, ore 17.00

Dal 26 Ottobre al 20 Dicembre 2018

A dieci anni dalla sua scomparsa, la mostra celebra uno dei pittori più interessanti del panorama artistico italiano del secondo Novecento, attraverso un'ampia retrospettiva, dedicata ai principali cicli della sua ricerca.

L'esposizione propone una panoramica di una ventina di opere di Scaccabarozzi, dai lavori che rileggono le eredità astratto concrete, prodotti nella metà degli anni Sessanta, a quelli degli anni Settanta, come i Fustellati o le Prevalenze, fino a quelli realizzati nei decenni successivi come Misura-Distanza, Quantità libere, Essenziali e Polietileni.

Dal 25 ottobre al 20 dicembre 2018, la Galleria 10 A.M. Art di Milano, nella nuova sede di Corso San Gottardo 5, ospita una mostra dedicata a Antonio Scaccabarozzi (1936-2008), una delle figure più interessanti del panorama artistico italiano del secondo Novecento ed esponente di una indagine pittorica che, in oltre quarant'anni di ricerca, si è sviluppata in cicli poliedrici, con un linguaggio di respiro internazionale.

La rassegna, dal titolo Destinazione: presente, curata dall'Archivio Antonio Scaccabarozzi diretto da Anastasia Rouchota, con contributi critici di Ilaria Bignotti e Poalo Bolpagni, si pone come necessaria retrospettiva dedicata all'artista, a dieci anni dalla sua scomparsa, che ripercorre l'intera sua evoluzione creativa.

Artista intellettualmente inquieto e libero dai dettami e dalle mode, Scaccabarozzi ha frequentato alcuni dei protagonisti del secondo dopoguerra, da Lucio Fontana a Enrico Castellani, da Paolo Scheggi a Luciano Fabro e, riflettendo sul significato della pittura nella sua relazione spazio-temporale e percettiva-ambientale, ha saputo non solo assumere la responsabilità di ripensare profondamente l'eredità delle avanguardie concrete del secondo dopoguerra, ma anche sviluppare una personalissima indagine di assoluta contemporaneità.

il percorso espositivo, studiato ad hoc per gli spazi della galleria, ruota attorno ai suoi cicli pittorici più conosciuti, come quelli dei Fustellati e delle Prevalenze, realizzati nel corso degli anni Settanta, testimoniati in mostra da capolavori come Giro completo in 8 pezzi (pezzo 8) e Grigio 1/5 prevalenze B.V.G.R., e prosegue con le opere realizzate nei decenni successivi, dagli anni Ottanta fino agli inizi del nuovo millenio, che rivelano la complessa liricità dell'artista.

L'antologica propone creazioni che appartengono alla serie delle Linee Quasi Rette, delle Distanze Reali e Distanze Rappresentate, del Peso di Frammenti di colore, o ancora alle Iniezioni, in cui l'artista inietta del colore direttamente nella tela, o alle Immersioni che vedono Scaccabarozzi intervenire sulla tela, immergendola direttamente nel colore. Il percorso prosegue con le Quantità libere, gli Essenziali, spatolate di colore addensato che emergono dalla superficie parietale, o ancora con i Polietileni, fogli di plastica trattati come se fossero strati di colore, che diventano membrane cromatiche fluttuanti nello spazio, sospese dalla parete e dal soffitto grazie a fili di nylon.

La retrospettiva dedicata a Antonio Scaccabarozzi s'inserisce in un momento di grande riscoperta della sua attività, che si concretizza con l'ingresso di una sua opera, Iniezione-Delimitazione (1980-1981), nelle Collezioni Intesa San Paolo, alle Gallerie d'Italia di Milano, con la selezione del progetto Rotazione continua orizzontale nella mostra "WunderMore" al MAXXI di Roma, con la personale al Museo d'Arte Contemporanea di Lissone, in programma a fine settembre, e con la realizzazione del catalogo ragionato dell'opera dell'artista, di prossima pubblicazione.

Galleria 10 A.M. Art

Corso San Gottardo, 5 - 20136 Milano

 - www.10amart.it

Orari della mostra: Dal Martedì al venerdì, dalle 10.30 alle 12.30 e dalle 15.00 alle 18.30

Tutti gli altri giorni, solo su appuntamento

Ufficio stampa:

CLP Relazioni Pubbliche

Rosachiara Pardini, tel. 0236755700

www.clp1968.it

a cura di Stefano Castelli

12 settembre - 20 ottobre 2018

Inaugurazione: 12 settembre - ore 18,30

Luca Tommasi è lieto di annunciare la doppia personale di Anne Blanchet e Sean ShanahanBody of light, presso la nuova sedein Via Cola Montano 40 a Milano. L'esposizione presenta lavori recenti e inediti di entrambi gli artisti.

Linea, luce, superficie, geometria, colore sono gli elementi dell'alfabeto rigoroso e suggestivo della mostra Body of light. Due artisti e due poetichein partenza diverse che si intonano all'interno della galleria,anche grazie all'interazione dei lavori con lo spazio e con la presenza fisica dello spettatore. Pur nella ricerca dell'essenzialità, entrambi gli artisti si distaccano dall'autarchia di una certa tradizione minimalista.Una scansione quasi musicale delle forme, una soggiacente tendenza "architettonica", l'utilizzo di materiali industriali come supporto sono altrettanti possibili punti di contatto tra le due poetiche.

I Light drawings di Anne Blanchet sono strutture traslucide di plexiglas che catturano la luce secondo linee di sapore architettonico. Il disegno prende corpoe tridimensionalità, accogliendo le variazioni dovute all'interazione con la luce. L'utilizzo di un materiale industriale come il plexiglas contribuisce per contrasto alla sensualità che deriva dal contatto tra luce e superficie. Per la mostra, l'artista svizzera ha prodotto tra l'altro un'installazione inedita in rapporto con la luce naturale.

Sean Shanahan produce monocromi peculiari, rivisitati rispetto alla tradizione, né autarchici né "atmosferici". L'interazione tra l'olio e il supporto in MDF è il campo in cui si svolge il vero fulcro dell'opera.Un'interazione fatta di porosità, in cui il tocco manuale traspare in superfici apparentemente omogenee e l'azione della luce (interna ed esterna all'opera) ha libero sfogo. La sagomatura allontana il dipinto dalla bidimensionalità della parete, proiettandola in un gioco di rimandi geometrici con lo spazio.

Anne Blanchet, nata a Vuarrens nel 1947, vive a Ginevra. La prima parte della sua carriera, intrapresa a New York negli anni Ottanta, è segnata soprattutto da grandi installazioni ambientali, indoor e outdoor. In anni più recenti a questo filone si associa quello dei Light drawings. Le sue opere sono state protagoniste di personali e collettive in gallerie private e istituzioni pubbliche, oltre a partecipare a fiere come Art Basel e Fiac con la galleria Denise Réné. Tra i luoghi che ospitano le sue "integrazioni architettoniche", l'UniversitéPerolles 2 di Friburgo (Svizzera), il Parco Nuage in Belgio, il Parcdu Château Mercier a Sierre (Svizzera).

Sean Shanahan, nato a Dublino nel 1960, vive a Merate. La sua prima personale si tiene nel 1983 a Milano. Dopo una lunga ricerca maggiormente concentrata sulla geometria in anni recenti la sua poetica, segnata da una reinvenzione della monocromia e dalla sagomatura del supporto, si è decisamente orientata all'interazione con lo spazio. Numerose le esposizioni personali ecollettive in gallerie e istituzioni. Tra le più recenti, la personale Seven last words alla Galleria San Fedele di MIlano (2016) e la collettiva State of mind/The Panza Collection che accostava i suoi lavori a quelli di altri sette artisti della collezione Panza di Biumo.

La mostra resterà aperta con i seguenti orari:

martedì - sabato ore 15 – 19.                                      

Chiusura dall’11 al 13 ottobre in concomitanza di ARTVERONA 2018.  

LUCA TOMMASI

Via Cola Montano 40 - Milano

www.lucatommasi.it                                                  

Per Info e materiale iconografico:

. Tel. 335 242433

in collaborazione con

Archivio Aldo Tagliaferro, Parma

22 GIUGNO – 6 OTTOBRE 2018 

LA MOSTRA È STATA PROROGATA FINO AL 27 OTTOBRE

Vernissage: giovedì 21 giugno 2018 ore 18.30

Osart Gallery è lieta di annunciare la retrospettiva dedicata all’artista Aldo Tagliaferro (Legnano, 1936 – Parma, 2009). 

La personale, a cura di Alberto Zanchetta, in programma dal 21 Giugno al 6 Ottobre 2018, presso la sede di Osart Gallery, in Corso Plebisciti 12 a Milano, si propone di valorizzare il lavoro dell'artista attraverso la selezione di opere uniche appartenenti a uno storico e specifico ciclo di ricerca, MEMORIA-IDENTIFICAZIONE - in una variabilità temporale,che si colloca in un periodo importante durante il quale Tagliaferro entra a pieno titolo in quella che viene considerata la sua definitiva fase concettuale, mettendo a punto un nuovo metodo di lavoro – per progetti – a cui resterà fedele per tutta la sua carriera.

Alla base del grande lavoro di Aldo Tagliaferro c'è l'analisi costante dell'essere umano,del suo eterno confronto con il proprio Io e con l'ambiente che lo circonda.

La sua ricerca, oltre ad esaminare criticamente eventi del contesto sociale, dagli anni Settanta in poi si orienta verso una direzione più specifica del comportamento umano, sviluppando altresì un’indagine sulla memoria e sull’identificazione che pone in relazione la realtà con un momento intimistico.

Nell'analisi di MEMORIA-IDENTIFICAZIONE - in una variabilità temporale, Tagliaferro utilizza due componenti (la memoria e l’identificazione, che ritiene parallele al punto da sovrapporsi) la cui somma, come afferma l'artista, «dà, attraverso le esperienze consumate, una conoscenza del proprio io.Questo può diventare condizionante in un tempo presente, perché il nostro comportamento è dato dalla somma tra le nostre esperienze assimilate e la sollecitazione di nuovi stimoli, che tendono continuamente a modificarlo, in rapporto al tempo reale che è il presente».

La mostra si apre nella sala principale con due importanti opere su tele emulsionate: il dittico Particolare “IDENTIFICAZIONE MNEMONICA” (1972) e lamonumentale installazione di nove metri dal titolo IDENTIFICAZIONE IN UNA VARIABILITÀ OGGETTIVA TEMPORALE(1973). Le opere si caratterizzano sia per l'utilizzo di un insieme di elementi teso a creare diverse possibilità di interazione, sia per le sue ripetizioni variate in una scala di colori dal bianco al nero e per la possibilità demandata al fruitore di scegliere un “fotogramma di identificazione” a sua scelta. Nello spazio espositivo della Osart Gallery le fotografie di grandi dimensioni vengono inoltre allestite in modo da invogliare i presenti a sentirsi partecipi dell'ambiente evocato.

Nella seconda sala, la mostra prosegue con un piccolo nucleo dedicato ai progetti realizzati nel 1972: Studio per: MEMORIA-IDENTIFICAZIONE - in una variabilità temporale, MEMORIA-IDENTIFICAZIONE(variante blu) eProgetto per MEMORIA-IDENTIFICAZIONE - in una variabilità temporale.Qui è possibile visionare la genesi della riflessione incentrata sulla memoria; la stessa immagine fotografica, che caratterizza le tele emulsionate, viene infatti ripetuta su fogli di cartoncino, quasi a volerla rendere temporalmente verificabile.

La teatralità della grande installazione e l'unicità delle opere selezionate diventano, per chi guarda, una sorta di materializzazione fisica della scena, la quale permette di comprendere in modo filologico la progettualità e la processualità di uno dei grandi protagonisti dell'arte concettuale all’interno del panorama internazionale.

Nota biografica (1936-2009)

Aldo Tagliaferro nasce a Legnano nel 1936. Agli inizi degli anni Sessanta si dedica pienamente alla professione artistica e nel 1963 tiene la sua prima personale a Legnano.

Dopo un periodo di riconsiderazione del suo lavoro, inizia una documentazione e un'analisi del contesto socio-politico e del comportamento dell'uomo. Per essere più vicino alla realtà utilizza delle immagini fotografiche recuperate dalla cronaca. 

Nel 1969 aderisce alla Mec-Art e dal 1971 in poi prosegue la ricerca fotografica in modo autonomo. Tra le sue esposizioni ricordiamo la XXXV Biennale di Venezia (1970), Combattimento per un'immagine(1973), Fotomedia(1974-1975).

ALDO TAGLIAFERRO. MEMORIA–IDENTIFICAZIONE 

Sede: Osart Gallery | Corso Plebisciti 12, 20129 Milano

Orari: martedì - sabato, ore 10.00 - 13.00 / 14.30 - 19.00

Ingresso: libero

Catalogo: bilingue italiano/inglese

con testi di Alberto Zanchetta

Contatti: T 02 5513826 Mail 

Stimmungsvoll. GIANNI DESSI' \ GIUSEPPE SPAGNULO

Immaginate la mostra come un autentico "ricercare a due voci", una specie di itinerario sulle tracce di qualcosa che sfugge, di qualcosa che bisogna innanzitutto individuare prima ancora che cercare.

Stimmungsvoll, titolo della mostra, è anche il termine che meglio definisce questa ricerca. La parola, in lingua tedesca, si riferisce in genere alla voce degli strumenti, alla loro temperatura / accordatura  ma anche ad una  temperatura psicologica e mentale. In mancanza di un termine italiano corrispondente, esprime l'unità dei sentimenti, avvertiti da un uomo dinanzi a ciò che lo circonda.

Ad unire i due noti artisti, Gianni Dessì e Giuseppe Spagnulo, nella mostra che si inaugura venerdì 21 settembre, alla Galleria Antonella Cattani contemporary art,  non sono infatti tanto gli aspetti programmatici, quanto un determinato atteggiamento. Tramite un approccio non dogmatico, le opere di Dessì e di Spagnulo riescono ad esercitare una suggestione che supera la pura materialità e sviluppa energie metaforiche ed immaginative.

Il confrontarsi e interrogarsi sul problema del rapporto artistico con il materiale e con i suoi effetti emozionali, tanto nella pittura quanto nella scultura appartiene al modo di procedere di Gianni Dessì ed è stata una costante nel lavoro di Giuseppe Spagnulo.

Le opere in esposizione presentano le tracce evidenti del processo e delle azioni attraverso cui sono state create. Nei dipinti di Dessì si ravvisano i gesti che hanno steso il colore sulla superficie e gli interventi che sono serviti per incollare, piegare, formare i supporti applicati sulla tela.

Tutto appare funzionale alla creazione di una immagine, che accoglie stratificazioni di codici e di significati e ci restituisce con la sua sola presenza la complessità propia del rapporto che instauriamo con la realtà che ci circonda.

E' il caso del dipinto "Gemma" 2010, al centro del quale appare la sagoma sfaccettata di un diamante che custodisce in sè l'essenza dell'indifinitezza, inquanto minerale che esiste in molteplici forme diverse.

La scultura di Dessi è rappresentata nell'esposizione da significative ceramiche raku. Alle figure arcaiche, plasmate nell'argilla e poste sulla sommità di un cubo a custodire il segreto celato all'interno di questo stesso, si alternano le ceramiche caratterizzate dall'impiego del colore giallo - il colore più impertinente che esista dal punto di vista ottico perchè appare sempre in movimento - (Dessì).

Sempre a questa pratica appartengono alcune delle opere in mostra di Giuseppe Spagnulo; è il caso di Sole Rosso, 2011, opera questa, in cui pittura e scultura condividono lo stesso piano. Il grande disco in terracotta, che si impone nella parte superiore dell'opera, partecipa alla perfezione suggerita dal cerchio con una valenza di imperfezione, poichè si riferisce al mondo del divenire, al mito solare. 

Spagnulo (1936, Grottaglie, Taranto - 2016, Milano), riconosciuto tra i maggiori interpreti che hanno saputo coniugare l'arcaica radice del fenomeno culturale con le novità dei mezzi meccanico-tecnologici per giungere a forme di radicale semplicità,  ha sempre privilegiato l'aspetto dialettico del suo lavoro con la realtà.

Le sculture in acciaio forgiato, come l'opera in esposizione Sole Nero, 2011,  mostrano i segni impressi dal fuoco, da quelli più profondi e netti ai segni dai contorni sfumati. L'esposizione prosegue con le opere che appartengono al ciclo Panorama scheletrico del mondo, 2008-2014; si tratta di opere tattlili, eseguite sulla carta impiegando materiali come la sabbia di vulcano, composta da cristalli che riflettono la luce, carbone e ossido di ferro. 

antonella  cattani contemporary art

             via rosengarten  str. 1/a

             I - bolzano 39100 bozen

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             e -mail   

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21.09.2018 - 22.10.2018       

ORARIO  DI  APERTURA

 Lu - Ve       10.00 - 12.30    15.30 - 19.30  

 Sab            10.00 - 12.30